Comme dans Le Mépris

La vostra Zazie se ne va in missione cinematografica a Capri... a presto, amici!

Zazie is going to Capri for a cinematographic mission... see you soon, my friends!

Le conversazioni

Second Life

A while ago, I have seen the American romantic comedy (500) Days of Summer by Marc Webb, that in fact isn't a romantic comedy at all.

It is the story of a guy who falls in love with a girl who doesn't give a damn about him.

Well, maybe just a little bit. The two are having "something", actually, a kind of a love affair, quite typical of our days (of winter, not of summer): they have sex, they hang out together, but the way he and she are living all this is completely different. He is looking for more, she is looking for less. For nothing at all, as a matter of fact.

As it is often the case in my existence, cinema enlighted me about life and the world around me through a very simple mechanism.

At a certain point of the story, she invites him to her birthday party (at her place). He goes there and, since the moment he rings the doorbell of the apartment, the screen is divided in two: one side is for Reality, the other one for Expectations.

Useless to say, what it is shown in the two screens is very different: the guy is longing for a super romantic night, while the girl is showing to all her friends an engagement ring. The only small problem is that, well, the guy she is engaged to, is not our hero.

Looking at that split screen I had a great satori: BAAANG!!!

Voilà, cinema in just few seconds showed me the way to give a frame to all those moments (oh, so many) where reality and expectations are not exactly the same.

It helps, I tell you. It even works, sometimes.

It is like seeing your life from a distance, it is like not being you, but some pathetic guy on a screen.

It is you, of course, you who just said the word not to say, did the thing not to do, dreamt the dream not to have.

But you can always pretend.

This is why cinema is (oh!) so much better than life.

Zazie

ps I wasn't able to find a decent clip from the movie showing the split-screen scene I talk about in this post. BUT. Looking for that scene, I bumped into a very lovely video made by the film-maker together with the two main actors. One of those rare cases where reality wins over expectations.

You see, cinema never lets me down... (and hey, I can KILL for her dress!)

Army of Shadows

Sometimes it is a tough job, to be a cinéphile.

For the 70th anniversary of the famous "Appel du 18 Juin 1940" made by Charles De Gaulle at the BBC radio, last Friday the Centre Pompidou organized an event en plein air: the vision of the movie L'Armée des Ombres (Army of Shadows/L'Armata degli eroi) by Jean-Pierre Melville. The idea was great: to put a gigantic screen on the main façade of the building and let the people gather on the plateau Beabourg, finding a seat wherever they want. What the nice guys from the museum didn't think about, was the Parisian weather. I know, tomorrow it is Summertime, but on Friday in Paris there were 15 C°, plus a cold wind was blowing and, hey, a stone pavement is not exactly the most comfortable cinema seat ever tested.

I told a lot of friends about this amazing event, I even posted a link on my FB page to invite people to come, but in the end there were just a couple of friends who actually came (thanks Gradiva! Thanks Jordi!).

To be a real cinéphile, is not for everybody. I have to say that, in this case, the border between cinema freakness and complete craziness was very subtle. Not only we had to fight against adverse atmospheric conditions, but we had to deal with real crazy people and various drunks who took advantage of the big screen to share their thoughts and ideas with us. No thanks, maybe another time. A couple of pathetic "street artists" started a performance in the middle of the movie... what kind of mental illness they had? We were watching a Melville movie, no way our eyes could be caught by other scenes.

I had seen this film before, many years ago, and watching it again was an incredible experience. I am no surprised to read that this is considered a masterpiece of cinema history. And THE movie about French Resistance during the Second World War and the Nazi occupation of France.

Based upon the novel of Joseph Kessel, the movie follows the adventures/misadventures of a group of French resistance fighters: their tough day by day life, ruled by the fear of being captured and tortured by the Nazis. Fear that very often becomes a cruel reality: and sometimes they are able to escape, sometimes they die in prison in terrible circumstances.

This movie is so rigourous, dense, moderne. Every scene is right and necessary. Melville (who was a resistance fighter in his youth) took off all the useless things, getting to the core of the narration, so that the audience feel the fear of these men, suffer with them and want to fight with them. It is easy to do such a great job, I have to say, when you can count on such an outstanding cast: Lino Ventura, Paul Meurisse, Jean-Pierre Cassel, Serge Reggiani and Simone Signoret. Ventura's performance, in particular, should be studied in every cinema class. He is simply perfect: so dignified and human. There is this magnificent scene: he is in London during a mission and he enters by chance into a jazz club. The way he is looking at the boys and girls dancing and having fun, unaware of the bombs falling on to the city, the way he stands uneasily at the entrance, knowing he will never belong to a place like that or people like that.

It is unforgettable.

I don't know how I managed to arrive at the end of the screening without starting a freezing process, but I did. I was so taken by the images, that I actually forgot about the cold, the crazy men, the drunks. I was looking at the people seated all around the plateau Beaubourg, in the dark, and I thought that we were an army of shadows too.

We didn't have to fight in a war, it is true, but I hope that, up in the heaven of great film-makers, Melville was looking at us, feeling proud.

Il Passaggio della Linea

Avere un blog è proprio una cosa bellissima, io ve lo dico.

Nel mese di Marzo, forse qualcuno se lo ricorderà, avevo pubblicato un post entusiasta su un film Italiano di rara bellezza: La Bocca del Lupo, di Pietro Marcello.

Quel film è stato per me, come direbbero i Francesi, un vero coup de coeur, ed ha avuto conseguenze piacevolissime.

Per prima cosa, una ragazza Italiana che vive qui a Parigi ha lasciato un commento al mio post: anche lei aveva assistito alla stessa proiezione, anche lei si era innamorata del film. Le ho scritto, mi ha risposto, ci siamo viste, ci siamo state simpatiche, adesso stiamo diventando amiche. Lei si chiama Marianna ed ha un blog molto carino che vi segnalo con piacere: Gradiva Soup. Mica male conoscere una bella persona grazie ad un film, no?

Poi, alcuni amici di Roma (i mitici Sara Conforti & Emiliano Morreale, sommi cinéphiles) hanno letto la mia recensione e mi hanno fatto sapere che il regista é un loro caro amico. Ci hanno messo in contatto, ho mandato a Pietro il link con il mio post e lui mi ha scritto per ringraziarmi! Sì, lo so, è una cosa bellissima, e lo è ancora di più se pensate che, secondo lui, io avevo un po' esagerato nei complimenti. Insomma: bravo, gentile, e pure umile. Forse è il Dexter Morgan italiano, altrimenti non me lo spiego. Nel frattempo, il film ha continuato a fare incetta di premi, tra i quali il David di Donatello e il Nastro d'argento come miglior film documentario.

Sapevo che Pietro ne aveva già diretto uno, di documentario, e ho iniziato a chiedere in giro come fare per averne una copia. E' andata a finire che lui in persona mi ha fisicamente spedito il DVD. E' proprio gentilissimo, che ci volete fare. Ho visto il film questo pomeriggio e, se andavo cercando una conferma del talento di Pietro, l'ho sicuramente trovata.

Il Passaggio della Linea, titolo ispirato ad un'opera di Georges Simenon, è una storia ferroviaria.

Sullo schermo vediamo sfilare immagini filmate dai treni o sui treni, in viaggi che percorrono l'Italia in lungo e in largo, dal Nord al Sud, di giorno e di notte: i panorami scorrono, veloci, ma un filo sottile li collega. Le stazioni cambiano nome ma sembrano sempre le stesse: Genova diventa Napoli, poi si trasforma in Milano, poi si scopre che era Firenze. Dal treno, l'Italia sembra quella che è: un posto bellissimo ma anche tremendamente squallido, un paese un po' alla deriva, come una bella signora che sta invecchiando male. Ad accompagnare le immagini lungo i binari a volte c'è silenzio, a volte rumori meccanici, a volte voci umane che si sovrappongono le une alle altre, e spesso una musica. A poco a poco, iniziano ad affiorare dei volti: sono quelli dei viaggiatori, ma non di prima classe. Italiani, stranieri, lavoratori, emigranti, che raccontano le loro storie davanti alla cinepresa, in maniera molto semplice e diretta. Sono tanti quelli che restano in mente: c'è il lavoratore di Napoli che viene da Scampia a cui tocca spiegare ogni volta che non ha mai avuto a che fare con la malavita, c'è il ragazzone meridionale che racconta che andare "in missione" al Nord è un po' come essere James Bond, o meglio Superman, tale e quale. Su tutti, però, spicca la figura di Arturo, un vecchietto dal passato interessante (di attivismo politico), che ha deciso, come alternativa alla casa di riposo, di passare la sua vita sui treni: finché ci sono treni, io avrò una casa, sono le sue incredibili parole. E con fermezza e piglio risoluto, davanti ad una cinepresa dall'umanità attenta e disarmante, racconta la sua bizzarra scelta.
Si sarebbe pronti ad andare chissà dove, su questo darjeeling limited nostrano, ma poi, come tutte le cose belle, anche questo viaggio finisce. Il treno viene inghiottito, e noi con lui, dalla nave che attraversa lo stretto di Messina.

Per i film di Pietro si può utilizzare senza imbarazzo e anche un po' senza ritegno un aggettivo che spesso mi fa preoccupare, quando lo leggo: poetico. Perché dal poetico al patetico il passo può essere brevissimo, ma qui siamo ben lontani dal pericolo. Le sue immagini hanno la bellezza e la profondità di quei momenti senza nome che tutti abbiamo vissuto, pur senza avere il potere di ricrearli. Quelle scene che vediamo solo per un attimo fuggevolissimo, fuori dal finestrino, o lungo un corridoio: e magari c'era la nebbia, o il sole al tramonto, oppure era un gesto qualsiasi, il suono di una risata, e chissà perché ci hanno parlato, ci hanno detto tantissimo, su di noi, sul mondo che ci circonda, persino sul senso o non senso della vita. Ecco, quei momenti lì, senza voce, senza titoli, è raro vederli al cinema. E sono preziosissimi.

A proposito, nella lettera che Pietro mi ha scritto faceva una precisazione: il testo (poetico, e tanto) che si sentiva nella Bocca del Lupo non è di Franco Fortini, come a me sembrava di aver letto da qualche parte, ma suo.

Insomma, io ve lo dico: se non è Dexter, è Superman, tale e quale.

The Underestimated - Chapter 1

There are movies in cinema history considered masterpieces by all the critics.

If you don’t love them, well, you’re in trouble. I usually feel ashamed if I don’t appreciate them enough, but at the same time I can’t oblige myself to love “The Masterpiece” at every cost (I have this kind of problem with the so-considered Best Movie Ever, 2001: A Space Odyssey, that always bored me to death. I know, I’m sorry, I’m terribly sorry but... hey, what can I do about it??!). On the contrary, there are movies that are clearly not masterpieces, but nonetheless we happen to adore, no matter how critics have demolished them, explaining us why they are not working. Sometimes, actually, we love them because they are not working, because they are flawed. And sometimes, I just think that critics don’t get them and that those movies have been underestimated.This is why I decided to talk, once in a while, about my favourite dropout movies, hoping you will rediscover them and you will love them as much as I do.

Which movie should I start with? Real life gave me a little help. I was recently in London for my job and one evening, in a Soho restaurant, I bumped by chance into Ralph Fiennes. I managed to seat at a table almost in front of his table (but I’m sorry to say that apparently he didn’t notice the stunningly gorgeous cinema blogger who was looking at him non-stop during the whole dinner), and I immediately started to think about my favourite movie of his filmography: The End of the Affair, by Neil Jordan (1999), the perfect example of underestimated movie. Based upon a much autobiographic novel by British writer Graham Greene, The End of the Affair is set in London during the Second World War and it tells a story of love, jealousy and faith. Maurice Bendrix (Ralph Fiennes) is a writer having an affair with Sarah Miles (Julianne Moore), wife of a civil servant, Henry Miles (Stephen Rea). They are madly in love with each other but, after an air raid where Maurice fails to be killed, Sarah suddenly breaks up with him. Why Sarah did what she did? Maurice can’t find an explanation and he is devastated and tormented by doubts. When, a couple of years after their splitting up, Sarah’s husband (who’s a good friend of Maurice) confides him to suspect his wife to be unfaithful, Maurice, still jealous of Sarah, recruits a private detective, Mr. Parkis (Ian Hart), to investigate upon her. What the husband and the lover will find out, though, it is far from what they expected and the truth they have to face is about to change their lives for ever.

The greatness of The End of the Affair resides in this: it is much more than you think. This is not the typical romantic drama, even if all the ingredients are there. This is not the classic story where the lover is handsome, nice, and irresistible, and the husband is awful, rude and unbearable. As a matter of fact, it is almost the opposite. The lover is not that loveable, after all. Maurice is rather selfish, as a character, his extreme jealousy makes him heavy and sometimes boring, while Henry is a much nicer and wiser man. This movie is able to surprise because it is always taking unexpected directions. You have no clue that religion is going to be one of the central themes until a scene that is a turning point in the whole story. And the relationship between Maurice and Henry at the end of the movie is so rare and precious, an incredible thing to witness. The structure is very interesting as well. The movie starts from the end: one of the first scene relates the meeting between Maurice and Sarah two years after the couple has separated, and from that moment we follow two different stories, the past and the present, that will converge only in the final part. It is also a movie having a quite gloomy atmosphere: it rains a lot, in London. But there is something that shines all along this film: the actors’ performances. If you read my blog, you already know that British actors are my favourite. I love them because they are the kings of understatement: no need to scream, to overact, to roll the eyes. An undetectable movement of the eyebrow will be enough. An entire range of emotions will spread in front of you through a single whispered statement, or a simple step. Here, Stephen Rea (l’acteur-fétiche of Neil Jordan) is a dream of subtlety and perfection as the husband who’s not able to provide for the strong emotions and physical attraction his wife needs, while Fiennes and Moore allow us to seat in our armchairs and think that the world is actually a better place we thought it was. And can I forget to mention the most underestimated actor of all? Ian Hart, signore e signori, wins us with another of his brilliant performances. When the juries of the acting prizes will finally open their eyes and gives this actor what he deserves? Last, but not least, Neil Jordan guides us through the complexity and the difficulties of the human heart with the passion/compassion (and a magical fluidity of filming) simply perfect for this story.
The affair is maybe ended, but I hope that your love for this movie has just begun.

Hanno tutti ragione

Ci sono registi che non sono solo registi, ma molto di più.
Ci sono registi che non solo sono bravissimi a fare film, ma che se si cimentano in un'altra forma d'arte, ti fanno subito pensare: ma allora questo ha talento da vendere a chili al mercato!
Ecco, Paolo Sorrentino rientra nel novero di questi fortunati pochi.
Leggenda narra che nei tempi morti tra un film e l'altro (Sean Penn gli ha detto sì per il suo prossimo lavoro ma aveva impegni precedenti e quindi ritardava la sua disponibilità), non sapendo che fare, Sorrentino si sia messo a scrivere un romanzo.
Il risultato è un libro strepitoso e folgorante, tale e quale il suo cinema: Hanno tutti ragione, edito da Feltrinelli, probabilissimo prossimo Premio Strega.
Protagonista assoluto, one-man-show di questo libro, lui, il mitico Tony Pagoda, quarantaquattro anni carichi e feroci: cantante da night, crooner de noantri, Frank Sinatra dei poveri.
Il romanzo è praticamente la storia della sua vita, dall'apice del successo negli anni '70 (la narrazione si apre con la descrizione di un suo concerto a New York dove tra il pubblico assiste Sinatra in persona), sommerso dalla cocaina e circondato da puttane d'alto bordo, alla sua decisione di mollare tutto: famiglia, carriera, Napoli, stravizi, per trascorrere quasi 20 anni in Brasile in assoluto anonimato e nullafacenza, con gli scarafaggi di Manaus come unica compagnia, sino al rientro nella madre patria per volontà di un politico miliardario dalle fattezze neanche tanto vagamente berlusconiane, dove Pagoda trova un'Italia in completa decadenza fisica e morale, quella dei nostri (tristi) giorni.
Nel mezzo, c'è posto per tutto, ma veramente tutto: l'elenco di quello che non sopporta il suo maestro Mimmo Repetto all'alba dei suoi 100 anni (la prefazione più folgorante che io ricordi), la nostalgia (canaglia, ça va sans dire) per Beatrice, il più grande amore della sua vita, lezioni di seduzione per uomini bruttini, dibattiti filosofici sulla supremazia della pizza rispetto al ripieno, il terribile senso di angoscia creato da un comodino vuoto, Peppino di Capri, la perdita della verginità, sogni di gioventù infranti, la rassegnazione al tempo che passa, l'apologia degli scarafaggi, personaggi inverosimili e inquietanti, monologhi sulla decadenza dei tempi moderni, e la strofa di una canzone melodica all'inizio di ogni capitolo (Sorrentino tira fuori chicche dimenticate del tipo: L'imponderabile confonde la mente, a firma Anna Oxa).
Lo stile con cui questo torrente di vita ci viene raccontato, è un altro miracolo del romanzo.
Tony ha il suo modo di vedere le cose, di parlarcene, di spiegarle, è una specie di Holden Caulfield dei bassi napoletani sotto acido, the king of the stream of consciousness partenopeo, che sbraita, impreca, si incazza, ma ha anche i suoi momenti di assoluta poesia, spiazzanti e commoventi. Insomma, Tony è uno che ci sa fare, che ci incanta, ammettiamolo: è impossibile resistergli, perché Pagoda è uno con mille difetti, ma non quello di non aver saputo vivere fino in fondo tutto quello che l'esistenza gli ha regalato e tolto, e questo suo coraggio ci fa un po' invidia.
Pagoda non sa cosa sia il politically correct, e ha quindi le palle per verbalizzare pensieri nascosti, paure inconfessabili, e quelle meschinerie dell'animo umano di cui tutti noi, nessuno escluso, ci vergognamo da morire.
Io, se proprio devo trovarci un difetto, ma faccio fatica, ho trovato piuttosto terrificante tutta la parte ambientata a Manaus: in quelle pagine c'è una cupezza difficile da scrollarsi di dosso, con un paio di esagerazioni qua e là. Ma è poca roba, rispetto al livello davvero notevole di tutto il resto. E a perle di saggezza come questa: Devo solo distrarmi. La distrazione. La massima invenzione dell'essere umano per continuare a tirare avanti. Per fingere di essere quello che non siamo. Adatti al mondo.

Perché hanno tutti ragione, è vero, ma Tony Pagoda di più.

A quando il film?

Lola (o della felicità di andare al cinema)

Avete presente quando siete innamorati di una persona ma state con lei da un po’ di tempo e poi un giorno, mentre fate qualcosa di assolutamente banale, la guardate e pensate: oddio, quanto l’amo! Avete presente? Ecco, a me con il cinema capita continuamente.
In questo blog ho già dedicato diversi post al mio amore incondizionato per i film, ma a quanto pare le dichiarazioni non sono mai abbastanza.
Lo scorso fine settimana sono andata in un posto bellissimo di mare con alcuni amici, che in effetti non è una di quelle situazioni in cui uno normalmente pensa ad andare al cinema, poi però è capitato di dover passare alcune ore in attesa di un treno, e la tentazione è stata troppo forte.
Ero già stata un paio d’anni prima in questa città (La Rochelle), e mi ricordavo di un bellissimo cinema con un’ottima programmazione (e ne approfitto per fare tutti i miei complimenti a La Coursive, polo culturale che propone spettacoli di teatro, danza, mostre e, appunto, cinema di altissima qualità). Ci siamo passati davanti, ho fatto una corsa per vedere quello che proponeva, in pratica avrei visto due di tutto, ma in effetti un solo film coincideva con i nostri orari: Lola, di Brillante Mendoza. Non ne sapevo molto, così ho letto la trama, e lì ho capito che non potevo resistere. Avevamo tutti fame, però, e avevamo solo tre quarti d’ora prima del film (sì, avete capito bene, per un attimo avevo davvero convinto i miei amici a venire con me), quindi ci siamo seduti ad un ristorante dove non venivano mai a prendere l’ordinazione, dal quale siamo fuggiti per mangiarci in piedi una orrenda crêpe fatta dalle due tipe più lente che io abbia mai visto al lavoro. Nell’attesa, una mia amica ha detto la frase da non dire: "Bhé, in fondo anche se arriviamo un po’ in ritardo non è grave". L’ho guardata inorridita. Ovviamente non esiste proprio che io arrivi a film già iniziato, è un sacrilegio che non ho praticamente mai compiuto. Ho istintivamente pensato a quella scena della Nuit Américaine di Truffaut dove la ragazza di Alphonse (Jean-Pierre Léaud) gli propone di andare a cena e lui la guarda stranito e serissimo dichiara: "Allora, abbiamo la fortuna di stare in una città con un numero altissimo di cinema, quindi adesso decidiamo un film, passiamo davanti al cinema per controllare che l’orario sia giusto (questa è la mia frase preferita!) e poi, se c’è tempo, mangiamo un panino al volo, ecco quello che facciamo". Insomma siamo arrivati davanti al cinema in tempo per comprare i biglietti, ma a quel punto è spuntato un raggio di sole e i miei amici hanno cominciato a dubitare. "Quanto dura?" mi hanno chiesto. Sono andata a controllare: 1 ora e 50 minuti. "Lunghetto, eh?" hanno commentato. Io a quel punto ero in totale fibrillazione. "Allora? Venite o no?" Li ho lasciati che ancora confabulavano tra loro e mi sono comprata il biglietto. Poi li ho guardati dal corridoio a vetri del cinema, mi hanno fatto un segno dal quale ho dedotto che ci saremmo visti dopo il film. Li ho salutati e mi sono precipitata dentro il cinema.
Io non ve la posso spiegare questa felicità che mi prende entrando in una sala cinematografica. La sala era davvero bellissima, tra l'altro: nuova, con poltrone comodissime, e c’era anche un bel po’ di gente (francesi, vi voglio bene, sappiatelo, perché riempite le sale cinematografiche a tutte le ore!). Poi è iniziato il film, e io ho pensato che era stato meglio non aver trascinato i miei amici a vederlo. Non me l’avrebbero perdonato tanto facilmente. Lola racconta di due anziane signore di Manila che il destino fa incontrare perché il nipote di una ha ammazzato il nipote dell’altra. E’ un classico film da festival cinematografico (e infatti era in concorso a Venezia 2009): lento, con pochi dialoghi, che racconta una realtà di una tristezza e di una povertà sconfinate. Non esattamente il film per passare due ore in allegria. Eppure, io ve lo dico, mi sentivo beata. La pioggia torrenziale, la luce di una scena in cui una barca con sopra una bara scorre sul fiume in mezzo a delle case-palafitte poverissime, il sorriso disarmante di una delle vecchine. Mi faceva felice tutto.

All’uscita, quando ho ritrovato i miei amici, ho capito che eravamo tutti più contenti. Loro si erano goduti il sole e avevano mangiato ostriche, io ero stata un paio d’ore a Manila.

Dreams burn (but in ashes are gold)

I went to see a couple of American pictures last week, and I was quite convinced that I would talk about one of them, Life during wartime by Todd Solondz, but it turns out (as it often happens in life, when you expect one thing and you get another) that I prefer to talk about Greenberg by Noah Baumbach.

I always thought that cinema is one of the best cures against loneliness. You sit down in a place together with other people (and already this means that you are not alone in this world), and sometimes, as a nice bonus, you see on screen a character whose life, whose thoughts, whose ideas say so much to you and/or to what you are going through in a particular moment of your life, that you immediately feel less lost. I don’t know exactly at which point of your life you can consider yourself when you feel very close to a character played by Ben Stiller who’s just got out from a mental hospital (probably not the best one of your entire existence), but that’s what happened to me the other day.

Roger Greenberg is a forty something, once a musician now a carpenter, who arrives from New York to Los Angeles to spend few weeks at his brother’s place (while he and his family are on holiday in Vietnam). Besides taking care of a dog and building a little doghouse, Roger has nothing to do. This gives him plenty of time to catch up with some old mates (he has been living in Los Angeles before moving to the Big Apple 15 years before) and even with his ex-girlfriend, Beth. This also gives him the opportunity to meet Florence, the personal assistant of his brother, with whom he starts a weird relationship. Through different events, Roger’s complex personality and various problems (he has spent some time in a mental institution before his trip to LA) become quite clear to everybody (audience included). In particular, the discussions with Ivan, his oldest friend, oblige Roger to call his past and his decisions into question. The final results of this painful process are probably not the ones he was hoping for, but Greenberg eventually finds the strength to start a new (and happier?) phase of his life.

Noah Baumbach is a very subtle and brilliant film-maker (The Squid and the Whale, Margot at the wedding) and screenwriter (his has written two movies together with Wes Anderson), but I think Greenberg is his most mature and compelling work (the story has been created together with his wife, actress Jennifer Jason-Leigh, who also plays Beth in the movie).

Greenberg, the best performance of Ben Stiller’s caree, is not a very nice person. He is gloomy, unsocial, unfriendly, self-centred, complicated. His life is a mess. At 40, he has no family, no relationship, no real job and not many friends. He is not at ease with world and the world is not at ease with him (the letters of complaint he is writing all along the movie to different American companies are hilarious but also quite disturbing). He wants to better understand his past hoping that this will help him to better understand his present, but his clumsy attempts to do so turn into failures (the scene where he says to his ex-girlfriend that they could have had children together many years before and she looks at him in disbelief is a good example). Florence’s character (beautifully played by new-comer Greta Gerwig) is completely different: she is naïve, generous, friendly, curious, and cheerful. She is a mess too, but she has the right to be a mess: she is young. She is also the one who immediately understands Greenberg’s real nature and his fragility (and loves him for that). And I can’t forget to mention Ivan (great, great, great Rhys Ifans, I love this actor!), the perfect counter-balance to Greenberg’s incapability of accepting changes imposed by ageing.

I have seen this picture with some (younger) friends and I was absolutely aware, since the very beginning, that we were looking two different movies or, at least, that my perception of this movie would have been completely different from theirs.

The difference lies in our gap of 15 years (this was especially clear when, at Greenberg’s idea of having Duran Duran as the perfect music for a coke party, I madly laughed and they didn’t).

Of course! They are twenty something, they still have to make one of those fatal mistakes you pay very high, and they still have to take one of those bad decisions, the ones able to ruin your career or your private life.

At forty, well, you usually had the chance to have made at least one of those stupid things.

So, while they were probably trying to understand the meaning of Ivan’s statement: Life is wasted on young!, I was already agreeing to Greenberg’s bitter reply: Life is wasted on people!