Top 10 of 2014

It is time to let you know my favourite pictures of 2014, dear readers! 
Zazie last year has seen 80 films, coming from every corner of the planet.
Of all of them, she can’t stop thinking about the following ones:

10 - '71 by Yann Demange (UK/Northern Ireland)
A young British soldier left in the middle of the Belfast Catholic enclave in the ‘70s. 
It is breathless, superbly filmed and played by an actor whose name you’ll often hear in the future: 
Jack O’Connell. 

9 - Party Girl by Marie Amachoukeli-Barsacq, Claire Burger & Samuel Theis (France/Germany)
Angélique has been a stripper all her life and she had different children from different men. Now she’s old, but this doesn’t mean she is wiser. You can love her or you can hate her, but you can’t forget about her. And, détail qui tue: this is a true story, played by the real Angélique, filmed by one of her sons.
Caméra d’Or at the last Cannes Film Festival. You bet!

8 - Nightcrawler by Dan Gilroy (US)
Louis Bloom is looking for a job and he finds one: he patrols LA streets at night searching for accidents, fires, dead people. He films everything without a shadow of emotion.
He is a modern monster, a product of contemporary society, an adept of the "business plans".
Jake Gyllenhaal delivers the performance of his life as this (in)human vulture.

7 -  Ida by Pawel Pawlikowski (Polland)
1962. Anna has never left the Polish convent where she spent all her young life. Before taking the perpetual vows, she visits her only relative, aunt Wanda. Together with her, she will venture into the real world and into their family history, discovering a dark secret. 
Essential, filmed in a magnificent black & white, an incredible portrait of two amazing women.  

6 - Deux Jours, Une Nuit by Jean-Pierre & Luc Dardenne (Belgium)
Sandra, a Belgian mother just recovered from a nervous breakdown, has only two days to convince her colleagues to renounce to a bonus in order to have her re-integrated at work. The Dardenne brothers deal with the economic crisis in their way: a simple but powerful story where the most important thing is people’s solidarity. Marion Cotillard proves once again that she's an actress of a superior kind. 

5 - Under the Skin by Jonathan Glazer (UK)
The weirdest cinema object of these last years: a young woman drives in her car through the Glasgow streets. She is looking for men, but sex is not her final purpose. It is very slow, it is very strange, it is maybe going nowhere but you follow Scarlett Johansson in the cold and gloomy Scottish land as there was no tomorrow. So unpredictable that it gets under your skin, as the title promises.   

4 - Grand Budapest Hotel by Wes Anderson (US)
Everybody would like to live in Wes Anderson’s Grand Budapest Hotel: it is full of bizarre and fascinating characters, the décor is to die for, the rhythm is frantic and the concierge, M. Gustave, is the classiest and the most reliable man ever. Ralph Fiennes shines brighter than anybody else in this irresistible and glamorous whirligig.  

3 - Boyhood by Richard Linklater (US)
As a modern Antoine Doinel, young Mason is followed by the camera of Richard Linklater from the age of 5 till the age of 18. We see him and his family (divorced father and mother and an older sister) growing up and aging literally in front of our eyes. It is life (and cinema) at its best: true, emotional, intelligent and funny. We are not alone in this world: it is so good to know it! 

2 - Winter Sleep by Nuri Bilge Ceylan (Turkey)
Watching a movie by Nuri Bilge Ceylan means something more than simply watching a movie. You are carried away in a parallel world: it is like reading a Tolstoj novel in the space of 3 hours. The psychological portrait of all the characters is so profound, complex and real, that you are submerged by a new kind of gratitude. The one you feel in front of masterpieces. 
Palme D'Or at the last Cannes Film Festival. You bet (twice!).

1 - Mommy by Xavier Dolan (Québec)
Have a look at the picture here below. This guy is about to do the most revolutionary and jubilant cinematic gesture of 2014. I'm lacking words to describe the effect that this movie has on me. 
Xavier Dolan is a larger-than-life director whose talent will grow in the years to come. 
He's a force of nature, a forerunner, a genius.
Lovers of minimalism in life and movies, please keep off, we're busy crying on a Céline Dion song. 
And, damn, we love it!

And if somebody is curious to know: no, I didn't see Gone Girl by David Fincher, because life is too short to waste time watching movies of film-makers that depresses you. 
I preferred to watch Mommy twice. 
Do you know what I mean?

Deux jours, une nuit

La coerenza, si sa, in questo mondo è merce rara.
In quello del cinema, poi, esposto a raffiche di frivolezze, capricci ed ego smisurati, è quasi utopia. Eppure, c’è una manciata di registi che, dal primo all’ultimo fotogramma della loro intera opera, ci ha insegnato che cosa significa avere una certa idea di cinema, e anche una certa idea della vita. Tra questi, da molti anni, spiccano due fratelli belgi dall’aria mite che nei loro film si sono occupati - sempre - dello stesso tipo di personaggi e dello stesso tipo di storie: Jean-Pierre e Luc Dardenne. Il loro ultimo lavoro, Deux Jours, Une Nuit, in concorso al Festival di Cannes che si concluderà tra due giorni, è uscito ieri sugli schermi parigini, e la vostra Zazie non ha mancato all’appuntamento.

La storia: Sandra, operaia in una fabbrica di pannelli solari, sta per rientrare al lavoro dopo quattro mesi trascorsi a casa per una depressione. Riceve però una brutta notizia: i suoi superiori hanno deciso di fare una votazione in cui i 16 colleghi della donna hanno dovuto decidere se rinunciare al loro bonus annuale o accettare che lei ritorni al lavoro (perché “se non è lei, sarà uno di voi”, li hanno minacciati), e ovviamente hanno scelto per il loro bonus. Accusandoli di aver agito poco correttamente, una collega di Sandra riesce a convincere i dirigenti a rifare la votazione dopo il week-end. La donna avrà dunque due giorni per andare a trovare uno ad uno tutti i suoi colleghi e cercare di convincerli a votare per lei. Supportata dal marito e dai figli, Sandra cercherà di fare del suo meglio per aggiustare le cose.

Se siete di quelli che vanno al cinema esclusivamente “per divertirsi” e “per non pensare”, allora vi sconsiglio vivamente di andare a vedere questo film. Qui si tratta di un cinema che vuole, al contrario, far pensare, e pure parecchio. I Dardenne affrontano meglio di qualunque trattato di sociologia le conseguenze della crisi economica che tutti, nessuno escluso (salvo giusto una manciata di miliardari), stiamo vivendo. E le conseguenze più dure sono quelle sulle persone, quelle che vanno a toccare la parte più fragile della natura umana, che risvegliano le paure ataviche che ci portiamo dentro da sempre. Non avere più un lavoro significa non avere più una “presenza” sociale, non esistere, essere a poco a poco esclusi dai meccanismi che governano il mondo. Sandra è l’emblema di tutto questo: appena uscita da una depressione, sotto farmaci, impaurita e convinta di non farcela, dubita persino della sua missione (anche perché, se qualcuno lo chiedesse a lei, non sarebbe poi così convinta di saper rinunciare a quei soldi). I Dardenne non le risparmiano niente ma stanno vicino a lei e agli altri personaggi del film in un modo talmente partecipe e privo di qualsiasi giudizio morale, che ti verrebbe voglia di abbracciarli ad ogni inquadratura (Haneke, vieni un po’ qui a dare un’occhiata, dai!).

Ogni volta che Sandra “chiede”, è come se chiedessimo anche noi. Un misto di tristezza, rassegnazione, vergogna e voglia di scappare lontano, si impadronisce di tutti. E ogni volta che qualcuno risponde, ci chiediamo quale sarebbe potuta essere la nostra reazione: c’è la collega che fa rispondere al citofono la figlia, quello che vuole picchiarla, quello che si vergogna e le dice piagnucolando che non può rinunciare ai soldi, e poi c’è questo ragazzo che le va incontro e dopo un attimo scoppia a piangere a dirotto e che quasi le urla: sì, ti aiuto! che è una delle cose più commoventi che io abbia visto al cinema negli ultimi anni. I Dardenne sanno bene con chi prendersela, e non si tratta né di Sandra né dei suoi colleghi, ma di un sistema malato che ha creato la crisi e ha generato i mostri capaci di gestirla in maniera cinica e feroce, lasciando che i poveri si sbranino tra loro.

Marion Cotillard, torno a dirlo per tutti quelli che la trovano “antipatica”, sarà anche una che non vi ispira simpatia, ma è un’attrice assolutamente straordinaria. Qui, mimetizzata in donna qualsiasi allo stremo delle forze, riesce a farsi abitare dal personaggio al punto che ti dimentichi di tutto il resto. E lei, come il film, vive di una misura, di una verità, di un’umanità, che ti toglie il fiato. Anche l’attore belga Fabrizio Rongione fa meraviglie nella parte del marito. Un uomo che di sicuro ha paura quanto la moglie, ma che mai, nemmeno per un attimo, lo lascia trapelare. E’ sempre lì accanto a Sandra, a darle forza, a dirle che ce la può fare, a farle capire che può contare su di lui. I Dardenne, insomma, nel loro understatement totale, ci dicono anche qual è la loro idea di amore.
E alla fine, poco importa quale sia il risultato della nuova votazione: l'importante è aver combattuto per quello in cui si crede, e averci creduto fino in fondo.
Non ce n'eravamo accorti, ma il sole splende forte, laggiù in Belgio.

De rouille et d'os

Da che cosa si riconosce un grande film? Quali sono gli elementi che lo rendono speciale, che lo pongono al di sopra degli altri? 
Come in tutte le forme d'arte, anche nel cinema la grandezza di un'opera è spesso difficile da definire. Più che descriverla, forse bisognerebbe semplicemente apprezzarla, e parlarne. A tutti, il più possibile, perché di quella bellezza ne possa godere il più alto numero di persone. Io questa settimana sono andata al cinema quattro volte. Ho visto dei film che mi sono piaciuti, anche molto, uno che mi ha divertito ma che ho dimenticato alla velocità della luce e poi, venerdì sera, ho visto il nuovo film di Jacques Audiard, De rouille et d'os (Di ruggine e d'ossa).
E lì, c'è stato un piccolo tsunami che ha spazzato via nel giro di due ore tutti i film che ho visto dall'inizio dell'anno a oggi. La grandiosità del film di Audiard è un'evidenza. Uno non può far altro che stare seduto davanti allo schermo e constatare, immagazzinare, soffrire, ridere, avere le palpitazioni e poi, una volta uscito, cercare di convivere con il fatto che no, un altro film così non capiterà tanto presto, un altro film così bisognerà aspettare un bel pezzo, per ritrovarlo. E' il rovescio della medaglia delle cose belle della vita: non capitano tutti i giorni.

Armand Verdure/Sam e Matthias Schoenaerts/Ali

Ali e suo figlio Sam, 5 anni, si sono appena trasferiti a vivere ad Antibes. Senza soldi, squattano dalla sorella di Ali. L'uomo, un passato da boxeur, trova lavoro nella sicurezza di una discoteca e lì, una sera, conosce per caso Stéphanie. Lei è un'addestratrice di orche nel parco marino della città. Pochi giorni dopo il loro incontro, Stéphanie, durante un'esibizione, viene investita da un'orca. L'impatto è devastante, e alla donna vengono amputate entrambe le gambe. Diversi mesi dopo l'incidente, Stéphanie ricontatta Ali. I due iniziano a conoscersi, a diventare amici, ad amarsi.

Marion Cotillard/Stéphanie

Basato su alcuni racconti della raccolta Rust and Bone dello scrittore Canadese Craig Davidson, De Rouille et d'os ha una trama che definire pericolosa è dire poco. Nelle mani di un regista mediocre, una storia del genere avrebbe potuto generare un mostro strappa lacrime, patetico e ricattatorio, sia dal punto di vista emotivo che psicologico. Audiard, invece, grazie ad un pudore e ad una rigorosità che sono propri del suo cinema, e grazie ad una regia prodigiosa (che non ha eguali in Francia, a mio avviso, e forse nemmeno in Europa), ci regala un film che è un diamante grezzo ma purissimo. Ogni scena ha un senso, ogni dialogo suona giusto, ogni gesto è essenziale. E poi c'è quella sua capacità rara, preziosissima, di fare dei film estremamente realistici ma incredibilmente poetici. Che è forse la cosa più difficile da esprimere, al cinema. A Audiard questa cosa riesce tanto più intensamente quanto più brutale è quello che sta mostrando. In De Rouille et d'os, le scene più belle sono quelle dei combattimenti clandestini e violentissimi di Ali. Audiard filma i corpi da vicino, li accerchia, li circonda: ci sono denti che saltano, sangue che cola, ma c'è anche la luce del sole sui volti, c'è la bellezza del mondo che si insinua tra quei bruti, e c'è la forza di un sentimento che non viene mai espresso ma che è sotto gli occhi di tutti. E quando Ali è a terra e sembra aver perso il combattimento, Audiard per dargli forza non inquadra la faccia di Stéphanie seduta in macchina ad osservare la scena (come avrebbe fatto chiunque altro), no, lui inquadra, semplicemente, la portiera della macchina. Come se fosse un volto. In questo piccolo scarto, c'è tutta la poetica di Audiard. L'emozione nei suoi film non è mai dove l'aspetti. Ti colpisce a tradimento, e non ti molla. 

Ma parliamo degli attori. Io spero che Marion Cotillard e Matthias Schoenaerts vengano sepolti vivi dai premi, per queste loro interpretazioni. Lei che fosse bravissima lo si sapeva già, ma qui dimostra quel qualcosa in più che le mancava. Senza un filo di trucco, senza gambe (!), la sua Stéphanie è una donna indimenticabile: forte, dura, decisa, ma anche vibrante, vitale e sorprendentemente bella. Quanto a Matthias Schoenarts (ma la soddisfazione di aver scritto quanto fosse bravo in Bullhead su questo stesso blog, la soddisfazione!!!), è una forza della natura sotto tutti i punti di vista. Come molti dei personaggi maschili dei film di Audiard, è soprattutto un corpo. In questo caso grosso, ingombrante, violento, totalmente incapace di esprimersi a parole, ma non per questo meno sensibile, delicato e disarmante. Ma anche il piccolo Armand Verdure nella parte di Sam e Corinne Masiero in quello della sorella di Ali, dimostrano che l'occhio di Audiard è attento ad ogni personaggio. 

Questo film è stato per me un'esperienza talmente intensa che letteralmente non riesco a pensare ad altro da quando l'ho visto, come un virus che ti entra sotto pelle e diventa impossibile da eliminare. 
Se siete di quelli che vanno a vedere un solo film all'anno, allora è venuto il momento di uscire e pagare il biglietto. 
Gli altri sono film, questo è un capolavoro.

Less than Zero

One simple question: WHY?

And I can imagine just the following three possibilities:

1 - Heavy gambling debts

2 - The richest cachet of cinema history

3 - A temporary mental illness

If it is not one of the above mentioned causes, I really DON'T/CAN'T understand why on planet earth Daniel Day Lewis could have accepted to play in a film like Nine by Rob Marshall.

Day Lewis, the GOD of acting, a man who changes accent at every movie, a man who played just with his left foot, a man who almost became a professional boxeur to play a boxeur, a man who spent weeks in jail to feel closer to Gerry Conlon, a man who scared to death the whole world playing the bad guy in Gangs of New York, a man who made look cool working in a Beautiful Laundrette of Brixton, a man who was simply irresistible playing a stiff dandy in A Room with a View (Cecil Vyse, I love you and I always will!), a man who left the audience speechless for his talent in There will be blood (I still have to find the right adjective to describe what he was able to do in that role, but I don't think it has been invented yet), my other favourite actor together with Jeremy Irons since I was 17, HIM, reduced to work in a movie where his producer is played (ok, ok, I'm using big words, here) by RICKY TOGNAZZI!!!!!

Stop the world, I want to get off.

NOW!

Based upon a Broadway musical vaguely inspired by 8 1/2 by Fellini, this movie tells the story of a big crisis. The one of Italian filmmaker Guido Contini, once a genius but now a director looking for inspiration and for a new story that could bring him back glory and success. Besides the problem of not having any idea for his next film (something he has in common with Rob Marshall?), Contini has to face other minor problems in his private life: his wife is sad because he is cheating on her, his lover is sad because she doesn't feel loved enough, his muse is pissed off because she doesn't have a script to work on and, on top of all that, he has to resist the assaults of an American journalist from Vogue who desperately wants to have sex with him (well, who can possibly blame her?). Poor Contini tries to escape this mess going away from Rome, but the mess is following him and he will be forced to take some decisions (at last!).

Nor the catholic religion neither the sweet memory of his dead mamma or the good advises of Lilli, his costumer designer and long-time friend, help him to find a solution, though. In the end, he looses everything: the wife, the lover, the muse, the film. But, after a couple of dark years in which he has the time to know himself better (and to grow a beard that is the only reason why it's worth to arrive till the end of this torture), here it is: back with a new and (apparently) great movie!

There are so many things I didn't love in Nine that I really don't know where to start.

First of all, every single detail, scene, character, dialogue looks/sounds extremely false. Everything is so fake that it is just unbearable (starting from Day Lewis exaggerate Italian accent). I've never seen/heard so many banalities about Italy and Italians all together in a single movie. Nothings is missing: the Vespas, Via Veneto, the beautiful women, the latin lovers, the priests, the prostitutes, Positano, il Vaticano, the mandolins in the background and... Sophia Loren!!! (in the worst role of her entire career). Strangely enough nobody is eating a pizza. The scene must have been cut at the final editing. Not to mention some of the songs with original refrains like Be Italian! or Cinema Italiano! repeated a hundred times.

Of Fellini's complex, grotesque and unique universe nothing is left here. The doubts, the deep pain, the despair, the lust that Fellini was able to transform in unforgettable cinema sequences, here are transformed in coarse, kitsch, loud and overloaded musical moments. Subtlety is not the favourite word in Marshall's vocabulary.

The presence of practically the whole Italian cinema (who's missing here?) in the movie is simply ridiculous. From Martina Stella playing badly, very badly the tipical Italian bimbo to the pathetic caricature of the Italian producer played by Tognazzi (you can't see the difference with that awful advertisement passing at the Italian TV a while ago). The only one who manages to give to his small part a charming touch is Valerio Mastandrea. Bravo!

But let's talk about the rest of the cast.

Nicole Kidman is playing the muse, but soon enough she will be able to play just the mummy. Is she still alive or we need to call some ER doctors? I thought she couldn't do worse than her part in Australia but she proved me wrong. Penelope Cruz is the lover and, ok, she is gorgeous, and nice and actually good, but in this movie she is such a damned cliché. Kate Hudson is the Vogue journalist and she is not even beautiful. What she is there for, exactly? Judi Dench (Lilli), well, is Judi Dench. She is perfect, as usual. She just needs to change her agent. The only one I really loved, is Marion Cotillard, Contini's wife. She is a very good actress, her role is nicely written and her two songs were the only two musical moments having a bit of heart and style. Maybe it is because you think about Giulietta Masina, looking at her, but finally I felt something and not just irritation when she was on the screen.

And Day Lewis? Well, he is going around, looking visibly lost.

In one of the last scenes, Contini is talking with Lilli and he said (thinking about his behaviour towards his wife): "I should etch idiot on my forehead, shouldn't I?"

For being part of a movie like that, yes Daniel, you definitely should.

I'd like to thank Nandina for giving me the idea of the gambling debts and for resisting with me until the end of the movie.