Beginners

Movies are like people.

Sometimes we meet somebody, and we feel a special connection to him/her. We feel like we talk the same language, we have the same thoughts, the same fears, and we can share feelings and experiences. Sometimes we go to the movies, and we find a film able to touch our souls using a common language, a similar way of imagining things, and conceiving this life. It is not every day, though. And this is why it is so special when it happens.

Yesterday night I went to see a "movie-friend": Beginners, by American film-maker Mike Mills (who, by the way, is married to one of my favourite artists in this world, the incredibly gorgeous and talended Miranda July).
It tells the story of Oliver, a 38 years old graphic artist, who's going through a very sad moment of his life: he just lost his father, Hal. While still in mourning, he met at a party the beautiful and bizarre French actress Anna, with whom he fell in love. Oliver's head is plenty of memories of his father and mother (who died 5 years before his dad). After his mum died, Hal, at the age of 75, made his coming out, declaring he’s been gay his whole life. Oliver witnesses his father's new life with a mixture of joy and disbelief: Hal has a younger boy-friend, an intense social life, he's surrounded by new friends and supports many activities related to the gay cause. For Oliver, who was used to see him as a quite and sad man, this is a revelation. Few years afterwards, though, Hal finds out to have a cancer stage 4 and he soon dies. Oliver is left with a lovely (and talking!) dog, Arthur, a big and empty house, and the desire - for the very first time in his life - to have a happy and possibly lasting relationship.
When I read that this was the real story of Mills, I wasn’t surprised at all. This movie has a very particular and personal touch, which permeates every scene and influences its style and its pitch. The film-maker achieves here to create something quite rare on screen: to talk about really heavy stuff (illness, death, wrong marriages, sexual identity, depression, difficulties inside families and difficulties in relationships) in an incredibly light, funny and intelligent way. We instantly feel close to Oliver’s character and his sad but amusing attitude towards life: the introduction of his house to Arthur, his dad’s dog, is one of the most surreal scenes ever. Oliver seems constantly amazed by what human existence is able to offer, in the bad and in the good sense, and isn’t this what we all experience every day?
Mills has been blessed by the most wonderful cast: Ewan MacGregor is like the good wine, the older the better, and at each new movie demonstrates there is no limit to the range of roles he can (incredibly well) play. Sweet, shy and irresistible as the gay partner of Jim Carrey in I love you, Phillip Morris, lost and scared in the Polanski’s masterpiece The Ghost Writer and the king of subtlety in this one: he is always more than perfect, never overacting, with a glimpse of Jacques Tati in his manner and his look. Mélanie Laurent, after her exploit in Inglorious Basterds by Tarantino, proves to make the right choices for her international career and she is simply lovely in this movie, while Christopher Plummer, as Hal, is simply to die for. What a great, fantastic, amazing actor he is. Born in Toronto in 1929, Plummer has been a stage actor more than a screen actor, but every time I see him in a film I wonder why he is not more famous than he is. For this role, I hope he will be covered with prizes. But it is impossible not to mention another important actor: Arthur, the dog. More human than a human being, thanks to the subtitles he even has a voice (but he admits to know not more than 150 words!). The dialogues between him and Oliver are so cute that you just want to have the same at home. 

Beginners leaves you with the nice feeling that it is never too late to start a new life. We maybe need to be brave (and crazy) enough to face the challenges that life is imposing on us. Anything can help: a sad event, the right person, a talking dog, a blog.
Just never forget: life is what you make of it! 

La scelta di Zazie

Essere cinefili a Parigi, vi assicuro, è vita dura.
La verità è che per riuscire a vedere tutto quello che questa città offre in termini di possibilità cinematografiche, bisognerebbe rientrare in una delle seguenti categorie: studenti (ho passato ampliamente l’età), pensionati (non ho ancora l’età!), disoccupati (per fortuna un lavoro ce l’ho), o nullafacenti (sarebbe bello, ma non me lo posso permettere).
Quindi, il momento in cui ogni mercoledi mattina acquisto Télérama per controllare il nuovo programma delle sale è, per dirla come in un film: una gioia e una sofferenza (un premio a chi riconosce questa “doppia” citazione truffautiana!).
Questa settimana non ha fatto eccezione.
Ho aperto l’inserto culturale e ho trovato, film nuovi in uscita a parte, le seguenti opportunità (e NON le cito tutte!!!):
Cycle David Lynch 
Cycle Jean-Luc Godard
Cycle Stanely Kubrick
19° Festival Le court qui en dit long (il corto che la dice lunga, geniale!)
Chroniques d’Iran
Le Cinéma des Africanistes
La Comédie à l’Italienne
Festival Parfums de Lisbonne (come si può resistere?)
Films inédits de Jean-Pierre Mocky
Grands Classiques Français: Lino Ventura
Hommage à Jan Svankmajer (e questo chi è???)
Intégrale Wojciech J. Has (vedi sopra)
Marrakech du Rire
Richesse du Cinéma Hollywoodien
Robert De Niro, The King of Comedy
Terrence Malick, avant la Palme
Tigres et Pandas (???)
Woody à Paris

Capite bene che, avendo a disposizione solo 24 ore al giorno, e togliendo il tempo necessario a lavorare, mangiare e dormire, tutto no, non si può fare.
L’altro ieri ho letto sconsolata il lungo elenco delle infinite meraviglie nascoste nei cinema di Parigi e poi sono stata costretta a fare la mia scelta. Ho controllato sale, ubicazione, messo a confronto orari, comodità di luogo, ecc. ecc. e alla fine sono andata a vedere... X-Men: First Class.
Stupiti? Me ne rendo conto.
Ma di fronte alla prospettiva di Michael Fassbender e James McAvoy sullo stesso schermo per 2 ore e 15 minuti, vi assicuro, non c’è per me cinefilia che tenga.
Sono una blogger, non sono una santa...

 

Jacques Demy & The Fleet Week

I'm in New York City for my job, with no time to go to the movies, unfortunately, but this doesn't mean I don't think about cinema.
In these last days, the city has been invaded by sailors: it is Fleet Week. Every time I see a sailor, I can't help myself: I immediately think about Jacques Demy and his Les Demoiselles de Rochefort, plenty of dancing sailors and girls wearing lovely dresses with bright colours. 
I am staying at this cute hotel, having a certain Mad Men style and the perfect name for the circumstance: Maritime Hotel. The other day, coming back from a dinner, you may not believe me but I actually saw a sailor and a beautiful girl dancing in the lobby.
I looked at them, puzzled: were they real or were they coming from my imagination?
They were real, simply part of the magical power that this city has.
I took the elevator and I started dancing myself. 
Nobody could see me, but I'm sure that Jacques Demy would have approved!

Norwegian Wood (ノルウェーの森)

Non esiste limite, per me, al numero di visioni possibili di una stessa pellicola. Sono capace di imparare i dialoghi a memoria, rivedere le stesse scene 40 volte, riprovare l'identico piacere nel sentire per la centesima volta la stessa replica.
Con i libri, invece, non mi capita quasi mai. Il potere delle parole esercita su di me una diversa fascinazione, che molto ha a che vedere con l'istante, con il qui e l'adesso, con il magico che si sprigiona mentre leggo una frase, e se la rileggo mi pare che in qualche modo qualcosa si perda. Esiste tuttavia un'eccezione, uno stesso libro che ho letto a distanza di moltissimi anni (a 20 e 40): Norwegian Wood, di Haruki Murakami. E non è un caso. Norwegian Wood è uno dei miei romanzi preferiti, e ricordo di essere rimasta folgorata da tutto la prima volta che l'ho letto: la storia, l'ambientazione (Tokyo alla fine degli anni '60), i personaggi (in particolare da quello di Midori, un amore a prima vista!), il meraviglioso stile narrativo di Murakami. E' un libro speciale anche perché molto legato alla mia vita: stavo studiando giapponese, in quegli anni, e la traduzione in italiano del romanzo era stata affidata a quello che, ancora oggi, è il mio miglior amico. E' quindi con grande aspettativa mista ad un po' di preoccupazione che sono andata a vedere la trasposizione cinematografica del libro, diretta dal regista vietnamita Tran  Anh Hung e scritta da lui e dallo stesso Murakami (questo mi faceva ben sperare!).
Nella Tokyo della fine degli anni '60, quella delle contestazioni studentesche, Toru Watanabe, un giovane universitario, si trova a vivere uno dei momenti più intensi della sua vita. Ritrovata per caso Naoko, che è stata la ragazza del suo miglior amico Kizuki, suicidatosi un paio d'anni prima, Toru si innamora di lei, ricambiato, ma per Naoko è impossibile riuscire a vivere questo amore. Mai completamente rimessasi dal suicidio di Kizuki, la ragazza decide di farsi ricoverare in una struttura psichiatrica, lontana dalla città e immersa in una foresta, dove Toru riesce a farle visita di quando in quando (nei pochi momenti in cui Naoko sente di poter gestire la sua presenza). Nel frattempo, a Tokyo, Toru incontra una strana ragazza, Midori, un miscuglio di energia, follia e tenerezza straripanti, dalla quale si sente irresistibilmente attratto. Ma un nuovo, drammatico evento, darà una svolta alla sua vita, precipitandolo in maniera drammatica dall'adolescenza all'età adulta. 
Dirò subito le cose che non mi sono piaciute del film, e prima fra tutte la scelta dell'attrice che interpreta Midori. Forse perché amo incondizionatamente questo personaggio e ne ho un'idea ben precisa in testa, ho trovato che il fim non le rende per nulla giustizia. Midori è una forza della natura, è una mezza pazza, forse nemmeno tanto bella, ma viva, sensuale, allegra, una specie di tornado. Kiko Mizuhara, l'attrice scelta per interpretarla (in realtà una cantante molto famosa in Giappone qui alla sua prima prova cinematrografica), è bellissima ma per nulla speciale, tutt'al più semplicemente "simpatica". Questo è un vero peccato, perchè una grande forza del libro stava nella differenza tra le due donne di cui Toru è innamorato, mentre nel film si ha l'impressione che siano piuttosto simili, problemi psicologici a parte. L'altro difetto, piuttosto inevitabile quando si tratta di condensare in poco tempo un materiale narrativo tanto ricco, è la perdita di alcuni passaggi o di alcune storie fondamentali (come quella magnifica di Reiko, ad esempio, la compagna di stanza di Naoko in clinica). Infine, c'è il difetto tipico di tutti i film di Tran Anh Hung: l'eccessiva perfezione stilistica delle immagini. Persino nel momento di massimo dolore, di assoluta disperazione, il quadro è impeccabile, gli oggetti mai fuori posto, la natura aggiustata a regola d'arte. Verrebbe voglia di andare lì e spaccare tutto o almeno mettere qualcosa in disordine (e ve lo scrive la blogger più control freak dell'universo). Detto questo, il film è un'ottima trasposizione del romanzo, grandioso nel catturare e ricreare una certa atmosfera che si sprigiona dalle pagine del libro (mi sono detta che qui c'entrava molto Murakami), la forza, il romanticismo e l'assoluto delle storie d'amore di quando si hanno 20 anni, con alcuni momenti davvero potentissimi (come il lungo monologo di Naoko in mezzo all'erba alta, una scena straordinaria, dove l'emozione supera di gran lunga la perfezione dell'immagine). Molto azzeccata la scelta dei due interpreti principali: Rinko Kikuchi (già apprezzatissima in Babel di Inarritu) è la fragile e tormentata Naoko, mentre Kenichi Matsuyama (giovanissimo ma già molti film all'attivo in patria) è il solitario e romantico Toru. 
Qualche anno fa, in una calda estate giapponese, mi è capitato (ありがとうございます, Amitrano-san!) di prendere il té con Haruki Murakami nel suo studio di Tokyo. Dato che si trattava di uno dei miei scrittori preferiti in assoluto, ero al settimo cielo ma anche molto stupita di essere così in soggezione. Io che di solito non ho vergogna di niente, di fronte a quell'uomo così silenzioso e discreto, non avevo il coraggio di proferire parola. Murakami aveva uno sguardo vivo e indagatore, e nonostante non si possa definirlo un bell'uomo, emanavano dalla sua persona un fascino ed un carisma inauditi. Sulla porta, prima di uscire, a sorpresa, Murakami mi ha fatto i complimenti per la borsa che portavo (una Marimekko, evviva i designer finlandesi!): ma come ha fatto a notare la borsa che avevo? ho pensato stupita. Misterioso, intelligente ed imprevedibile, proprio come i suoi romanzi.  

Animal Kingdom

 

Melbourne, Australia. A boy is seated on a sofa in a poor living room: he is looking at some stupid TV program, while a woman is (apparently) sleeping near him. Somebody knock on the door, and two paramedics enter the room. Are you the one who called? They ask the boy. Yes, he answers, his eyes still glued to the screen. What did she take? Heroin.  

Welcome to the movie with the chilliest first scene of the whole cinema history, welcome to Animal Kingdom.
That woman, just for you to know, was the boy’s mother, and she is dead. For 17 years she tried to keep her son away from the rest of her lovely family, but now that she is gone, Josh is obliged to call his grandma and see if she is willing to help (knowing that mum and daughter didn’t talk to each other for ages…). Grandma is (unfortunately) ready to take care of him and Josh is welcomed inside the Cody family, the least suitable one in the world for a young mind. The Codys are a bunch of bad criminals: the eldest is Andrew “Pope”, specialized in armed robberies, the middle one is Craig, a drug dealer, and the youngest is Darren, the weakest one, who follows the other two in their crazy plans. Above them all, like a dark queen, mum Janine “Smurf” reigns. After one of their partners in crime is shot dead by the police, Andrew and Craig start a vengeance that will suck them into a spiral of deadly consequences. Young Josh, torn between his family, his girlfriend, and a detective who wants to take him out of troubles, will find himself in a very bad position. Will he be able to save himself?  
First feature film (wow!) by young Australian director David Michôd, Animal Kingdom (Winner of the Sundance Film Festival 2010) is a modern greek tragedy of epic proportions. It is tough, gloomy and hopeless: no light at the end of this dark tunnel, I am afraid. It is also one of the most anxious movies ever: you literally expect the worst at every moment, and very often the worst arrives and still surprises you. It is interesting to see and live things through the eyes of young, naïve (sometimes irritatingly so) Josh, and to feel frightened by the experiences he is going through. Families are deadly, I read once in a book, and this is particularly true for the Codys. Michôd seems to have had good maestri at school (Scorsese docet) but his style is very personal and he creates a scruffy, vaguely 70’s universe that suits perfectly to the story.  
The cast: the Codys brothers are spectacular, especially Ben Mendelsohn as the “Pope”, so good in hiding his craziness under a still surface. In the role of Sergeant Nathan Leckie, Guy Pierce is simply perfect. I love, love, love this actor: he is such a chameleon. In his career, he has played: a drag queen carrying the most incredible Abba’s souvenir in the middle of the Australian bush (The Adventures of Priscilla, Queen of the desert), the toughest and heartless American detective (L.A. Confidential), an anguished and very confused man (Memento), Andy Wharol (Factory Girl), a criminal who has to take a tough decision in a weird Australian western written and directed by Nick Cave (The Proposition), a king who prefers love to kinging (The King’s Speech) and, in this movie, a stern but very human police officer who tries his best to make Melbourne a better place to live (good luck!). James Frecheville as young Josh is almost too good to be true and I prefer to see him in another movie before giving you my opinion, but the real gem, here, is without any doubt Jacki Weaver. Her portrayal of the scary, amazingly cruel, probably incestuous mother is unforgettable. The actress manages to show all the subtleties and the ambiguousness of this terrifying human being with so much charisma that you can’t get enough of her.
You are just very happy to know that she is on the screen and, well, she is not your mother.

Remembering Colette

Quando si ama tantissimo un regista e si è cresciuti vedendo i suoi film, si ha la tendenza a considerare gli attori che hanno recitato per lui un po' come persone della propria famiglia.
O, almeno, a me succede così.
Dal momento che non c'è famiglia cinematografica che mi sia più cara di quella creata da François Truffaut, ogni volta che muore uno dei suoi attori, io mi sento malissimo. Qualche anno fa, ad esempio, sono andata con il cuore affranto al funerale di Claude Jade, un'attrice bravissima che era stata Christine Darbon, la moglie di Jean-Pierre Léaud nella serie Doinel. E' invece di questi giorni, purtroppo, la notizia della scomparsa di un'altra amatissima e truffautiana attrice francese, Marie-France Pisier, che è stata Colette, il primo (infelice) amore di Doinel, e che più volte ha fatto la sua apparizione nei capitoli della serie.
Nata in Vietnam nel 1944, la Pisier ha trascorso l'infanzia in Nuova Caledonia, dove il padre era all'epoca governatore coloniale (nel 1984 uscirà un suo romanzo ispirato a quel mondo, dal titolo "Le Bal du Gouverneur", dal quale qualche anno dopo trarrà anche un film come regista). Rientrata in Francia per gli studi, attrice di teatro, viene scelta da Truffaut per interpretare Colette e da quel momento la sua carriera decolla: la Pisier ha lavorato con registi del calibro di Jacques Rivette, André Téchiné, Alain Robbe-Grillet, Raoul Ruiz e Luis Bunuel. Donna di grande impegno civile, è stata tra le firmatarie del manifesto di Simone De Beauvoir (Manifeste des 343 salopes) in favore del diritto all'aborto nel 1971.
L'ultima volta che l'ho vista recitare, è stato in un film del 2006 di Christophe Honoré, Dans Paris, dove era la madre di Louis Garrel e Romain Duris (mentre il padre era interpretato da Guy Marchand). Honoré, uno che nella vita ha mangiato pane e Nouvelle Vague, stava probabilmente pensando a Truffaut scegliendo questi due attori come genitori dei suoi protagonisti, e che piacere guardarli rubare la scena ai giovani con la loro bravura e la loro naturale complicità.
Tuttavia, per me, Marie-France Pisier resterà per sempre Colette, la ventenne che spezza il cuore a Doinel con la sua aria superiore e noncurante: dopo averlo fatto entrare in casa, lo lascia come un idiota continuare la cena con i propri genitori mentre lei se ne va fuori con un altro ragazzo, il suo, dal nome assai improbabile Albert Tazzi (clin d'oeuil di Truffaut all'attore protagonista di L'Année dernière à Marienbad, dell'amico Alain Resnais). 
Sacrée Colette... ci mancherai!

Tomboy

L’identità sessuale è un tema molto trattato, al cinema, ma in pochi hanno avuto il coraggio di esplorarlo dal punto di vista infantile. Lo fa un film uscito in questi giorni in Francia e che sembra aver stregato pubblico e critica: Tomboy (espressione inglese che significa “maschiaccio”), seconda prova di una giovane regista, Céline Sciamma, 30 anni, che già si era fatta conoscere al grande pubblico con un film che parlava di adolescenza (Naissance des Pieuvres, che ora mi pento amaramente di aver perso alla sua uscita quattro anni fa). 

E’ la fine dell’estate, e una giovane famiglia francese si è appena trasferita in un nuovo appartamento alla periferia di Parigi. Papà, mamma visibilmente in cinta, una figlia piccola e quello che a tutti gli effetti sembra un giovane figlio: capelli corti, pantaloni, canottiera, lo osserviamo mentre il padre gli insegna un po’ per gioco a guidare... insomma, un ragazzino di 10 anni. E’ solo quando lo vediamo uscire dalla vasca dopo che ha fatto il bagno con la sorellina, che ci rendiamo conto che si tratta in realtà di una ragazzina e, contemporaneamente, sentiamo la voce della madre chiamare il suo nome: Laure! Il problema, a questo punto, è che lo spettatore lo ha già metabolizzato come bambino, e si fa una grandissima fatica a considerarlo di un altro sesso. Non siamo i soli ad avere questa difficoltà: la condividiamo con la protagonista. Quando Laure raggiunge in cortile dei ragazzini per giocare ed una di loro, Lise, le chiede: come ti chiami? La sua risposta, sicura, precisa, spiazzante, è: Michael. E’ cosi che inizia un percorso tutto in salita per Laure/Michael, che dovrà fare i conti con la sua decisione e le sue inevitabili conseguenze.

Tomboy, vi assicuro, è un film straordinario. Il tema è delicato e complicato insieme, ed anche di una pesantezza infinita, ammettiamolo, ma la regista riesce in un piccolo miracolo, quello di raccontare la storia come se la vivessimo da dentro. Con l’inconsapevolezza e l’energia dell’infanzia, che trova un suo corrispettivo visivo nel calore e nella brillantezza dell’estate. Laure ci crede veramente, di poter sovvertire l’ordine prestabilito, e noi insieme a lei. Seguiamo con trepidazione i suoi tentativi coraggiosi e maldestri insieme di trasformarsi in un ragazzo e viviamo con ansia crescente il momento in cui, inevitabilmente, la vera vita prenderà il sopravvento (del resto, mancano solo pochi giorni all’inizio della scuola...). 
Tutto suona giusto in questo film girato velocemente (20 giorni di riprese in totale), con pochi mezzi, e pervaso da una luce speciale. Non so come la regista abbia potuto trovare un’attrice cosi giovane e talentuosa: Zoé Héran è spettacolare nella parte di Laure/Michael. La scena in cui si mette a giocare a calcio, si toglie la maglietta e sputa per terra come ha visto fare agli altri ragazzini, è un concentrato di bravura e tenerezza. Non è da meno la giovanissima Malonn Lévana nella parte della sorellina, una simpatica peste che si rivela a sorpresa un’incredibile ed abilissima complice della sorella/fratello. I genitori restano sullo sfondo ma sono fondamentali: Sophie Cattani nel ruolo della madre è estremamente vera e sensibile, e Mathieu Demy nel ruolo del padre (lui che è figlio di due mostri sacri come Jacques Demy e Agnès Varda!) è sobrio e disarmante di sincerità. 
Questo film ci pone di fronte a moltissime questioni, ma prima fra tutte la crudeltà della condizione di un essere umano che si sente in un modo ma è in un altro, costretto in un corpo che non gli appartiene. Il fatto che a soffrire sia una ragazzina di 10 anni, fa cadere di colpo tutte quelle barriere che di solito sorgono spontanee quando la persona coinvolta è un adulto. La sofferenza di Laure ci appare inumana, e si avrebbe voglia di credere, almeno per un attimo, che le cose per lei possano cambiare. 
Born this way... but for ever?

Habemus Papam

L'amore per un paese passa anche attraverso l'amore che abbiamo per il suo cinema? E quando il paese è quello da cui si proviene, questa domanda come la si formula? Come la si trasforma? Un tempo l'Italia aveva registi che solo a sfiorarne il nome uno si sentiva istantaneamente meglio, e più fiero di venire da un posto dove erano nate quelle persone lì, dove certi registi avevano pensato e poi girato film di cui ancora oggi non si può fare a meno, e che faranno sempre la differenza nella storia del cinema.
Ma oggi, negli ultimi anni, quali sono i nomi di registi italiani che creano questo corto circuito di grandiosità e bellezza? Pochi, davvero pochissimi, e a me, su due piedi, il primo nome che viene sempre in mente è quello di Nanni Moretti.
Perché Moretti lo si può amare o detestare, poco importa, ma nessuno potrà negare che è uno dei pochissimi veri autori che abbiamo avuto in questo paese negli ultimi 30 anni.
Un regista capace di creare un universo tanto preciso e personale da essere riconoscibile al primo sguardo, capace di metterci tutto, nei suoi film, faccia compresa, per parlare al mondo di se stesso ma anche di noi, delle nostre paure, delle nostre ridicolaggini e delle nostre debolezze. Moretti, tra l'altro, ha sempre avuto anche la grande capacità di essere avanti sui tempi. Io sono un autarchico era un film che prendeva per il culo certe assurdità pseudo-intellettuali degli anni '70 mentre quegli anni '70 erano in pieno svolgimento (il film è del 1978), Il Caimano raccontava con un anticipo di 5 anni la sfrontatezza, l'ignoranza e la follia di un uomo politico che la settimana scorsa abbiamo vista riprodotta comodamente sui nostri schermi televisivi all'ora del TG. 
Moretti è impietoso, scomodo, esagerato, insopportabile, e indispensabile.
Ci fa ridere, certo, ma non si tira indietro nemmeno quando c'è da disperarsi. Basti pensare al dramma assoluto raccontato nella Stanza del Figlio, ma anche a quello più disperante e solitario di Sogni D'Oro (che per Zazie rimane il suo capolavoro).
Il suo nuovo film, uscito in questi giorni sugli schermi italiani (e che sarà in concorso al prossimo Festival di Cannes), aggiunge un altro importante tassello al percorso morettiano.
Habemus Papam parla di un cardinale che viene fatto Papa e al quale questo compito risulta talmente difficile e gravoso da gettarlo nello sconforto più totale. In suo aiuto, viene chiamato il più bravo psicanalista romano, il quale si trova da un momento all'altro segregato in Vaticano senza poter avere contatti con il mondo esterno, e questo fino a quando la situazione non sarà risolta. Tra un Papa in fuga e uno psicanalista costretto all'immobilità, ci sarà spazio per incontri bizzarri, partite di palla a volo tra cardinali, la scoperta del deficit d'accudimento, e la consapevolezza che, molto spesso, è difficile essere all'altezza delle nostre ispirazioni più profonde.
Habemus Papam è Moretti al suo meglio: il giusto amàlgama di ironia, situazioni serie al limite dell'assurdo, momenti semplicissimi di grande profondità, e due o tre scene che ti fanno venire voglia di metterti a ballare e di applaudire sulla sedia, per la contentezza e la consapevolezza di assistere ad un cinema fatto così. Così bene.
Michel Piccoli (c'è bisogno di dirlo?) è di un misurato e di un perfetto nella parte del Papa colto da atroce dubbio, che si potrebbe starlo a guardare da qui all'eternità, i cardinali, che dietro la loro aria seriosa nascondono nevrosi, allegrie e paure insospettabili (nonché la stoffa da grandi sportivi), sono resi a meraviglia da un gruppo di attori tutti bravissimi, Jerzy Stuhr (attore e regista polacco che ha lavorato con Kieslowski ed ora è naturalizzato italiano) ci delizia con la sua aria afflitta e paziente nella parte del portavoce del Santo Padre, e Moretti, beh, ci fa venire il dubbio che il nome ed il cognome dello psicanalista siano Michele Apicella. 
E non è che la cosa ci dispiaccia. Perché come canta la canzone del film: "Cambia, Todo Cambia", ma speriamo che Moretti, almeno lui, non cambi mai.