Lumière !

Cinema is a young art.
It was born in Lyon in 1895 and it started with the filming of a group of workers getting out of a factory.
That factory belonged to the Lumière Brothers, the inventors of modern cinema.
Last week, I was invited to the avant-première of Lumière! L’aventure commence, a film put together and commented by Thierry Frémaux (the director of the Institut Lumière in Lyon as well as the Délégué Général of the Cannes Film Festival), which is out today in French cinemas.
If you are a cinema lover, this is something you can’t possibly miss.
Lumière! Shows 108 movies (completely restored) made by the Lumière Brothers and their camera operators between 1895 and 1905, in France and all over the world. The Lumière bros actually made more than 1400 movies in total, so this is just a small selection of their incredible patrimony.

I have the feeling that when you mention the dawn of cinema, and silent movies in general, people immediately think they are about to see something boring and very ‘has been’, but this is far from the truth and Lumière! is here to prove it.
These 108 super short movies (at that time they could last no more than 50 seconds) are incredibly modern and it is amazing how they already show all the potential of cinema as form of entertainment and art. The witty, accurate and sometimes very funny commentary by Frémaux guide us through an astonishing amount of different movies: from the family movies shot by the Lumière brothers in their houses and gardens, to the wonderful images taken around the world (Venice, Istanbul, New York, Chicago, even Japan in 1905!), and scenes of ordinary (and yet poetic) life in France: a snowball fight, boys swimming in a clear summer day, men playing the pétanque. 

To my disbelief, many of the technical inventions of contemporary cinema were already present in those works: the constraints of the camera movements (they could be just still) obliged the operators to deeply creative filming ideas. Some of them still used today. Basically, the Lumière invented almost everything there is out there to see, even now, with just the extra help of modern technology.
Lumière! is such an enjoyable movie: you laugh, you cry, you marvel watching those images coming from a past that remind us, at almost every sequence, how similar we are to our ancestors.
At the end of the screening, Frémaux talked about the film and he showed us few more short films but, in this case, still to be restored. Wow! What a difference. The brightness, the perfection, the beauty of the black & white were lost without the patient and precious work of the restorers. I sincerely hope they will find the money to save all the movies from their inexorable ruin.

The movie has been followed by a super nice cocktail dînatoire at the Café Lumière of the Hotel Scribe, in Boulevard des Capucines. Well, the place wasn’t certainly chosen at random: back in 1895 it was called Salon Indien du Grand Café and it was exactly where it took place the first public screening of a Lumière movie!
Useless to say, it was full of stars (never seen in all my life such a huge concentration of French actresses all together in the same room) and it was difficult to resist to the temptation of feeling one myself.
This is why I wasn't ashamed to take this picture:

As Frémaux put it so well in the film: cinema is something joyeux, tendre et universel, and it is also, in my opinion, the thing in this world that has more to do with dreams.
So let’s live the dream, until we can!

Indivisibili

C'è speranza per il cinema italiano?
A giudicare da alcuni film usciti l'anno scorso nelle sale, si direbbe proprio di sì.
Sorrentino e Garrone a parte, cominciano a spuntare qua e là - finalmente - nuovi tipi di film, nuove storie, nuove facce di attori, nuovi generi. Qualcuno comincia ad avere meno paura, qualche produttore più coraggioso si fa avanti per mettere dei soldi in opere tutt'altro che scontate. Speriamo solo che il pubblico segua questa bella tendenza e riempia un po' le sale, dando coraggio a questa sorta di nouvelle vague nostrana.
Giovedì scorso sono stata al Cinéma Arlequin per la presentazione di una rassegna di film italiani: De Rome à Paris, Le Cinéma italien rencontre le cinéma français, che in quattro giorni ha permesso al pubblico francese di vedere dei nuovi film italiani per ora totalmente inediti da queste parti.

Il primo film della rassegna era un'opera di cui avevo sentito moltissimo parlare e che ero molto curiosa di vedere: Indivisibili, di Edoardo De Angelis.
E ho dovuto constatare, con gioia estrema, che è stato superiore a qualsiasi mia aspettativa (vedi post precedente).

Dasy e Viola sono due gemelle siamesi di 18 anni che vivono nella orrenda no man's land tra Napoli e Caserta. Si guadagnano da vivere cantando a feste patronali, matrimoni e altre manifestazioni procurate dal padre, loro manager ufficiale, particolarmente dotato per sperperare quello che le ragazze guadagnano al gioco, aiutato dalla madre, una ex prostituta che passa il tempo a bere e farsi canne. Quando, per caso, le ragazze incontrano un medico che le assicura del fatto che ci sono le condizioni fisiche per poterle separare, Dasy inizia a scalpitare per riuscire a fare l'operazione. Osteggiata dal padre e dalla madre, che vedrebbero sfumare la loro fonte di guadagno, e in un primo tempo anche dalla sorella gemella che ha paura della separazione, la ragazza farà di tutto per arrivare a conquistare la sua "libertà".

Ingiustamente escluso dalla competizione ufficiale dell'ultimo Festival di Venezia (ma come è stato possibile??!), ed in compenso reclamato nei più importanti festival in giro per il mondo, come quello di Toronto, Indivisibili è un'opera straordinaria per la storia che racconta, per come la racconta e per la bravura di tutti i suoi attori, con menzione speciale alle due gemelle Angela e Marianna Fontana, al loro primo ma si spera non ultimo film e ad Antonia Truppo, ormai una certezza.
Girato con mano santa da Edoardo De Angelis (alla sua terza prova di regia), ha il dono di mostrare una realtà terribile e crudele con una leggerezza di tocco che la rende ancora più insopportabile da guardare. La camera segue con uno sguardo quasi innocente i paesaggi post-atomici (quando e chi ha permesso di ridurre il paesaggio ad un tale orrore?), i preti che cantano e si arricchiscono alle spalle della povera gente, i genitori ignoranti, ottusi e senza scrupoli, la bruttezza delle case piene di oggetti inutili, le comunioni faraoniche per bimbette obese vestite da principesse, e la vita in simbiosi di Dasy e Viola, il loro farsi forza a vicenda di fronte all'orrore, il loro conflitto interiore quando una delle due vuole viaggiare, vedere il mondo e fare l'amore, possibilmente senza la sorella attaccata a lei.
Il ritmo è incalzante e la storia a tratti inquietante, ma non mancano sprazzi meravigliosi di ironia partenopea, che danno il giusto respiro al tutto.

Insomma Indivisibili è un film che il resto del mondo ci dovrebbe invidiare. 
Spero che la Francia decida di comprarlo e distribuirlo e, lo so che in Italia è uscito lo scorso autunno, ma se a qualcuno venisse voglia di recuperarlo in DVD, sarebbe proprio una gran cosa.
Italy's got talent, lo sapevate?

Great Expectations

Il mio più grande problema nella vita, così come al cinema, è quello delle aspettative.
Sono una ragazza che sogna in grande, che non si accontenta, con una fantasia molto, molto sviluppata, dalle uscite a dir poco roboanti.
Hai voglia a sentirmi dire che no, non si dovrebbero avere aspettative, che è sbagliato, che non bisogna aspettarsi niente così poi quello che arriva è tutto bello.
Ma come si fa? Perché bisogna vivere e sognare al ribasso, dico io?
Certo, a furia di batoste, dalla vita comincio ad aspettarmi sempre meno (in effetti è molto più saggio, ne convengo), dal cinema però no: caparbiamente, assurdamente, continuo a richiedere un grado di meraviglia che stia alla pari con le mie più great expectations.
Metti ad esempio questo film che riuniva i miei due attori più amati al mondo, che sono notoriamente Jeremy Irons e Michael Fassbender. Quando ho sentito per la prima volta che questi due sarebbero stati insieme sullo schermo la lancetta dell'aspettativa è schizzata a dei livelli che chi la ferma più. Mi mancava il respiro solo all'idea.

Poi mi sono chiesta: ma che film sarà mai? Quando ho capito che era tratto da un videogioco, già mi sono cadute le braccia, quando ho saputo che il regista era Justin Kurzel (lo stesso di Macbeth), l'entusiasmo non si è esattamente impossessato di me, però mi sono detta, vabbè dai, vedrai, sarà comunque bellissimo. Qui in Francia usciva lo stesso giorno in cui partivo per le vacanze natalizie in Italia. Pianti e stridor di denti. E' andata a finire che è stato il primo film che ho visto nel 2017. 
Ecco, diciamo, non proprio un inizio con il botto.  
Assassin's Creed è uno dei film più brutti e inutili che abbia mai visto, e ne ho visti tanti, credetemi, uno di quei film per cui ti chiedi: ma perché? perché l'hanno fatto? (a parte i soldi, intendo). E passi il tempo a pensare a quanto sarebbe stato interessante vedere quelle scene di Irons e Fassbender insieme in un film - non dico tanto - ma almeno decente.
Allora ho pensato di rifarmi andando a vedere Paterson di Jim Jarmusch, di cui tutti mi avevano detto un gran bene, sicura e felice del fatto che, trattandosi di un signor regista (a parte qualche stronzata qua e là) mi avrebbe regalato un bellissimo momento di cinema.

Solo che è andata a finire che non mi è piaciuto neppure questo film.
Avevo la netta impressione che Jarmusch volesse fare un film alla Kaurismäki, solo che se non sei Aki Kaurismäki quella cosa lì non ti riesce. Quel misto meraviglioso di poesia della quotidianità, di ironia sottile, di semplicità nel racconto, di ripetizioni impacciate, di personaggi strani e tenerissimi. 
Ecco, se non sei Kaurismäki succede che viene fuori una cosa lenta, ripetitiva e ai limiti dell'irritante (il personaggio di lei non si poteva proprio sopportare).
E capisco che tutti si aspettavano che mi piacesse ma no, non mi è piaciuto, ridatemi Kaurismäki (che è dal 2011 che non fa film e io sto per raggiungere il limite estremo di sopportazione di questa situazione).
Ho invece trovato davvero notevole, un po' a sorpresa (i giudizi che avevo sentito erano dei più disparati) il film di Tom Ford, Nocturnal Animals.

Di Ford avevo già apprezzato il primo film (anche se, essendo basato su uno dei miei romanzi preferiti di tutti i tempi, A Single Man di Christopher Isherwood, pure in quel caso non era stato facile essere all'altezza delle mie aspettative!).
Qualcuno trova irritante l'estetica estrema dei film di Ford.
Non io. Personalmente, trovo irritante quando dietro l'immagine perfetta c'è l'assoluto nulla, il vuoto cosmico, la mancanza di intenti. Se dietro scene di una formalità ricercata c'è una storia importante e ben scritta, quella formalità per me è benvenuta.
Basato sul romanzo Tony and Susan di Austin Wright, Nocturnal Animals racconta la storia di Susan, una ricca signora di Los Angeles con galleria d’arte e famiglia (fintamente) perfetta, che un giorno si vede recapitare un manoscritto destinato a sconvolgerle la vita. Si tratta di un romanzo, Nocturnal Animals appunto, scritto da Tony, il suo ex marito, qualcuno che lei non vede e non sente da quasi 20 anni. I due si erano lasciati malissimo, all’epoca: lui era un giovane romanziere di belle speranze, e lei voleva essere un’artista, ma il richiamo della vita agiata da borghese a cui era abituata avrà la meglio. Lascerà Tony, le sue velleità da pittrice, e si metterà con un bello senza anima ma pieno di soldi. Il romanzo che Tony le invia è potentissimo. Una storia nera ed inquietante dal finale terribile e straziante, che avrà un effetto dirompente sulla vita di Susan.

Film che hanno come tema principale la vendetta non sono certo rari, al cinema, eppure questo ha un sapore completamente nuovo. Di solito le vendette sono spettacolari, a volte un po’ assurde, quasi mai sottili e sistematiche. Qui invece si coglie perfettamente tutta la scia di dolore che Tony si porta dietro da innumerevoli anni. Una ferita aperta che si è imputridita, che gli ha tolto notti di sonno, e una bella fetta di vita. Costruire una vendetta attraverso un romanzo non è da tutti ma è anche un cosa che chiunque di noi potrebbe fare, volendo, a differenza di quei gesti sconsiderati che la maggior parte delle rivalse si portano dietro. La camera di Ford è elegante e fluida, si muove tra gallerie d’arte, appartamenti glaciali, vestiti perfetti di seta dai colori sgargianti e con la stessa forza cattura la follia e la violenza notturna nella trasposizione cinematografica del romanzo di Tony.    

Nocturnal Animals è un film che fa veramente paura, permeato da un’inquietudine ai limiti del sopportabile, e un senso di ineluttabilità difficile da scrollarsi di dosso.
Gli attori sono tutti bravissimi, ma non è certo una sorpresa, trattandosi di Amy Adams, Jake Gyllenhaal, Michael Shannon, Armie Hammer e Aaron Taylor-Johnson (il migliore in assoluto, nel ruolo di un cattivo ferocissimo).
In questo freddo Gennaio parigino, Nocturnal Animals è stato il primo brivido caldo cinematografico dell’anno.
Speriamo che le mie alte aspettative avranno pane per i loro denti nel 2017!

Ma vie de Courgette

A volte succede che nel corso dell'anno ci si perda dei film fondamentali.
Quei film di cui tutti parlano e che tu per qualche strana ragione ti sei lasciato sfuggire.
A me nel 2016 è successo con il film di animazione Ma vie de Courgette di Claude Barras, ma sono stata abbastanza fortunata da ripescarlo in extremis in un piccolo, delizioso cinema di Milano che consiglio a tutti gli amici in città di frequentare: il cinema Beltrade. Intanto, tutti i film sono in lingua originale! La programmazione è ottima, la sala bella e comoda, l'atmosfera accogliente e simpatica. 
E che volete chiedere di più ad un cinema?

Ma vie de Courgette è stato il mio novantesimo film visto in una sala cinematografica.
Come potete constatare, la famosa frase "Passo la mia vita al cinema", nel mio caso non è un'esagerazione.
Sono stata particolarmente felice che fosse questo film perché, proprio come avevo letto ovunque e come mi avevano detto tutti i miei amici, questo film è una meraviglia.

Icare, che si fa chiamare Courgette (Zucchina), è un bambino di 9 anni che vive con la madre, sempre ubriaca e depressa. Un giorno, per un incidente di cui lui si sente responsabile, la madre muore e Courgette, che non ha mai conosciuto il padre, viene mandato in una casa famiglia con altri bambini nella sua stessa situazione.
Tutti bambini già malmenati (a volte nel senso letterale del termine) dalla vita e che si ritrovano per la prima volta in un ambiente accogliente e con un po' di amore, grazie alla direttrice e agli insegnanti della casa-scuola. Quando Courgette si è ambientato e ha trovato dei nuovi amici, arriva anche Camille, una ragazzina per cui prende una cotta.
La zia antipatica e cattiva della ragazza vorrebbe portarsela a casa (solo per una bieca questione di soldi) ma Courgette e gli altri amici faranno di tutto per poterla tenere con loro. E, grazie anche all'aiuto di un poliziotto che si è affezionato a Courgette, le cose finiranno nel migliore dei modi.

Sceneggiato dalla sempre bravissima Céline Sciamma (la regista di quel capolavoro che era Tomboy) e tratto dal romanzo di Gilles Paris, Autobiographie d'une Courgette, questo film di animazione che utilizza la tecnica stop-motion è già stato ricoperto di premi ed è uno dei possibili candidati al prossimo Premio Oscar per il Miglior Film Straniero (concorre per la Svizzera).
Se c'è un film adatto a salutare questo vecchio anno che se ne va e ad accogliere quello nuovo con un briciolo di felicità e speranza, Ma vie de Courgette sbaraglia ogni concorrenza.
In poco più di un'ora il film è capace di farti affezionare a questo gruppetto di bimbi sfortunati e già segnati dal dolore, di farti sorridere, di farti piangere, di ricordarti le cose fondamentali della vita e di insegnarti che non ci si deve mai arrendere e che si può sempre contare sull'amore e la generosità degli altri.
La tonda faccetta di Zucchina e dei suoi amici è l'antidoto naturale alle brutture, alle violenze, ai soprusi  e alla tristezza di questo mondo.
Il mio augurio a voi lettori per l'anno che verrà è proprio questo: di trovare la vostra felicità anche nei momenti più cupi, di saper riconoscere la bellezza in mezzo agli orrori, di cercare le persone che vi sapranno amare e capire, e di avere un posto segreto a cui fare sempre ritorno, anche quando fuori piove e fa freddo, anche quando non c'è nessuno ad aspettarvi.

Da Courgette e i suoi amici e dalla vostra Zazie, gli auguri per un Felice Anno Nuovo pieno di Cinema e di Amore!

Noël à Vaugirard

Yesterday night I received a message from a friend which subject was: A Vintage Merry Xmas. 
I was obviously very curios to read it, but in fact there was nothing to read, there was just a link, and a short movie to see, the one I am posting here for you.
It was a very nice Xmas present, especially because I was completely unaware of this little film. 
A Nouvelle Vague thing I didn't know about... pretty incredible!
It is the most improbable nativity you can think of, with Serge Gainsbourg as Joseph, Chantal Goya as the Virgin Mary and a bunch of cool actors from the '60's (like Jacques Dutronc and Guy Marchand) drinking, singing and dancing in a not very religious way.
Apparently, this was shown on French TV on 23 December 1966.
This is something that cheered me up a lot.
As it was the case for almost all the '60's things, there is a freshness, a craziness, a carefreeness, a joyful sense of life that make you feel instantly better.
And who doesn't want to feel good on Xmas day?
I really adored it (thanks, Dexter!).
I think it is the best way to wish all my readers, wherever they are, a Vintage Merry Xmas!!!
Truly yours,
Zazie

Noël à Vaugirard (1966) avec Serge Gainsbourg... di rikiai

Bron

TV series saved my life more than once, I think I already wrote this in my blog.
They simply become my personal kind of addiction when there’s something wrong in my life, when bad or depressing thoughts burden my head and my heart.
In those moments, it is very weird the way a certain series imposes its presence on any others.
Why this one? I don’t know. It is a real mystery, it is one of those tricks you don’t understand and yet work very well.
So I don’t ask too many questions.
I'm having one of those moments, unfortunately, and so I’m eating bread and TV series (and cinema as well, of course, basically I’m going through a cinematic overdose).
Anyway, now I’m watching obsessively a TV series called Bron (The Bridge).
It is a Swedish/Danish production and back in 2011 I’ve seen the first season and really liked it. The plot is quite simple: a police woman from Malmö and a police man from Copenhagen have to work together to solve a series of killing. The reason why they’re both involved, is that the first corpse is found right in the middle of the bridge connecting the two cities, and so the ‘affair’ is to be split in two. The best thing about this series is the relationship between the two main characters: Saga Norén (played by Swedish actres Sofia Helin) from Malmö is a fortysomething woman suffering from the Asperger Syndrome, a subtle form of autism. Saga doesn’t have any kind of filter: she always says the truth, no matter what, and she has troubles with human feelings. And she is single. On the other side, Martin Rohde (played by Danish actor Kim Bodnia), from Copenhagen, is a big, cheerful even if messy man, and can’t be more different from Saga. Married multiple times, with 5 children, has a human and very often visceral approach to life and work.

The other impressive thing about this series is the atmosphere.
It is the perfect series for winter time.
Apparently, they have always filmed during bad and cold weather and also, very often, at night: there is barely some sun under the Malmö and Copenhagen skies, and people are constantly wearing heavy coats or shivering in the freezing wind.
It is also the perfect series for Scandinavian design lovers: there are some pretty amazing houses with magnificent furniture to look at.
The credits’ graphic of Bron is centred on the duality which is at the base of the entire series.
Everything is double, here. Two languages, two cities, two policemen, two ways of seeing the world, even two titles: Bron in Swedish and Broen in Danish. 
To distinguish them, and also to write the two actors names on screen, they have used a simple sign, this one: I. A line that looks like a bridge.
After the first two seasons, actor Kim Bodnia (if you are familiar with Nicolas Winding Refn cinema, you should recognise this actor’s face: he was in the Pusher trilogy and also in Bleeder) decided to quit. I have no idea why.  

In the third season, a new policeman from Copenhagen is sent to help Saga to solve new crimes.
In the first episode, though, this place remains vacant.
And that was the moment when I understood this series was telling me something.
I was looking at the credits of the first episode and the name of the actress Sofia Helin appeared on the screen, which was absolutely normal, then appeared the symbol of the bridge, which was normal too, and then… nothing. 
I was mesmerized by this void, and by the cleverness of this idea.
From the second episode, of course, after Helin’s name appeared the one of the new actor.
Only the first episode had that absence.
I don’t know exactly why, but I keep thinking about it. I see the image: the dark tunnel, the vintage green car of Saga running through it, the name of the actress, the bridge sign and then... nothing, nothing at all.
That blank is talking to me, even if I'm not too sure about the message.
So I keep looking at Bron, hoping that void will have a name in my life too.
One day.

Arrival

Is there life on Mars?
Apparently there is, or at least there’s life on some planets in this immense universe and, sooner or later, people living there will come to see us.
This has been one of the biggest fears in human history and one of the most exploited subjects in science-fiction movies since the creation of cinema more than 100 years ago.
There is a bunch of titles that obviously come to mind thinking about this, from the (almost) reassuring version of Steven Spielberg in Close encounters of the third kind and ET, to the frightening one of the Alien series, to the irreverent and crazy exploit of Tim Burton in Mars Attacks!.
From now on, we must add a further view, the one signed by Québécois film-maker Denis Villeneuve: his movie Arrival is, by far, one of the powerful and poignant aliens landing of cinema history.

Louise Banks, a linguistic teaching in a college, remembers very well the day aliens arrived on planet earth. Suddenly, overnight, twelve immense spacecrafts almost land (they are not exactly touching ground but remain suspended over it) in twelve different parts of the world. One of them is Kansas, and this is where Colonel Weber of the US Forces asks Louise and mathematician Ian Donnelly to go to, in order to understand the aliens language and to decode their messages, hoping they’re coming “in peace”. Time is an urgent matter, because in other places (China, especially), politicians are about to declare war to the aliens, and panic is spreading everywhere in the world.

Louise Banks (Amy Adams) and Ian Donnelly (Jeremy Renner)

I seriously start to believe that Québécois do it better. Cinema, of course.
In these last years, some of my favourite movies have been made by film-makers coming from the Montreal area, and I’m talking, ça va sans dire, about Xavier Dolan and Denis Villeneuve.
Even if extremely different, they both have a very personal and passionate approach to what they film, and the wonderful habit of creating movies that can’t possibly leave the audience indifferent.
They’re talented and they want to make movies in their own way. And I like it!
Villeneuve’s breakthrough was the amazing Incendies, back in 2010, followed by Prisoners and Enemy, both made in 2013, both with stunning performances by Jake Gyllenhaal, so-called thrillers but much more than that. Thrillers with a deep soul, if you know what I mean. In 2015, Villeneuve was in competition at the Cannes Film Festival with Sicario, a breath taking movie about the cartel war on the Mexican border, having as main character a strong yet amazingly vulnerable woman, superbly played by Emily Blunt.

Villeneuve, it is clearer at each new movie, has this tendency to embrace a certain cinematographic genre and to change it from the inside, to spread elements of disturb, to widen the borders of it and go deeper down, where anybody has gone yet.
Arrival is certainly this: it is science-fiction, but just on the surface, because what Villeneuve wants to tell us has nothing to do with it. And there is a scene in the movie that summon up his whole career: Louise going nearer the glass that separates her from the two enormous, pretty scary aliens, bringing in her hands a panel where she has simply written: HUMAN.

We are human and this is what the film-maker is interested in: why we do what we do, in the way we are doing it? What is the mystery behind our decisions, behind our feelings? And will a new, possible awareness of our future lives, change the way we act?
Arrival also talks about the world we live in: the fragility of our social systems, of the relationships between countries, and the lack of understanding that could so easily lead to ghastly catastrophes.
We need to better understand each other if we want to avoid the worst, maybe it is as simple as that.
And Villeneuve seems to strongly believe in it: the only element that could save this messy world from his destruction is the humanity in us. 
And it is not by chance that, in another key scene, the scientist confesses to Louise: "The most amazing thing that happened here wasn’t meeting them. Was meeting you."  
Maybe science-fiction will save romance, after all.

Le Demy Monde

Quello che mi piace di Parigi, è che certe volte vai semplicemente a pranzo e ti capita di incontrare qualcuno del mondo del cinema che mangia a qualche tavolo di distanza dal tuo. 
Oggi, ad esempio, si festeggiava il compleanno di una collega al Café Beaubourg, luogo abbastanza frequentato da quelli che in Francia chiamano “people”, una parola che mi ha sempre fatto tantissimo ridere.
E infatti, quando mi sono seduta, ho detto ai miei amici: Allora, a parte noi, c’è qualche people in sala?
Ma, ad un rapido sguardo, non c’era proprio nessun famoso.
Invece, alla fine del pranzo, sbirciando distrattamente alla mia sinistra, ho riconosciuto un volto a me super caro, quello di Mathieu Demy, l’unico figlio della mitica coppia formata da Jacques Demy e Agnès Varda. 
Ora, se leggete questo blog, non c’è bisogno che vi dica chi sono questi due.
Di Mathieu, è vero, ho scritto un po’ meno, ma è sempre stato presente.
Alla sua carriera di attore (ha iniziato giovanissimo a recitare nei film dei suoi genitori), oggi ormai più che consolidata, affianca anche una mini carriera da regista. A parte due corti, ha diretto pochi anni fa (nel 2011) un film piuttosto bizzarro (e stracolmo di riferimenti al mondo Varda-Demy) dal titolo Americano, di cui ha firmato anche la sceneggiatura, e ultimamente ha diretto due episodi di una serie tv davvero bellissima nella quale ha anche un piccolo ruolo: Le Bureau des Légendes. Appassionati di serie TV che siete là fuori, sappiate che i francesi non sono niente male in questo campo. Guardare per credere. Tra l'altro la seconda stagione (quella in cui appare Demy) è pure meglio della prima, caso abbastanza raro:

Clement Migaud (Mathieu Demy) e Marie-Jeanne Duthilleul (Florence Loiret Caille) 

Dei suoi ruoli di attore, invece, i miei preferiti sono senza dubbio un vecchio film del 1998, Jeanne et le Garçon Formidable, un film chiaramente ispirato all'universo di Jacques Demy, di Olivier Ducastel e Jacques Martineau:

E il più recente Tomboy (2011) di Céline Sciamma, in cui era il padre super tenero e comprensivo della ragazzina che vorrebbe tanto essere un ragazzino:

Comunque, non che fosse la prima volta che incontravo Demy (ça va sans dire!). 
In effetti, speravo che lui non si ricordasse troppo della mitica serata delle Demoiselles, ovvero l’inaugurazione della mostra su Demy della Cinémathèque Française di qualche anno fa, nella quale, complice l’euforia dello champagne, con la mia "gemella" lo avevo insistentemente salutato da un balcone, iniziando una conversazione totalmente delirante della quale per fortuna ho perso ogni traccia nella mia memoria.
E speravo si ricordasse ancora meno del mitico flash mob delle Demoiselles organizzato un sabato pomeriggio sul parvis dell’Hôtel de Ville dove, sempre con la mia jumelle (e questa volta non c’era neppure la scusa dello champagne), lo avevamo di nuovo entusiasticamente salutato come se lo conoscessimo da tutta la vita... e lui ci aveva guardate prima un po’ stranito e poi proprio visibilmente preoccupato.
Insomma ero un po’ indecisa se andargli a parlare o no, quando il destino ha voluto che ci alzassimo dal tavolo allo stesso momento e arrivassimo davanti alla porta quasi contemporaneamente.
“Bonjour, vous êtes Mathieu Demy?” – ho esordito io con un gran sorriso.
E lui, di rimando, sorridendomi: “Oui, des fois... ça m’arrive!” (Si, qualche volta mi capita).
Risposta geniale, non vi pare? 
Insomma ho capito che Mathieu era uno di noi, e quindi l’ho invaso di complimenti, e temo di avergli detto una cosa tipo: “Io penso che grazie ai film fatti dalla vostra famiglia, questo mondo sia un posto migliore!”, ma anche un più sobrio: "Ho un blog di cinema e non faccio altro che scrivere di vostro padre!" 
Lui comunque nonostante le mie enormità mi sembrava contento. 
Sorrideva e diceva spesso Merci!
Allora a quel punto l’ho lasciato andare: "Bonne Journée, Monsieur!" 
"Bonne journée à vous, Madame!"
Madame??? E’ stato il suo unico errore. 
Quello di non aver riconosciuto la Demoiselle (de Rochefort) che è in me. 
Ma vabbè, a uno del Demy Monde, si sa, io perdonerei qualsiasi cosa.