Happy Birthday, Danny Boy!

British/Irish actor Daniel Day Lewis is turning 60 today.
Since I've been a huge fan of his work for the last 30 years, I think I should really wish him Happy Birthday!!!
Funny thing: I used to know his father, the Irish poet Cecil Day Lewis, before knowing him:

I must confess that the first time I read Day Lewis name on a screen (it was back in 1986, the film was A room with a view and I immediately fallen in love with his character, the snobbish and irresistible Cecil Vyse), I thought he could be his nephew (the two had an age gap of 55 years).
Anyway, these two really look alike, and it is also the case of Daniel's son, Gabriel Kane (his mum is French actress Isabelle Adjani):

Well, what can I say? I love the Day Lewis men!
When, in 2013, I was so lucky to go to the Oscars, it was the year Day Lewis won his third Oscar as leading actor (only case in cinema history), and I couldn't help myself: I looked for him at the Governor's Ball and when I found him I made the most ridiculous love declaration of human history in front of his wife (film-maker Rebecca Miller)!!!
Hey, at least I could say that I made laugh Daniel Day Lewis...

Cecil Day Lewis wrote a poem the day his son was born, it is called The Newborn, and the first time I read it I ignored it was about a man I would have loved so much in my life.
Here it is:
The Newborn
This mannikin who just now
Broke prison and stepped free
Into his own identity--
Hand, foot, and brow
A finished work, a breathing miniature--
Was still, one night ago,
A hope, a dread, a mere shape we
Had lived with, only sure
Something would grow
Out of its coiled nine-month nonentity.
This morsel of man I've held--
What potency it has,
Though strengthless still and naked as
A nut unshelled!
We time-worn folk renew
Ourselves at your enchanted spring,
As though mankind's begun
Again in you.

Happy Birthday, Danny Boy!

September (Underestimated n° 2)

All bloggers have their favourite month, I guess.

As far as I'm concerned, it is September. I love the end of summer, the warm light in the streets at sunset, the crispy colours of things around me.

Every time September is back, I think about the Woody Allen movie having the same title. It is one of those Allen's movies people usually don't talk about and I never understood why. I watched it for the first time 23 years ago, in a Milan cinema, and I still clearly remember how much I was taken by this picture.

Lane (Mia Farrow) and Stephanie (Dianne West)

A house in Vermont, six characters, different loving disasters.
The movie never shows the outside world. This is a "chamber piece", a theatrical movie.
The owner of the house is Lane, a woman who's recovering from a nervous breakdown. It is the end of the summer and few friends has joined her for the week-end. Lane is in love with Peter, a writer, but Peter is in love with Stephanie, Lane's best friend, while Howard, a neighbour, is in love with Lane.

Things are already a bit complicated, but to make them worse, Diane (very lively Lane's mother) arrived at the house together with her third husband. Friends will spend the days talking, eating, drinking, avoiding to show or showing their feelings to the others, until a big storm comes to trouble them. It is a kind of signal: all the things remained unsaid until that moment come to surface, exploding and exposing the hidden feelings and wounds of the group.

There will not be blood, but tons of sadness.

Diane (Elaine Stritch), Lane's mother

Interestingly enough, Woody Allen directed September twice. He practically made the movie a second time because he wasn't happy about the first version, and especially his cast. He had the guts to replace two actors like Christopher Walken and Sam Shepard for the role which was eventually played by Sam Waterson, and even to replace Maureen O'Sullivan with Elaine Stritch for the role of Diane. Not that O'Sullivan was extremely famous, but she was (at that time) Allen's mother-in-law. Bad move, I guess.

By the way, I was personally very happy with the cast, thanks to the presence of an actor and an actress I have always been a huge fan of: Denholm Elliott (probably better known for his role as Mr. Emerson in A room with a view, who sadly died few years afterwards, in 1992), who's playing Howard, and Dianne Wiest (an amazing actress, and here particularly adorable with her short haircut), who plays Stephanie.

Lane (Mia Farrow) and Peter (Sam Waterson)

What I really like about September, is that Woody Allen doesn't even try to make people laugh.

I think this is one of the few movies (together with Interiors and Another Woman) where Allen allowed himself to show his (deeply) dark side. I mean, it is not by chance that Ingmar Bergman is his favourite film-maker. I read very often that this could be considered Allen's Autumn Sonata (because of the relationship between Lane and her mum), but I think that September is more Allen's Winter Light. It is just that, instead of winter in Sweden, it is autumn in Vermont.
Many themes he cherishes are present here: the cruelty of love, the volubility of feelings, the betrayal, the difficulty of human relationships, the meaning of life and the reasons behind this universe's existence. Allen's vision is not a cheerful one, and September doesn't leave the audience with much hope. In his other movies, Allen is usually able to hide his gloomy attitude through the lens of irony. I think about that scene of Radio Days where a little boy is taken to see a doctor by his mum because he is depressed. When the doctor asks him why, he answers: "Because the universe is expanding". And his mum replies: "But you live in Brooklyn and Brooklyn is not expanding!".
Maybe somebody should say to Woody that Manhattan is not expanding as well.

This is the only scene of September I was able to find on the net (with Spanish subtitles!) but it is a good example of the general atmosphere of the movie.

Lascia perdere, Johnny!

Non ho mai MAI amato la politica.

Me ne sono sempre tenuta lontana, istintivamente. Non ci ho mai creduto. Soprattutto in un paese come l’Italia, non mi ha mai sfiorato il pensiero che potesse davvero cambiare qualcosa. Ammiro smisuratamente quegli amici che, nonostante tutto, continuano ad impegnarsi e a lottare per le giuste cause. Non so proprio come facciano.
Io ho sempre avuto un unico tema al quale negli anni non ho mai smesso di dedicare la mia attenzione: la causa, diciamo così, “omosessuale”. Il motivo è molto semplice: mi riguarda da vicino. L’unico fratello che ho è gay. La maggior parte dei miei amici, pure.
Se devo dirla tutta, mi ha sempre fatto strano dover “lottare” per una cosa del genere. 
Dal mio punta di vista, infatti, non ci sarebbe nulla per cui lottare. Insomma, non ho mai capito dove sta il problema. Perché l’orientamento sessuale di qualcuno dovrebbe suscitare scandalo, o dibattito? E infatti non dovrebbe, ma a quanto pare viviamo in un paese il cui livello di civiltà non è abbastanza elevato per capirlo. E stiamo parlando degli anni 2000. Anni in cui, tanto per dirne una, persino nelle fictions nazional-popolari un gay dolce&gabbana-look-a-like non manca mai. E già qua inizia il primo inghippo: l’omosessuale può comparire, certo, ma è solo e soltanto di un certo tipo: è sensibile, simpatico, intelligente, spesso belloccio, ed è il perfetto amico delle donne. Altrimenti, come si fa ad accettarlo?
Io ho saputo che mio fratello era gay, perché lui me ne ha parlato chiaramente, quando avevo si e no 15 anni. E non erano gli anni 2000, no, signori e signore. Erano i primi anni ’80, e di gay nella TV italiana neanche l’ombra. La società tutta, la chiesa tutta, la stampa tutta, avevano un’unica cosa da dirmi sull’argomento: tuo fratello è SBAGLIATO, tuo fratello ha qualcosa che NON VA. Ed è GRAVE.
Io mi sentivo abbandonata a me stessa, e terrorizzata. Guardavo mio fratello e mi sembrava normale. Guardavo i miei amici e mi sembravano normali. Ma a quanto pare ero l’unica a vederli così.

E’ stato il cinema, ancora una volta, a venirmi incontro e a salvarmi.
Nel 1986, il regista inglese Stephen Frears ha portato sugli schermi un film scritto da un allora giovane e sconosciuto autore anglo-pakistano di nome Hanif Kureishi, dal divertente titolo My Beautiful Laundrette (letteralmente: La mia bella lavanderia).

Hanif Kureishi e Stephen Frears

Io mi sono precipitata al cinema a vederlo per due motivi: la trama, che mi pareva fantascientifica date le circostanze (due ragazzi gay, uno inglese e l’altro pakistano, decidono di aprire una lavanderia a gettoni a Brixton, quartiere malfamato di Londra) e l’attore protagonista, Daniel Day Lewis. Ci tengo a precisare che, all’epoca, nessuno, e sottolineo nessuno, sapeva chi fosse Daniel Day Lewis. Io ero uscita pazza a vederlo recitare la parte dell’irresistibile snob Cecil Vyse in A room with a view (Camera con Vista) di James Ivory, e avevo deciso seduta stante che quello era il più grande attore della sua generazione (due premi oscar e 20 anni di strepitosa carriera dopo, posso dire che sono stata lungimirante?).
Eppure non avevo idea che quel film mi avrebbe cambiato la vita. Già, perché non solo in questo film mi stavano dicendo che mio fratello non aveva nessun problema, ma mi stavano addirittura facendo capire che mio fratello era super cool. E sapete cosa? Daniel Day Lewis, che nel film si chiama Johnny, non è un tipo particolarmente dolce e sensibile. No, è un ex-punk, ex-naziskin, con i capelli colorati metà scuri e metà biondi, che se ne strabatte di stare con un pakistano (e sullo schermo i due ragazzi si baciano e fanno sesso proprio come due etero qualsiasi), che spaccia droga per riuscire a trovare i primi soldi con cui aprire la lavanderia (che non a caso viene chiamata Powders, “polverine”...). Narra la leggenda che Stephen Frears non ne volesse sapere di far recitare Daniel Day Lewis. Figlio del poet laureate (quello che scrive le poesie per la Regina, tanto per intenderci) anglo-irlandese Cecil Day Lewis, nipote del produttore Sir Michael Balcon (quello degli Ealing Studios), Day Lewis trasudava troppa classe alta per Frears. Ma un bel giorno il nostro Daniel si è prentato all’audizione sfoggiando un perfetto slang dei bassifondi, e minacciando Frears che certi suoi amici non proprio raccomandabili gli avrebbero spaccato la faccia se non avesse avuto la parte. E deve averlo convinto.

My Beautiful Laundrette è il film più “vivo” che io abbia mai visto. Ho cercato a lungo un altro aggettivo, non l’ho trovato. Sprizza energia da tutti i pori della pellicola: è un film contro la Tatcher, contro il razzismo verso i pakistani (e allo stesso tempo contro alcune stupide tradizioni pakistane), contro la mentalità naziskin tipica di certa Inghilterra povera e ignorante, e contro le differenze di classe. E’ uno dei film più politically incorrect che abbia mai visto, talmente oltre da saltare a pié pari il “problema” dell’omosessualità di entrambi i protagonisti (problema? quale problema?). E’ una tale boccata d’aria, che ti si riempiono i polmoni di ossigeno in una sola immagine. E’ irriverente e spensierato. L’ultima scena, in cui Johnny e Omar si spruzzano con l’acqua di un lavandino ridendo come due bambini, con in sottofondo il glu glu glu di una lavatrice, ben rappresenta la vitalità e l’allegria con la quale si esce dalla sala dopo aver visto il film.
Leggendo questa mattina i giornali italiani e scorrendo le perle di saggezza uscite dalla bocca della Binetti e di Castelli sul tema dell’omosessualità, ho ripensato a Johnny.
L’ho rivisto che tira fuori la ingua per baciare il collo di Omar mentre dà un’occhiata complice alla macchina da presa. Ho pensato: Lascia perdere, Johnny, questi non ti capiranno mai.

E sai cosa? Non importa, vorrà dire che verremo tutti nella tua lavanderia a lavare i nostri panni sporchi. Loro, immagino, non ne avranno bisogno.

Ce li avranno immacolati.