Bron

TV series saved my life more than once, I think I already wrote this in my blog.
They simply become my personal kind of addiction when there’s something wrong in my life, when bad or depressing thoughts burden my head and my heart.
In those moments, it is very weird the way a certain series imposes its presence on any others.
Why this one? I don’t know. It is a real mystery, it is one of those tricks you don’t understand and yet work very well.
So I don’t ask too many questions.
I'm having one of those moments, unfortunately, and so I’m eating bread and TV series (and cinema as well, of course, basically I’m going through a cinematic overdose).
Anyway, now I’m watching obsessively a TV series called Bron (The Bridge).
It is a Swedish/Danish production and back in 2011 I’ve seen the first season and really liked it. The plot is quite simple: a police woman from Malmö and a police man from Copenhagen have to work together to solve a series of killing. The reason why they’re both involved, is that the first corpse is found right in the middle of the bridge connecting the two cities, and so the ‘affair’ is to be split in two. The best thing about this series is the relationship between the two main characters: Saga Norén (played by Swedish actres Sofia Helin) from Malmö is a fortysomething woman suffering from the Asperger Syndrome, a subtle form of autism. Saga doesn’t have any kind of filter: she always says the truth, no matter what, and she has troubles with human feelings. And she is single. On the other side, Martin Rohde (played by Danish actor Kim Bodnia), from Copenhagen, is a big, cheerful even if messy man, and can’t be more different from Saga. Married multiple times, with 5 children, has a human and very often visceral approach to life and work.

The other impressive thing about this series is the atmosphere.
It is the perfect series for winter time.
Apparently, they have always filmed during bad and cold weather and also, very often, at night: there is barely some sun under the Malmö and Copenhagen skies, and people are constantly wearing heavy coats or shivering in the freezing wind.
It is also the perfect series for Scandinavian design lovers: there are some pretty amazing houses with magnificent furniture to look at.
The credits’ graphic of Bron is centred on the duality which is at the base of the entire series.
Everything is double, here. Two languages, two cities, two policemen, two ways of seeing the world, even two titles: Bron in Swedish and Broen in Danish. 
To distinguish them, and also to write the two actors names on screen, they have used a simple sign, this one: I. A line that looks like a bridge.
After the first two seasons, actor Kim Bodnia (if you are familiar with Nicolas Winding Refn cinema, you should recognise this actor’s face: he was in the Pusher trilogy and also in Bleeder) decided to quit. I have no idea why.  

In the third season, a new policeman from Copenhagen is sent to help Saga to solve new crimes.
In the first episode, though, this place remains vacant.
And that was the moment when I understood this series was telling me something.
I was looking at the credits of the first episode and the name of the actress Sofia Helin appeared on the screen, which was absolutely normal, then appeared the symbol of the bridge, which was normal too, and then… nothing. 
I was mesmerized by this void, and by the cleverness of this idea.
From the second episode, of course, after Helin’s name appeared the one of the new actor.
Only the first episode had that absence.
I don’t know exactly why, but I keep thinking about it. I see the image: the dark tunnel, the vintage green car of Saga running through it, the name of the actress, the bridge sign and then... nothing, nothing at all.
That blank is talking to me, even if I'm not too sure about the message.
So I keep looking at Bron, hoping that void will have a name in my life too.
One day.

Cannes 2016

A caldo sulla competizione del Festival di Cannes 2016.
Felice che ci siano (almeno!) tre donne: la francese Nicole Garcia, la britannica Andrea Arnold (che adoro!) e la tedesca Maren Ade (produttrice dei film di Miguel Gomes, quindi stiamo tranquilli).
Felice per Jim Jarmusch, i Fratelli Dardenne, Brillante Mendoza, Ken Loach, Olivier Assayas, Cristian Mungiu e Alain Guiraudie (il regista di L’inconnu du Lac). 
Stra-felice, e che ve lo dico a fare, per Pedro Almodovar, Nicolas Winding Refn e... Xavier Dolan!!! 
Resto invece freddina, lo ammetto, su Sean Penn, Jeff Nichols e Bruno Dumont. 
In ogni caso, che vinca il (la) migliore! ‪

Louder than bombs

Something strange happened to me with this post.
After a couple of months since the publication of my critic about Louder than bombs, I have received a message from the platform hosting my blog to advise me that I had violated some kind of copyright.
Never happened to me before.
I guessed it was about some pictures I have published.
The post was put in the drafts section and they asked me to change the violation.
The problem was that I didn’t know which was the incriminated picture/s.
I got back to the draft to understand better and I don’t know what I did but all of a sudden my post wasn’t there anymore.
All it was left was the title.
I felt so depressed, because now I don’t have neither the strength nor the time to write it again.
And it won’t be the same post, anyway.
I am particularly sorry, because there was a nice story attached to it.
After a few minutes that I put it on line, last December, I received a message on my twitter account from Devin Druid, the actor who plays the youngest son of Gabriel Byrne and Isabelle Huppert in the movie.
Even if my post was written in Italian, he understood I wrote something super good about him, which was the case (hashtags santi subito!).
His message was a simple emoticon, a shy flushed face, and it was so cute! 

I’m so sorry my words about him are gone forever…
… but well, I guess there’s nothing I could do about the old post now.
Probably I just need to be more careful about the pictures I publish (so difficult to understand who’s the photographer behind the pics you find on internet, by the way… especially the ones taken from the movies).
Meanwhile, all I can do is to strongly suggest you to watch Louder than bombs, a really great movie!

Nightcrawler

Los Angeles di notte.
Quante volte l'abbiamo vista, sullo schermo? Ore e ore di macchine che sfrecciano su strade lunghe e tutte uguali, dove sembrano accadere le cose più bizzarre: penso istintivamente a Into the Night di John Landis (1985) e al più recente Drive di Nicolas Winding Refn (2011).
La distesa immensa delle luci di LA fa talmente parte del nostro immaginario collettivo che quando un giorno (o meglio, una notte), ti capita di vederla sul serio dall'aereo, ti sembra di essere davanti allo schermo di un cinema, e che tutto quello lì sotto non sia reale ma una semplice proiezione della tua mente.
LA, nella mia esperienza, è in effetti la città più irreale in cui mettere piede. E' la città in cui, se entri all'ufficio informazioni per chiedere un'indicazione, te la daranno dando per scontato che tu sia in macchina e, quando scoprono che non è così, ti guarderanno come se fossi appena atterrata da Marte. 
LA è la città in cui tutti i sogni, così come tutti gli incubi, possono diventare realtà.
Nightcrawler di Dan Gilroy è una storia che ha decisamente più a che fare con i secondi.

Louis (Jake Gyllenhaal) e Nina (René Russo)

Louis Bloom è un trentenne alla ricerca di lavoro. L'iniziativa e la parlantina non gli mancano, ma le opportunità scarseggiano. Una notte, sul luogo di un incidente d'auto, osserva un paio di operatori TV che filmano la scena per poi rivenderla al canale che offrirà loro di più. Bloom ha una rivelazione: ecco quello che vorrebbe fare nella vita. Detto fatto, acquista una telecamera e si sintonizza sulle frequenze della polizia per sapere dove accadono incidenti, incendi, omicidi. La sua ambizione e la sua sfrontatezza gli permettono di dare inizio ad una brillante carriera. Resta solo da capire fino a che punto Bloom è pronto a spingersi per ottenere quello che vuole. Ed è proprio lì che il sogno americano si trasforma in incubo.

Nightcrawler si iscrive in una lunga tradizione di film americani sulla cattiva influenza e il cinismo dei mass media, basti pensare a due classici: Ace in the Hole di Billy Wilder (1951) e Network di Sydney Lumet (1976). La figura di Louis Bloom è assolutamente geniale: trentenne che, per sua stessa ammissione, passa la sua vita su internet, è il prodotto perfetto della società attuale. Parla come se fosse uscito da un corso di marketing per corrispondenza, è lucido ed efficace sui suoi obiettivi e da manuale nel gestire il suo più volte citato "business plan". E' anche un mostro, ma questo Bloom sembra ignorarlo. E' talmente obnubilato dal raggiungimento dei suoi obiettivi, che si è dimenticato di essere umano. 
Non solo non ha mai un dubbio sui suoi atti e sulla sua vita (anche se vita è una parola grossa, nel suo caso), ma si stupisce moltissimo che gli altri non si comportino come lui. Bloom è al di là del cinismo, è semplicemente agghiacciante, è in una no man's land di cui è davvero pauroso scoprire l'esistenza.

Lucida follia: Jake Gyllenhaal nel ruolo di Louis Bloom

Dietro la macchina da presa, per la prima volta nella sua vita, c'è uno sceneggiatore "di mestiere" di Hollywood, tale Dan Gilroy, che dimostra di conoscere bene quello di cui sta parlando ed ha una mano davvero felice nel filmare sia la notte di LA che quella interiore del suo protagonista. 
Nella parte di Louis Bloom, in quella che ad istinto citerei come l'interpretazione dell'anno, c'è un attore che se continua così ne vedremo delle belle: Jake Gyllenhaal. Quasi trasfigurato: la faccia scavata, gli occhi famelici, il corpo ossuto, sembra essere abitato dalla follia del suo personaggio. E' perfetto dall'inizio alla fine, senza sbavature, senza un sospetto di gigioneggiamento. La sua è un'interpretazione scarna ed ossessiva che lascia impauriti ed ammirati.
Accanto a lui, nella parte del suo assistente (una figura davvero notevolissima), un ottimo attore inglese che di nome fa Riz Ahmed, e un'altrettanto brava (e invecchiata normalmente, ah, ma allora esiste, a Hollywood!) René Russo nel ruolo della cinica responsabile del canale Tv a cui Bloom vende i suoi pezzi. 

Louis (Jake Gyllenhaal) e Rick (Riz Ahmed)

Il marcio di Hollywood non è mai stato così esaltante, credete a me. Correte a vederlo.

Zazie d'Or 2013

Oscars? Golden Globes? Golden Lions? Golden Palms? Golden Bears? BAFTAs? Césars?
Totally has been! Totally out of fashion! The most prestigious cinema award worldwide is – no doubt about it - the one and only ZAZIE D’OR!
Last year, Zazie has been 84 times to the movies and this, dear readers, is the BEST OF IT ALL:

The Zazie d’Or for BEST PICTURE 2013 goes to
LA VIE D'ADELE by Abdellatif Kechiche (France)
They are two girls in France but they could have been a boy and a girl in Japan or two boys in Alaska. Kechiche proves (thanks to two actresses en état de grace) that the first love and the first pain of love are universal and unforgettable. M A G N I F I Q U E !

The SPECIAL ZAZIE D’OR 2013 goes to
INSIDE LLEWYN DAVIS by the Coen Brothers (US)
A folk singer, a cat named Ulysesse, a bunch of beautiful songs, a cold winter in the NY of the 60s. And the genius of the Coen Brothers to turn a disastrous series of events into the most pleasant cinema moment of the year. W O N D E R F U L !

The ZAZIE COUP DE COEUR 2013 goes to 
12 YEARS A SLAVE by Steve McQueen  (US)
Before seing this movie I had no idea what being a slave meant. After having seen it, I do.
Very much so.

Zazie would like to give a special prize to the entire cast of this movie for their excellent performances: CHIWETEL EJIOFOR, LUPITA NYONG'O, MICHAEL FASSBENDER, SARAH PAULSON, BENEDICT CUMBERBATCH, PAUL DANO, PAUL GIAMATTI, they are all amazing. BRAD PITT, I am afraid, IS NOT included (but we thank him, anyway, because without his presence the money to produce the film would have never been found).

The Zazie d'Or for BEST DIRECTOR 2013 goes to
NICOLAS WINDING REFN for ONLY GOD FORGIVES (Thailand)
This is a prize that will surprise many of you, I know. Nobody liked this movie except me and few other people. Well, j'assume! I have always loved his cinema, and I adore the way he films. I am completely under his spell. I can stay in front of the screen for hours if Winding Refn is behind the camera.

 

The Zazie d’Or for BEST ACTOR 2013 goes to
BRUCE DERN for NEBRASKA by Alexander Payne (US)
You don't need to have made the Actor's Studio to give the performance of the year. You don't even need to be young and beautiful, to loose 30 kgs, to have a handicap or a mortal illness. Sometimes you just need to be Bruce Dern in a black & white movie. This one.

The Zazie d’Or for BEST ACTRESS 2013 goes to
CATE BLANCHETT for BLUE JASMINE by Woody Allen (US)
Yes, I know, she has already won all the prizes in this world. I’ve tried to find somebody else, I thought a lot about the girls of La vie d’Adèle, but then I had to admit it: the most unforgettable one, is her Jasmine. There's nothing I could do about it!

The Zazie d'Or for BEST SCREENPLAY 2013 goes to
RICHARD LINKLATER+JULIE DELPY+ETHAN HAWKE for BEFORE MIDNIGHT by Richard Linklater (US)

These three people have done something unique in cinema history: they have created a couple 20 years ago and they told us their story ever since. We have grown up with Jesse and Céline: we have shared with them the joys of youth, the doubts of maturity and now the difficulties of the middle age. The dialogues of these movies should be studied in every cinema school, because they're simply perfect. 
I hope we will meet them again!

 

The Zazie d'Or for BEST CINEMATOGRAPHY 2013 goes to
BRUNO DELBONNEL for INSIDE LLEWYN DAVIS by the Coen Brothers (US)
Delbonnel, the man behind the magic light of movies like Faust and Le Fabuleux déstin d'Amélie Poulain, works for the first time with the Coen brothers and the result is more than special: the vintage patina of the '60s combined with the cold light of a NY winter is absolutely splendid!

The Zazie d'Or for BEST DOCUMENTARY 2013 goes to

STORIES WE TELL by Sarah Polley (Canada)

I adore Sarah Polley's cinema. Here she relates an incredible personal story: the discovery of her father not being her real father and her search for the natural one. In a strange mix of fictional super 8 films and interviews with the "real" people, she drags us into a very touching family history plenty of emotions, funny moments and universal questions about ourselves.

The Zazie d'Or for the BEST ORIGINAL SOUNDTRACK 2013 goes to
INSIDE LLEWYN DAVIS by the Coen Brothers (US)

What can I say? I'm listening to this record in a loop since the day I watched the movie for the first time (back in October 2013...)

The LITTLE ZAZIE D’OR (Best First Feature Film Prize) 2013 goes to 
HAIFAA AL-MANSOUR for WADJDA (Saudi Arabia) 
I have the greatest respect for a woman who is trying to make movies in a country where cinema doesn't exist and where women barely exist. She has filmed all the street scenes hidden inside the back of a truck, proving that, sometimes, revolutions can start with a little girl and her bike. W la Liberté!

The JEREMY IRONS PRIZE (Man of my Life Award) 2013 goes to
Irish actor GABRIEL BYRNE
In Le Temps de l’Aventure by Jérôme Bonnell, Byrne proves to be the sexiest 60something on planet earth. In the movie, he takes a commuter train to go from Calais to Paris because he is afraid of the tunnel under the English Channel. If you assure me that I’m going to meet somebody like him on a train like that, I swear to avoid the Eurostar for the rest of my life! Gabriel, here I come...

And for you, dear readers, what has been the best of 2013?

In the Mood for Vengeance

Sometimes, I get interested in a film-maker through an actor.
It has been the case for Nicolas Winding Refn, who I discovered thanks to my passion for Mads Mikkelsen. Besides the Pusher trilogy, the two made together a very strange film called Valhalla Rising. On paper, Winding Refn doesn’t have much to please me. His cinema is famous for being extremely violent and I’m famous for being extremely irritated by violence on screen. But, as it is often the case in this life, sometimes we like things we are not supposed or we don’t expect to like. 

Nicolas Winding Refn and Mads Mikkelsen on the set of Valhalla Rising

I guess his cinema attracts me because it’s made of opposites: his movies are almost silent or too filled with words, the main characters are real heroes or complete losers and the most romantic scenes can be immediately followed by the most violent ones (Drive's elevator scene docet). Violence in Winding Refn movies is never cold, though. This is why I think it’s bearable. It is always driven by emotions, it’s coming from the evident flaws of human beings, and very often it’s perpetrated on awful kind of people to get justice (well, ok, I admit it: it’s a very primitive kind of justice). 

Also, I have to confess I really enjoy Winding Refn’s interviews: he is always very funny, interesting, confused, and completely crazy. Apparently, he is teetotal, colour blind and dyslexic. As a bonus, his father is the editor of Breaking the Waves by Lars Von Trier.  There are enough elements to become a fan, as far as I’m concerned. 

Nicolas Winding Refn

Winding Refn became a mainstream film-maker just a couple of years ago via the movie Drive, where Ryan Gosling found his consecration as an actor. Having particularly liked to work together, the two decided to team up for another movie, which has been selected for the competition at this year’s Cannes Film Festival: Only God Forgives. Since Drive became kind of an iconic movie, many were waiting for their new collaboration. I have the feeling, from what I wrote in many critics these days, that people have been disappointed by it, but I didn’t. 

Nicolas Winding Refn and Ryan Gosling on the set of Only God Forgives

In fact, the thing I liked about Only God Forgives, is that it is the absolute anti-Drive. 

So, if you want to see Drive 2, well, forget about it. While the guy played by Gosling in Drive was a powerful one, in this one he’s powerless and sexually impotent (as it was the case for Mikkelsen in Pusher 2). Julian is supposed to run a drug dealing business (the movie is set in Bangkok) but he isn’t tough enough. He is subjugated by his eldest brother and, when this one is massacred for having raped and killed a 16 years old girl, Julian is not able to take care of his vengeance, as his (lovely!) mother asks him to. And last, but not least, he also has an enormous Oedipus complex: the guy is a complete disaster, I assure you. 
The only thing the driver and Julian has in common, is that they are not very talkative kind of guys. I read that Gosling and Winding Refn are dreaming of making a silent movie together, one day, and I hope that day will be soon.

Ryan Gosling as Julian

And while in Drive the music was a super important element of the movie, with a bunch of songs that stayed in the collective imagination, in Only God Forgives the music is obscure, obsessive, and the only hits are the pathetic, melodic Thai songs performed in karaoke restaurants by the real hero of the story: Chang. This man is a retired policeman, a wizard of the sword, a silent guru and a merciless avenger, whose presence (real and unreal) will haunt Julian for the whole movie. 

Vithaya Pansringarm as Chang

The other star of the movie is my favourite character: Crystal, probably the most awful mother on screen ever, played in an exceptional way by a very intelligent actress, Kristin Scott-Thomas. Usually hired to embody sophisticated, ultra-bourgeois, complex women, Winding Refn had the brilliant idea to transform her in a monstrous creature, a modern Medea dressed in Versace (the resemblance with Donatella Versace is actually pretty scary), a real bitch, able to waste his son’s life in the space of a couple of sentences (the dinner scene is absolutely to die for). 

Kristin Scott-Thomas as Crystal

The movie builds up very slowly, obliging the audience to hold back the rhythm, to quit defences, and be ready to enter into the story and into this dark, gloomy, ultra-violent world. You can take it or you can leave it, but if you are patient enough, you'll be rewarded by many unforgettable scenes (oh, the Thai child in the weelchair!).

Filmed in a spectacular way, Winding Refn confirmed his talent for an astonishing mise-en-scène, somewhere between Scorsese and Lynch with a twist (in this Far-East location) of Wong Kar-Wai. 
But if the Hong-Kong film-maker was in the mood for love, it is clear that the Danish one is more in the mood for vengeance. 

Si salvi chi può!

Jagten

Nel 1995, i registi Danesi Lars Von Trier e Thomas Vinterberg (39 e 26 anni, all'epoca), redigono e firmano a Copenhagen il manifesto cinematografico conosciuto sotto il nome di Dogma 95.
Di solito, i movimenti cinematografici vengono riconosciuti in corso di attuazione o più facilmente dopo qualche tempo: la Nouvella Vague francese, il Neo Realismo italiano, il Cinema Novo brasiliano, il Free Cinema inglese, sono diventati categorie soltanto dopo che un gruppo di opere aveva chiaramente manifestato lo stesso stile, lo stesso tipo di storie, lo stesso modo di girarle. Von Trier e Vinterberg, invece, decidono di fare esattamente l’opposto. Scrivono alcune regole e proclamano che qualsiasi regista al mondo voglia mettersi a fare film secondo quelle regole, sarà considerato un regista Dogma. L’idea alla base del manifesto era essenzialmente quella di promuovere un cinema più “puro”: via gli effetti speciali, via gli investimenti miliardari, via l’ego smisurato dell’artista (il nome del regista non deve mai comparire, tanto per dirne una). Il loro decalogo, per la verità, è al limite dell’estremo: no a luci artificiali, no a scenografie, no all’uso della musica. Non c’è da stupirsi se il Dogma viene ben presto soprannominato “Voto di Castità”. Per quanto assurdo tutto questo possa sembrare, il manifesto nei suoi 10 anni di vita (nel 2005 è stato infatti ufficialmente “chiuso”), ha prodotto un po’ dappertutto nel mondo una manciata di film molto interessanti, e anche un paio di piccoli capolavori.

Lars Von Trier e Thomas Vinterberg ai tempi del Dogma

Il primo film Dogma, ad esempio, è stato anche l’esordio di Vinterberg: Festen, film sommerso da una marea di premi ed enorme successo di critica e pubblico. Personalmente, Festen a parte, io ho adorato alcuni film dogma considerati minori, come Mifune di Søren Kragh-Jacobsen e Italian for Beginners di Lone Scherfig, due chicche che vi consiglio di recuperare.

Vinterberg, colto alla sprovvista dal successo planetario di Festen, ha fatto fatica a proseguire con una decente carriera cinematografica. Quest’anno, è ritornato al Festival di Cannes con la sua ultima opera: Jagten (La Caccia), riscuotendo di nuovo un gran successo e portandosi a casa uno dei premi più importanti (e finora secondo me anche l’unico sensato dato dalla giuria), quello a Mads Mikkelsen (lo ADORO!) come miglior interprete maschile.
La settimana scorsa, in un’anteprima speciale al Cinéma des Cinéastes (il film uscirà in Francia il 14 Novembre e in Italia il 23 Novembre), Vinterberg ha incontrato il pubblico parigino per discutere del film.

La storia: Lucas, un quarantenne appena uscito da un doloroso divorzio, sta cercando di rifarsi una vita. Le cose sembrano andargli abbastanza bene: ha accettato un nuovo lavoro come aiuto-insegnante in una scuola materna, suo figlio Marcus sta per andare a vivere con lui e Lucas sembra anche aver trovato una nuova compagna. Questa serenità è però destinata ad essere spazzata via in breve tempo: Klara, una bambina di cinque anni (nonché figlia del suo miglior amico), confessa alla direttrice della scuola di aver subito attenzioni di natura sessuale da parte di Lucas. La direttrice, sconvolta da quello che ha appena sentito, mette immediatamente in moto la macchina infernale che rischierà di schiacciare la vita dell'uomo, del tutto innocente.

Come ha giustamente fatto notare Vinterberg durante la discussione seguita al film, Jagten è l’anti-Festen assoluto. In Festen, dei bambini innocenti erano costretti a subire le attenzioni morbose di un adulto (il padre), che la faceva franca fino alla famosa festa in cui il figlio si decide a raccontare tutto di fronte agli altri componenti della famiglia. In Jagten il problema è opposto: un uomo adulto viene accusato da una bambina di aver compiuto degli atti osceni, e deve passare attraverso le prove più dure per riuscire a dimostrare agli altri la propria innocenza. Il tema è ovviamente molto delicato, e Vinterberg dimostra un gran coraggio nel “mostrare” due aspetti davvero poco rappresentati al cinema: il fatto che i bambini possano e sappiano mentire, e il fatto che anche nei primissimi anni di vita possiamo provare un sentimento simile all’innamoramento nei confronti di soggetti adulti. Klara è chiaramente affascinata da Lucas ed è proprio di fronte al suo rifiuto (in quanto adulto responsabile) verso alcuni comportamenti inattesi della bambina, che quest’ultima reagirà “contro di lui”.

 

Costruito in maniera lineare e molto rigorosa, Jagten fa crescere la tensione a poco a poco, generando un sentimento di oppressione e ingiustizia che permea la pellicola in maniera costante ma dilagante. Lo spettatore, sapendo dell'innocenza di Lucas, soffre con lui, ed è inevitabilmente portato ad una grande identificazione con il protagonista, perché tutti potremmo essere vittima di un simile errore, e chi sarebbe pronto a crederci, contro la parola innocente di un bambino? Quali amici resteranno al nostro fianco? Chi continuerà ad amarci dei nostri familiari? Chi avrà ancora fiducia in noi? Senza mai dare giudizi morali, ma anzi facendo ben capire i drammi e i dubbi nascosti dietro ciascuno dei personaggi, Jagten impressiona per forza stilistica e capacità di non abbandonarsi mai a facili vie d'uscita o scorciatoie sentimentali. La sceneggiatura è solidissima, certo, ma qui come al solito gli attori fanno la differenza. Intanto, chi ha trovato una bambina di 5 anni così brava a recitare? Mentre su Mikkelsen, che volete che vi dica, per me è uno dei più bravi attori in circolazione. Se qualcuno di voi ha familiarità con il cinema di un altro grande regista danese, Nicolas Winding Refn, sa di cosa sto parlando: dalla trilogia Pusher al delirio Valhalla Rising, Mikkelsen dimostra una versatilità ed una capacità di cambiare registro di rara potenza. Qui è tutto in sottrazione, con rare esplosioni di rabbia che lasciano senza fiato. Semplicemente eccezionale.
Vinterberg, ritrovata la sua vena più personale, ritornato - se posso osare - più "dogmatico", dà vita ad un film dal quale non si esce indenni (magnifica, lo vedrete, la scena finale!). Non sono stupita che abbia citato come primo riferimento per il film Fanny e Alexander di Ingmar Bergman. 
Perché nella vita, si sa, dovendo avere dei modelli, tanto vale puntare in alto!