mercoledì 23 luglio 2014

Bloomsbury Days

Bertrand Russell, J. M. Keynes and Lytton Strachey

I know, I am supposed to write about cinema in this blog.
Sometimes, though, some of my passions mingle and I feel the urgency of sharing non-cinematographic things that, by the way, always interact with movies at a certain point!
Since I was very young, I have been a huge fan of British literature. Reasons would be too long (and too boring) to explain here, but I have read an enormous amount of English books, and fell madly in love with many English writers. Among them, Virginia Woolf always had a special place in my heart.

As you probably know, she was part of a group called Bloomsbury, named upon the London area where some artists met every week (back in 1905) at the Stephen sisters home: Virginia (later to be Woolf), and Vanessa (later to be Bell), a painter. The group included, among others, J. M. Keynes, Lytton Strachey, David Garnett, E. M. Forster, Roger Fry, Dora Carrington, Bertrand and Dora Russell. The Group's philosophy was derived from fellow-Bloomsburyite G. E. Moore who wrote in his Principia Ethica: "By far the most valuable things are the pleasures of human intercourse and the enjoyment of beautiful objects". Maybe it is because I completely agree with this “principia” that I have always been extremely fascinated by this group and their way of living, very ahead of their time.

Besides movies based upon books by Bloomsbury authors (oh, so many of them!), cinema has sometimes represented Bloomsbury Group’s people on screen.
It’s been the case in The Hours (2002), by Stephen Daldry, taken from the novel by Michael Cunningham. The film relates the story of three different women, from different times, who have a connection through the book Mrs. Dalloway, written by Virginia Woolf. One of the women is the writer herself, played in a very over the top manner by Nicole Kidman (who, by the way, for this quite ridiculous interpretation won an Oscar as best actress). I loved the movie but I really didn’t like Kidman’s interpretation, which spoiled part of the pleasure of seeing it. Her Virginia Woolf wasn’t at all the one I have always imagined:

While it was exactly as I have pictured him in my head the Lytton Strachey played by a great and never enough appreciated English actor, Jonathan Pryce, in the movie Carrington (1995) by Christopher Hampton: 
Dora Carrington (Emma Thompson) and Lytton Strachey (Jonathan Pryce)
The real Dora Carrington and Lytton Strachey
Carrington tells the incredible and true love story between Lytton Strachey, a homosexual writer, and Dora Carrington, a straight painter. Even if impossible to “consume” (they sometimes share the same lovers as a subliminal way of being together), Strachey and Carrington loved each other from the moment they met, in 1916, until Strachey died of cancer at the age of 51, in 1932. Carrington (here beautifully played by Emma Thompson), considering life unbearable without Strachey, committed suicide two months after his death.
Lytton Strachey in a painting by Dora Carrington
This cinematic introduction is just an excuse to show you the pictures I have taken last week-end when, for the second time in my life (the first being in 2001), I went to visit Virginia Woolf’s house and Vanessa Bell’s house in East Sussex. I adored those places so much that I can’t resist sharing these images with you.
Virginia and Leonard Woolf’s place is called Monk’s House and it is located in the village of Rodmell. It is possible to visit both the house and the garden, where you can see Virginia Woolf’s writing shed (the famous Room of one's own): 

And, as you could see, nothing has really changed since the Bloomsbury days:
 More images from the garden:
And some images of the house (it was possible to take pictures also inside!):
If the house of Virginia Woolf was already plenty of decorations by the Bloomsbury painters, Charleston Farm, the house of Vanessa Bell, was the triumph of it. Unfortunately it wasn’t possible to take pictures of the absolutely amazing inside, but have a look at the wonderful outside and at the magnificent garden: 

Le Blog de Zazie: not only good advice about movies, but also about places to see!
How can you ask for more?...




giovedì 17 luglio 2014

Boyhood


Secondo Jean-Luc Godard, girare film è filmare la morte al lavoro.
Io, tanto per cambiare, non sono d’accordo, e penso piuttosto che girare film sia filmare la vita, al lavoro. Adoro i registi che prendono un personaggio e lo fanno invecchiare davanti ai nostri occhi (leggi alla voce Truffaut: Antoine Doinel ha 12 anni nei 400 Coups, 15 in Antoine et Colette, 21 in Baisers Volés, 23 in Domicile Conjugal e 32 nell’Amour en Fuite).
E’ abbastanza straordinario vedere un attore prima ragazzino, poi adulto, e sapere di essere diventati grandi anche noi con lui.

Un regista contemporaneo che sembra essere particolarmente affascinato da questa tematica è l’americano Richard Linklater, che già con la sua trilogia “Before”, ci ha mostrato la stessa coppia, formata dall’americano Jesse e dalla francese Celine, il giorno in cui i due si incontrano a 25 anni (Before Sunrise, 1995), il giorno in cui si rivedono 9 anni dopo (Before Sunset, 2004) e infine il giorno in cui, ormai coppia consolidata e con figli a carico, fanno il punto sul loro amore: Before Midnight, 2013.
Linklater ha però tenuto semi-nascosto, negli ultimi 15 anni, un progetto ancora più ambizioso, un vero e proprio esperimento mai tentato prima (se non in ambito documentaristico, come nel famoso Seven up inglese): prendere un ragazzino di 6 anni, continuare a filmarlo anno dopo anno, fino a quando ne avrà 18, per poi raccontare la sua storia in un unico film. Incredibile ma vero, Linklater è riuscito nell’impresa davvero ardua di portare a terminare questa folle idea: ha trovato dei finanziatori, ha trovato degli attori disposti a rendersi liberi qualche giorno all’anno per le riprese dal 2001 al 2012 e, soprattutto, ha trovato il bambino giusto. 
Mother and son: Olivia (Patricia Arquette) e Mason (Ellar Coltrane)
Boyhood, appena uscito in America e nel Regno Unito (e sugli schermi francesi dalla prossima settimana), ha suscitato delle critiche entusiaste e riscosso un gran successo di pubblico, nonostante la durata di quasi 3 ore e la mancanza di tutti quegli elementi che rendono più fruibile una storia così lunga: niente scene di sesso, sparatorie o un accativante montaggio sincopato.
Qui c’è solo un semplice snocciolarsi di eventi più o meno importanti della vita di un ragazzo negli anni 2000. Mason vive in Texas con la madre Olivia e una sorella più grande, Samantha. Il padre, Mason Sr., separato da tempo dalla donna, rientra nella vita dei ragazzi all’inizio del film, dopo alcuni anni trascorsi in Alaska. La madre si risposa con un professore che ha già due figli, e Mason e la sorella si ritrovano in una famiglia allargata, dalla quale dovranno fuggire una volta che l’uomo si rivelerà un violento ubriacone. Le cose non andranno meglio con un secondo marito, ma almeno Mason e la sorella saranno più grandi e più capaci di fronteggiare l’emergenza. E poi le solite cose: il liceo, il primo amore, la prima canna, la scoperta di una passione (per la fotografia) ed infine l’entrata al college, l’inizio della vita adulta.
Brother and sister: Mason (Ellar Coltrane) e Samantha (Lorelei Linklater)
La qualità migliore di questo film è la deliberata assenza di scene madri e la scelta di mostrare solo quei piccoli, apparentemente insignificanti attimi che però racchiudono un po’ l’essenza delle nostre vite, come se Linklater fosse andato a rovistare tra le pieghe di scarti minimi ma essenziali. Il regista vuole trascinarci nel flusso dell’esistenza, e questo gli riesce magnificamente: bastano pochi minuti per sentirsi parte di questa famiglia, per mettersi comodi e stare a guardare che succede, anche se non succede poi molto. E poi c’è questa cosa straordinaria di veder qualcuno crescere sotto i nostri occhi in tre ore di film, e veder gli attori invecchiare, senza trucco, senza rughe posticce. Una gran liberazione, una sorta di catarsi collettiva. Il regista sembra anche avere voglia di mostrarci il lato più dolce dell’esistenza. Nonostante la vita di Mason sia lontana dall’essere serena e tranquilla (non ci sono molti soldi, i genitori sono separati, continua a cambiare casa e città, la madre non fa altro che recuperare tipi violenti), è piena di momenti buffi, teneri, e speciali. La mia preferita à la scena in cui il padre parla alla sorella dei metodi contraccettivi. Tutto suona così reale: la faccia un po’ schifata e un po’ vergognosa della sorella, l’imbarazzo del padre che cerca di affrontare l’argomento più o meno seriamente, e il mezzo sorriso di Mason che assiste al dialogo. Ecco, è una meraviglia. C’è una naturalezza avvolgente che ti fa sentire parte di questo mondo, che te lo fa proprio piacere.
Father and son: Mason Sr. (Ethan Hawke) e Mason Jr. (Ellar Coltrane)
Non so dove Linklater abbia recuperato Ellar Coltrane ma ha fatto davvero un’ottima scelta. Per interpretare la sorella, l’irresistibile Samantha, è andato sul sicuro: ha scelto sua figlia Lorelei. Nella parte di Olivia, la mai abbastanza apprezzata Patricia Arquette fa faville e, nella parte del padre, Ethan Hawke, l’attore feticcio del regista, aggiunge un nuovo bellissimo ritratto alla galleria dei suoi personaggi linklateriani.
E quando arriva la fine del film siamo colti alla sprovvista, come la madre di Mason il giorno in cui lo vede partire per il college: sapevamo che quel momento sarebbe arrivato, ma avremmo voluto che non fosse così presto. 
Come passa veloce il tempo, quando si sta crescendo...

lunedì 30 giugno 2014

Nel deserto non ci sono cinema

 
Questa mattina stavo leggendo un’intervista con lo scrittore americano Don DeLillo pubblicata dalla rivista Obsession del Nouvel Obs. 
DeLillo è uno che di interviste ne rilascia pochissime. Questa l’aveva concessa perché stava facendo il giurato al Festival del Cinema di Estoril invitato dal produttore portoghese Paulo Branco. Era lì e ha chiesto a questi giornalisti francesi di raggiungerlo al ristorante dell’albergo. E’ rimasto con loro solo 40 minuti ma è riuscito a dire un sacco di cose interessanti.
DeLillo, ad un certo punto, si è messo a parlare di Salinger e del suo essersi ritirato dal mondo (argomento che gli interessa parecchio visto che è persona super schiva e si fa vedere in giro raramente), e ha pronunciato queste parole: “Ammiro questa sua capacità di scomparire. Accade spesso anche ai personaggi dei miei libri, ma io non potrei mai riuscirci. Scegliere un punto sperduto su una mappa, un deserto, ad esempio, e sparirci dentro. Non ce la farei. Perché? Perché nel deserto non ci sono cinema”.

Insomma viene fuori che DeLillo va al cinema tutti i pomeriggi. Da solo.
Viene fuori che questa malattia che ho io ce l’ha anche lui. Che cosa bellissima!
La sua frase mi ha ricordato un episodio abbastanza emblematico della mia vita: tanti anni fa ho trascorso le vacanze estive sull’isola di Stromboli, sottovalutando il fatto che su un’isola così piccola i cinema non esistono. Dopo qualche giorno, pensavo di morire. L’idea di stare in un posto in cui, fisicamente, non esistesse un luogo in cui le persone si sedevano davanti ad uno schermo, mi faceva uscire di testa. Hai voglia ad andare a fare la foto davanti alla casa in cui aveva vissuto Ingrid Bergman al tempo in cui girava Stromboli... era una particella di cinema infinitesimale che si esauriva in tempi rapidissimi. 

Un giorno, allo stremo, scopro una piccola libreria con un bel giardino dove di sera proiettano su uno schermo un po’ artigianale i film fatti alle Eolie. Gaudio e gioia immensi! E ovviamente trascino tutta la banda di amici che era con me a vedersi Stromboli di Roberto Rossellini (ma vuoi mettere, vedere Stromboli con dietro lo Stromboli?) e L’Avventura di Michelangelo Antonioni. Insomma mi sono salvata! E capite bene che quando DeLillo dice che non vivrebbe mai nel deserto, con me sfonda una porta più che aperta.
Una sera a New York, devo raccontarvelo, mi sono ritrovata ad una cena dove c’era anche DeLillo. 
In un momento in cui la conversazione aveva avuto un attimo di pausa, lui si era guardato intorno e aveva chiesto: “Qualcuno di voi per caso ha visto Hunger?”. Sono stata l’unica ad alzare la mano. 
Non ci siamo detti niente. Ci siamo guardati, sorridendo.
Due che, mettili in un deserto, anziché l’acqua ti chiederanno un film.

p.s. Se anche voi siete fans di DeLillo, sappiate che ha messo da parte la sua proverbiale riservatezza per partecipare al Festival Letterario Le Conversazioni, di Antonio Monda e Davide Azzolini, che si tiene ogni anno a Capri l’ultimo week-end di Giugno e il primo week-end di Luglio. DeLillo sarà presente in Piazzetta Tragara sabato 5 Luglio. E ci sarà pure la vostra Zazie! 


giovedì 26 giugno 2014

Gett (The Trial of Viviane Amsalem)


I still remember as a shock the first scene of the movie Kadosh, by Amos Gitaï, where a Jerusalem orthodox man is praying with these words: "Thank you God for sparing me the pain of being born a woman".
This scene popped up in my mind the other day, when I had the chance to see the avant-première of the film Gett (The Trial of Viviane Amsalem) by Ronit and Shlomi Elkabetz, even if the story is not set in Jerusalem among orthodox people but in Tel Aviv nowadays among Sephardic people of Moroccan origins.
Ronit and Shlomi Elkabetz are siblings. They have written and directed together a trilogy: To take a wife (2004), Shiva/The Seven Days (2008) and now this Gett, where they follow the life of a woman, Viviane, played by Ronit herself. I stupidly missed the first two movies, but now I am determined to see them all, because this last part is one of the most interesting and intense things I’ve recently seen on screen.

Ronit and Shlomi Elkabetz
Viviane has been married to Elisha since she was very young: never a happy couple, they have been living separated for many years, and now Viviane would like to legally divorce. But in Israel civil marriage and civil divorce don’t exist. Only rabbis can legitimate a marriage and its dissolution, and this dissolution is only possible with full consent from the husband. Which, in this case (as in many others, I guess), is the difficult part. Viviane will have to wait for more than 5 years (!) from the moment of her first request and to endure an infinite, absurd and exhausting trial to finally see her wish satisfied. And not even completely…
Elisha (Simon Abkarian)
Viviane (Ronit Elkabetz)
It is quite amazing to seat for two hours watching the same room full of the same people talking about the same things, but this is exactly what you get from Gett. The entire world is reduced to this tribunal room where Viviane has to seat, months after months, listening to what the three rabbis, her husband, her husband’s brother, her lawyer, her sister, their neighbours, have to say about her and her life. As if, instead of a divorce, this would be a trial against Viviane herself. The woman, very often silent, looks in disbelief around her, almost crushed under the words she has to listen. Everybody’s right is taken into consideration here, besides her right to finally get what she is looking for: the divorce from a man she doesn't love any more. All the questions are for her, never for her husband: she is the one who has to explain why, even if her husband doesn’t beat her or doesn’t cheat on her (thanks very much!), she incredibly wants to divorce him.
Starting on a funnier note (the parade of witnesses, the altercations between the defenders), the film gets more and more asphyxiating and exasperating. To the point that you want to scream reading for the 15th time on the screen: 2 months later, 3 months later, 5 months later and all you see is the same, old scene (knowing nothing will change). The absurdity of the situation, the sense of frustration and impotence towards the rabbis’ judgemental attitude, the unbearable obstinacy of the husband, bring the audience, together with the female character, on the verge of a nervous breakdown. How is it possible that in a so-called modern society a woman is obliged to go through such an ordeal just to get a divorce? I’m sure this movie is more powerful on the subject than hundreds of essays.
Confined in four walls, filmed in austere close-ups, all the actors are absolutely astonishing. Ronit Elkabetz, with her enigmatic beauty, stands out for her magnificent performance: when her rage finally explodes, you just want to embrace her and tell her you understand: she’s so unlucky to be born a woman in a place like that...


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