Derek, The Last of England

Non vorrei rischiare di diventare il blog di cinema che scrive più sui morti che sui vivi, ma ci sono anniversari che per Zazie non possono (e non devono!) passare inosservati.
Venti anni fa, il 19 Febbraio 1994, moriva di AIDS uno dei miei artisti preferiti di sempre, il regista inglese Derek Jarman.
Nato nel 1942, Jarman inizia giovanissimo a girare filmini in Super 8 (abitudine che in effetti non abbandonerà mai) e, dopo essere stato scenografo su I Diavoli di Ken Russell, passa alla regia nel 1976 con il film Sebastiane, sul martirio di San Sebastiano, un film dichiaratamente omosessuale e girato in latino (!). Non so quale delle due cose, all’epoca, abbia stupito di più. A seguire, Jarman gira due film leggermente iconoclastici: Jubilee e The Tempest, libero adattamento del lavoro di Shakespeare, da molti considerato il primo film punk inglese. Ma il suo capolavoro esce nel 1986: Caravaggio, un film visionario, visivamente sontuoso, ricco di idee geniali (poi la Coppola mette le scarpe da ginnastica nel film su Marie Antoinette, ma è Jarman il primo a far vedere in primo piano una macchina da scrivere nello studio di un pittore del 1500), e che segna la sua prima collaborazione con quella che diventerà la sua musa ispiratrice di sempre, Tilda Swinton. 

Frustrato dai tempi lunghi delle produzioni dell’epoca, incazzato a morte con la Tatcher, e stanco della classica narrativa cinematografica, Jarman si rimette a lavorare ai suoi Super 8, creando dei piccoli film del tutto inclassificabili ma che cercano di risvegliare la coscienza della gente su temi che gli stanno a cuore, come in The Last of England, in cui Jarman denuncia la grettezza e la distruzione portata dalla gente al potere (Maggie, we love you!).
Jarman ritornerà al cinema classico (si fa per dire) con le sue due ultime produzioni: Edward II, il suo film più politico e più militante per la causa omosessuale, e Wittgenstein, sulla vita del filosofo viennese Ludwig Wittgenstein (dove, ad interpretare la madre del protagonista, chiama la mamma vera di un altro figlio famoso: Jill Balcon, la madre di Daniel Day Lewis).
Ammalato di AIDS dal 1986, Jarman ha sempre dichiarato la sua malattia, così come ha sempre dichiarato le sue tendenze sessuali, facendo campagne contro la famosa Clause 28, con la quale si vietava di parlare di omosessualità nelle scuole inglesi.
Alla fine della sua vita, Jarman si trasferisce a vivere nel Kent, in un cottage a poca distanza dalla Centrale Nucleare di Dungeness, dove creerà un giardino dall’aria post-atomica sul quale sono stati scritti numerosi libri. 

Prospect Cottage, Dungeness, Kent

Il regista si congeda dal mondo con il toccante film Blue, dove lo schermo viene invaso da un colore blu intenso mentre la voce di Jarman racconta di se stesso, della sua vita e della sua malattia. 
Appassionato di musica, Jarman ha diretto numerosi video, per gente come i Sex Pistols, Marianne Faithfull, Marc Almond, Bryan Ferry, i Pet Shop Boys e, soprattutto, The Smiths: il suo mini-film per l’album The Queen is dead, che include le tre canzoni The Queen is Dead, Panic e There is a Ligh that never goes out, è un must assoluto per qualsiasi fan della band.

Ho sempre amato Jarman per le cose che diceva e come le diceva.
Era un uomo mite ma di grandissima forza interiore, un ribelle di quelli veri, che andava contro le convenzioni, contro le regole di una società che non amava, e che lottava per tutto quello in cui credeva. Mi piaceva la follia dei suoi film, quel rimescolamento di generi, di tipi di filmati, quei dialoghi folgoranti, declamati, quel farti vedere la bruttezza del mondo per dirti che però vale la pena di salvarlo, e il nudo dei corpi per farti capire che il desiderio è bello da qualsiasi parte provenga, senza dimenticare la sua ironia, so british indeed.
Ho sempre pensato che l’idea del suo cottage sullo sfondo della centrale nucleare lo definisse perfettamente: creare la bellezza dove il mondo pensa non ci sarà mai, fregandosene dello sconcerto degli altri.

 

In questi giorni ero a Londra e mi è capitato di andare al British Film Institute.
Con mia grande gioia, ho notato che le celebrazioni per l'anniversario della sua morte erano in pieno svolgimento: retrospettiva completa, incontri sulla sua opera, riedizioni in DVD di tutti i suoi film, libri scritti da lui e su di lui. 
There is a light that never goes out.
E quella di Jarman, di sicuro, brillerà sempre.

The Doubt

François Truffaut

In these last days, I have been thinking a lot about a question that Truffaut loved to ask: 
“What’s more important for you: cinema or life?”
A real dilemma, as far as I’m concerned.
The only thing I know is that - very, very often - cinema looks much better than life.
For sure, that’s what I thought last Sunday when, in the space of few hours, I read first about the letter that Woody Allen’s adopted daughter, Dylan Farrow, wrote to the NYT blog of Nicholas Kristof and then about Philip Seymour Hoffman's death (due to a heroin overdose) in his Manhattan apartment. 

Philip Seymour Hoffman

Shit! That’s what I thought. 
How is it possible that one of my favourite film-makers, the man who wrote and directed perfect gems like The Purple Rose of Cairo and Hanna and her sisters could be accused of being a child abuser?
How is it possible that one of my favourite actors, the amazing, breath-taking, incredible Philip Seymour Hoffman could have died so young and in such awful way?
I am afraid neither of my questions is easily (or maybe even possibly) answered.
Why? Because life is complicated, and because every human being is a mystery and a world of his/her own which will remain unpredictable and unknown until the end.
If last Sunday was a movie, though, I swear I would have opted for the Happy Ending.
So that there were no child molested, no film-maker being accused of molesting his daughter, no magnificent actor to be found dead. 
There are days when the desire of disappearing behind a silver screen is really, really strong, days when the dark side of existence makes you feel so vulnerable that you just want to run away. And the answer to that famous question seems pretty obvious.
By the way, today is François Truffaut's birthday, and every time I see that picture of him among all those movies, mon coeur fait boum!
He didn't have any doubt in answering that question. Lucky him.
Zazie         

ps Of all the movies made by Philip Seymour Hoffman, I decided to show you the one where, strangely enough, he doesn’t even appear: the Australian animated film Mary and Max (2009) by Adam Elliot, where Toni Collette gives her voice to Mary, an eight year old girl living in the suburbs of Melbourne, and Seymour Hoffman gives his voice to Max, a forty-four year old obese man with Asperger's Syndrome living in New York. The story of an incredible friendship. And the undisputed evidence that, even without his body on screen, Hoffman was able to create unforgettable characters. 
That's what great actors do.
I'm gonna miss you, pal!

Quartiere che vai, Cinema che trovi

Non mi stancherò mai di scrivere, in questo blog, della bellezza dei cinema indipendenti di Parigi. 
Ho praticamente passato metà della mia vita al Cinéma des Cinéastes di Avenue Clichy (e anche al suo Bistrot à Vin... la cameriera ormai mi chiama per nome e mi dà del tu!), abito a due passi dal Ciné Studio 28 (la più antica sala della capitale) e ho frequentato in maniera massiccia il Triangolo delle Bermuda del Quartiere Latino: Champo + Filmothèque + Reflet Médicis. 

Certo, per i film nuovi vado nelle grandi multisale sparse un po’ ovunque, ma a livello di felicità, vi assicuro, non c’è confronto. 
Perché in questi cinemini ti senti subito “a casa”. Di solito i proprietari stanno lì da qualche parte, non troppo lontana, e l’atmosfera è quasi da cospiratori. Siamo pochi, ma neanche tanto pochi, in questa città, a sostenere la cosa che amiamo di più: le sale dove possiamo consumare la nostra passione per il cinema.
E allora (tutte cose provate in prima persona): c’è quello che ti fa la spiega prima del film, il proiezionista che ti aspetta se devi fare la pipì, l’incontro e il dibattito con il regista la domenica mattina, il pienone per vedere un film Italiano degli anni ’70 quando fuori c’è una giornata di Giugno con il sole e il caldo (merce rara, a Parigi!) e spesso c’è anche un vero baretto dove prendere un caffé o una cosa da bere (e non quegli orrendi mostri puzzolenti e sforna pop-corn che ci sono nelle multi-sale). 
E non parliamo della programmazione! Cinema che da tutta la vita proiettano solo film di Pasolini, per dire! E non chiudono, capite? Cinema specializzati in film africani, in film indiani, in film dell’America Latina, cinema dove puoi andarti a rivedere un film con Audrey Hepburn, o The Apartment di Billy Wilder, o Fanny & Alexander (versione di 5 ore che manco l'ha mai vista il regista) di Bergman. J'adore!!!

L’altra sera mi era venuta voglia di rivedere Inside Llewyn Davis dei Coen Brothers. ll film qui in Francia è uscito mesi fa, ma ero certa che, da qualche parte, sarei riuscita a trovarlo. E infatti, ecco qua che spunta una “séance” ad un orario perfetto e in un luogo che amo molto: L’Entrepôt, nel 14° arrondissement. Questo posto ha tutto per piacermi: un bar, un ristorante con un bellissimo giardino, uno spazio per piccoli concerti e 3 sale cinenamatografiche rigorosamente classificate d'Art & d'Essai. 
In pratica, la perfezione! 

Ristorante (e giardino) dell'Entrepôt

Prima di andare a cena, io e l'amico che era con me siamo andati ad assicurarci dell'orario di inizio del film: i multi-sala hanno questa pessima abitudine di far cominciare la proiezione dopo 15-20 minuti rispetto all'orario indicato, i cinema indipendenti, invece, fanno al massimo 1-2 trailers e poi attaccano subito il film. Evviva! 
Dopo una buonissima cena e un ottimo bicchiere di vino, eccoci pronti per i Coen.
Il ragazzo che vendeva i biglietti era simpaticissimo... siamo stati lì a dire due parole e poi ci siamo diretti verso la sala. Ed ecco che, prima di entrare, vedo semi-aperta la porta della cabina di proiezione. Mi sono fermata incantata: le pizze una sopra l'altra, il muro scrostato, il guscio vuoto di una bobina appesa al muro, il buio appena rischiarato dalla luce della pellicola. 
Tutto un mondo (il mio) condensato dietro una porta socchiusa:

In sala eravamo solo in quattro. Io, il mio amico Alex, e una coppia. Quando siamo entrati ci hanno guardato. Alex ha scherzato: "Ah, pensavamo che la sala fosse solo per noi!"
Loro hanno riso: "Eh sì, pure noi, ma adesso siete arrivati voi a disturbarci..." 
Più che a Parigi sembrava di stare in un villaggio simpatico dove tutti si conoscono. 
La magia dei Coen ha fatto il resto: alla fine del film, prima di uscire, i due ci hanno salutato. 
Forse, chi lo sa, pensavano che fossimo al Gaslight Café del Greenwhich Village negli anni '60.

Adorable Rascals

Nick

Travis

Zazie (Franny, for the Rascals!)

Some years ago, I went to the première of The Darjeeling Limited by Wes Anderson at the Cinéma des Cinéastes, in Paris. 
When I arrived there, though, I found out that the event was sold out.
I was winging outside the cinema, when I saw Wes Anderson walking towards the place… he was stopped by two guys who were talking to him in a very passionate way. Then, Wes walked towards where I was and we started chatting because we have met before at some friend’s house, in New York: "Thanks for coming", he said. "Well, actually, it is sold out, so I can’t get in", I replied. "Oh, wait, maybe I can do something...", and off he went into the cinema, vaguely waving at me and at the two boys. After few minutes a woman came out of the cinema, screaming, in French: "Who are Wes Anderson's friends?" I was with a friend of mine, and the other two young men were timidly approaching, so I looked to this woman and I said: "Here we are!", indicating the four of us.
This is how I met Travis and Nick, two guys from Pittsburgh, Pennsylvania, cinema students being in Paris for their last year of college, and this is how we became friends. Thanks, Wes!

Together with other two guys from their school, Marc and Aaron, we started going to the movies quite regularly: it was with them that I saw for the first time Rushmore in a little cinema of the Quartier Latin. We could talk endlessly about cinema, that was the amazing thing, with them. They really look like Max Fischer, the Rushmore hero: they had his same age, the same sense of humor and the same romantic vision of life (this is what happens when you’re twenty something). It was weird, because I never felt our age difference, since we used cinema as our common language. I remember once, though, when we were talking about Stranger than Paradise by Jim Jarmusch and I told them it was one of the first interesting films I saw in a cinema (back in 1984-1985). Their simple answer was:
"We weren't born yet!"... Ouch! 

Being cinema students, Travis, Nick and Marc not only were huge cinema fans but they also wanted to make movies. They showed me the shorts they made as their diploma essay and I found them very good. I was moved by their enthusiasm and their genuine willing to be part of the cinema world. 
These last years many things happened: Marc moved to San Francisco, Travis and Nick moved to New York. It was more difficult to keep in touch, but we never lost track of each other and every time I am in New York I try to see them (it was the case last June).
The other day, I received a message from Nick… he told me about a new project is working on with Travis and he was wondering if I could help, somehow. As it is always the case for cinema emergencies, Zazie is ready to give a hand, and I thought that maybe some of my adorable readers may help too… so, I asked Nick to write something to let you understand what they have done until today and what they are going to do. And here they are:

The Rascals

First off, Travis and I started a directing duo called Rascal last year. Our website is: www.yourascal.com. Last year we had the opportunity to be apart of a few film festivals with our short film, The Other Dave. The movie had its premiere at the 2012 Cannes Film Festival as part of a feature anthology called, Other Than. We had a bit of a falling out with the producer of that film (he hated our subject Dave, but from what we heard, at the screening, The Other Dave got the biggest response from the audience) and he agreed to let us (Travis, myself and the director, Pasquale Greco) take it out of the feature and submit our own cut to various film festivals. We were not only accepted to the SXSW film festival but also the AFIdocs festival among serval others. We became more successful than the feature we were apart of. 
Recently, we had a variety show at a place in brooklyn called Videology (the venue is featured here in the New York Times). We hosted a sold out show, screened many of our short films and had many of our stand up comic friends perform. We are planning another show sometime this summer.
Which leads us to Tongue In Cheek. Tongue In Cheek is a brutally surreal, dangerously blue-collar comedy that follows a day in the life of a skilled worker. It deals with the frustrations we all have in our lives, trying to take control of our destiny with cards we have been dealt. And poses the question, when we have nothing, are our lives defined by the people we touch or are doomed to be puppets for a man sitting on a high mountain? Until this point we have mostly created and shot things on the fly with very little money and wanted to take our next production to another level. The costs mainly fall in the area of equipment. We'd like to rent a few lenses, a 4K camera and also some portable lights. Also some costumes and other production nick-nacks. We just cant afford them on our own. We've already recruited a few of the best actors I know to play the lead characters. They've appeared in a variety of plays, movies, and TV, including Late Night with David Letterman. 
Thanks for any help you can give,
Nick

So, dear readers, as you could see, two young and extremely talented film-makers need your help for their new project. Would you like to participate - as Zazie already did - to this adventure? I hope you want! 
The link to the kickstarter for Tongue in Cheek is: 
https://www.kickstarter.com/projects/1018483892/tongue-in-cheek-a-short-film 
C'mon, guys, there are only 24 days left!!!
Thanks for any help you could give to Travis and Nick.

Zazie

The Other Dave from The Other Dave on Vimeo.

John and Mary

Avete presente quei film che avete visto una sola volta quando eravate piccoli ma che vi sono rimasti impressi in maniera indelebile? Anche se di loro ricordate soltanto dei frammenti di immagini: un volto, una stanza, una vaga atmosfera? Quei film che magari con il tempo avete cercato di recuperare, ma che è stato impossibile rivedere, perché per qualche strana ragione non si trovano in DVD, e non vengono mai dati né in TV né al cinema in qualche rassegna di vecchie pellicole? 
Ecco, l’altro giorno, girellando tra gli scaffali di Potemkine, il mio negozio di DVD preferito di tutta Parigi, mi è capitato tra le mani, con mia enorme gioia e sorpresa, un film che da anni sto cercando di ritrovare: John and Mary, di Peter Yates (1969):

L’unico guaio di questi film, ammettiamolo, è che possano risultare deludenti: si sa, nei ricordi tutto è più bello e più magico, e il rischio che la realtà non corrisponda alla perfezione della memoria è molto, molto alto. E poi, ovvio, vedere un film quando si hanno 15 anni e quando se ne hanno 30 di più, cambia un po’ la prospettiva sul mondo, e anche quella cinematografica. 
Di questo film in particolare, ricordavo le seguenti cose: la bellezza di Mia Farrow giovanissima, la dolcezza di Dustin Hoffman, la casa del protagonista con vista meravigliosa sui tetti di New York: 

Un ragazzo ed una ragazza stanno dormendo in un letto tutto bianco.
La ragazza si sveglia e si mette a vagare per le stanze con l’aria di qualcuno che stia cercando di capire dove si trova. In effetti, si trova nell’appartamento del ragazzo. E’ andata così: si sono conosciuti per caso la sera prima in un bar, hanno iniziato a parlare, e sono finiti da lui a “sentire dei dischi”. Quando anche lui si sveglia, ha inizio la loro giornata, una giornata in cui dovranno imparare a conoscersi, a capire chi sono e cosa vogliono fare “dopo”. E, solo alla fine, scopriranno i loro nomi: John and Mary. 

La piacevole sorpresa di rivedere questo film è stata quella di ritrovare intatte le sensazioni provate all’epoca della mia prima visione. John and Mary non è affatto invecchiato male (e la vostra Zazie aveva un ottimo gusto anche da piccola, diciamolo!). Certo, ci sono qua e là delle piccole ingenuità, ma il film era decisamente avanti per i suoi tempi: la struttura narrativa, l'uso dei flashforwards (nel 1969!), il fatto che il film si svolga quasi per intero nell'appartamento di John, i dialoghi franchi e poco romantici (bellissimi i pensieri a voce alta di entrambi con considerazioni sul comportamento dell'altro) e la visione molto realistica della coppia moderna, ne fanno un piccolo gioiello pre-flower power. 

E poi c'è l'infinito piacere di ritrovare due attori in stato di grazia: Dustin Hoffman qui aveva 32 anni, era fresco del successo di The Graduate (Il Laureato) e di Midnight Cowboy (Un Uomo da Marciapiede), e aveva quel giusto mix di dolcezza, goffaggine e sfrontatezza. Mia Farrow invece ne aveva solo 24, era reduce dal trauma di Rosemary's Baby ed era semplicemente perfetta nella parte della ragazza moderna che va a letto con qualcuno la prima sera ma non per questo ha voglia di essere considerata una puttana: "Ti stupirai ma qualche volta dico anche di no!", butta lì provocante (e comunque con quel meraviglioso taglio di capelli poteva permettersi di dire e fare qualsiasi cosa!).
John and Mary sembra tracciare una linea di confine tra il vecchio e il nuovo, inteso sia come modo di vivere che come modo di fare cinema. Sono i primi passi del cinema americano verso quella stagione d'oro dei film anni '70, che segneranno generazioni e generazioni di persone in tutto il mondo. 
Questo è un bel tentativo, un primo assaggio. Come recitava quella meravigliosa poesia di Brodskij: Non più rumore, non ancora musica... 
In ogni caso, bisogna dirlo, un suono molto bello.

Top 10 of 2013

It's raining TOP 10 Lists, dear readers, and Zazie (who's been to the movies 84 times last year) is looking forward to letting you know which are the films she simply ADORED in 2013...

1. LA VIE D'ADELE - Chapitres 1 & 2 by Abdellatif Kechiche (France)

2. INSIDE LLEWYN DAVIS by the Coen Brothers (US)

3. 12 YEARS A SLAVE by Steve McQueen (US)

4. FRANCES HA by Noah Baumbach (US)

5. LE TEMPS DE L'AVENTURE by Jérôme Bonnell (France) 

6. BEFORE MIDNIGHT by Richard Linklater (US)

7. L'INCONNU DU LAC by Alain Guiraudie (France)

8. WADJDA by Haifaa Al-Mansour (Saudi-Arabia)

9. NEBRASKA by Alexander Payne (US)

10. BLUE JASMINE by Woody Allen (US)

While these are the movies Zazie really COULD NOT STAND in 2013:
1. THE GREAT GATSBY by Baz Luhrmann (US)
2. L'ECUME DES JOURS by Michel Gondry (France)

3. TRANCE by Danny Boyle (UK)

And you, dear readers, which are the movies you've been crazy about in 2013?

Philomena

E quando l'anno è finito e una pensa di aver già visto tutti i film belli che c'erano da vedere, ecco che spunta la sorpresa, la pellicola che lascia il segno, la storia che conquista: Philomena di Stephen Frears.
In vacanza in Italia, devo ringraziare per la visione del film in lingua originale il Cinema Apollo di Milano che, molto saggiamente, ha deciso di proiettare (e spero continuerà a farlo) alcuni film nella loro lingua madre. Ho purtroppo assistito, mentre ero alla cassa, a scene di gente che SE NE ANDAVA perché scopriva che il film era in inglese... Ecco, poi un giorno scriverò un lungo post in cui esprimerò tutto il mio malcontento nei confronti delle persone che rifiutano di vedere i film in lingua originale con la scusa ridicola che non riescono a leggere il sottotitolo e a godersi le immagini... ma oggi soprassederò (e comunque, Povera Italia! Altro che paese europeo...).

Stephen Frears, il regista di Philomena

Tanto vale ammetterlo subito: a me Stephen Frears piace un sacco. Inglesaccio di Leicester, classe 1941, è un uomo famoso per il suo parlare chiaro, la sua ironia e una certa vena dissacratoria. Uno di quei registi a cui mi sono affezionata da giovanissima e che non ho mollato più (nel 1983 ho visto una cosa sua stupenda: Loving Walter, un film per la TV con Ian McKellen, che è uno dei miei più forti ricordi cinematografici).  Tendenzialmente, a Frears perdono tutto, anche alcuni film veramente brutti che ha fatto nella sua carriera (specie negli Stati Uniti, come se la lontananza dal Regno Unito gli facesse male). Ma, di sicuro, Frears non ha bisogno di farsi perdonare questa sua ultima prova, che ho trovato assolutamente perfetta.

Philomena (Judi Dench) e Martin (Steve Coogan)

Philomena è ispirato ad un libro scritto dal giornalista inglese Martin Sixsmith: The Lost Child of Philomena Lee (Il bambino perduto di Philomena Lee), in cui viene raccontata la storia vera (!) della signora Lee. Rimasta incinta giovanissima nell'Irlanda super cattolica degli anni '50, viene spedita dal padre, che la ripudia, in un convento di suore, dove Philomena dà alla luce un bambino, Anthony. Quando il bimbo ha pochi anni, secondo una prassi in uso all'epoca nei conventi irlandesi, viene dato in adozione ad una coppia di facoltosi americani. Dopo averlo cercato invano per moltissimi anni, la donna, che nel frattempo si è fatta una famiglia, decide un giorno di raccontare quanto le è accaduto alla figlia. Per una serie di circostanze, un ex-giornalista della BBC, Martin Sixsmith, si interessa alla storia di Philomena, ed insieme a lei inizierà la ricerca di questo figlio perduto attraverso l'Irlanda e gli Stati Uniti, un vero e proprio viaggio di scoperta dai risvolti emotivi del tutto inaspettati.

Non so a voi, ma a me sembrano sempre più rari quei film dalla struttura narrativa semplice, confezionati in maniera piuttosto classica, che ti regalano un paio d'ore di cinema bellissimo e sincero. Philomena, certamente, non è un film di rottura, di invenzioni registiche indimenticabili, di sconvolgimenti intellettuali, ma è un signor film dalla F maiuscola, con una sceneggiatura solida ed armoniosa (scritta per altro dall'attore principale del film, Steve Coogan, insieme a Jeff Pope), dialoghi intelligenti, pieni di ironia, mai sdolcinati o ammiccanti, attori che manco ve lo sto a dire (che della bravura eccezionale di Judi Dench cosa si potrebbe scrivere che già non sia stato scritto?) e una regia talmente discreta e al servizio della storia che è una gioia starla a guardare. 

Philomena Lee (Judi Dench)

Detto questo, Philomena nasconde una forza deflagrante che cresce con il procedere della storia e con le scoperte che questa donna semplice e un po' ignorante ma dalla dignità rara (sullo schermo e nella vita reale) è costretta a fare. Mai banale, mai ricattatorio, il film riesce a dire magnificamente quello che ha da dire, con un'intensità di sentimenti - veri, forti, non quelli incolori che spesso abbondano in certi filmetti - a cui è difficile resistere. La figura di merda che riesce a far fare alla Chiesa Cattolica Irlandese è esemplare: ragazzine rimaste incinta per pura ignoranza sessuale costrette a partorire tra atroci dolori e a lavorare sette giorni su sette per espiare le loro "colpe", bambini strappati alle loro madri e venduti al miglior offerente, suore stronze che nemmeno a 50 anni di distanza riescono ad ammettere la loro cattiveria e ancora pensano di poter giudicare gli altri e di guardare il resto del mondo dall'alto della loro (presunta) superiorità morale. Ma, per fortuna, niente e nessuno può intaccare la figura di questa donna che ha lottato tutta la vita per ritrovare una parte così fondamentale di lei stessa. 
L'irresistibile Philomena ci fa capire che, se la giustizia divina davvero esiste, all'inferno - di sicuro - non ci marcirà lei. Evviva!

12 Years a Slave

When I thought about a perfect Xmas movie to write about today in my blog, I unexpectedly thought about the new Steve McQueen film, 12 Years a Slave. 
I had the chance to see its avant-première a couple of weeks ago in a Paris cinema and I was eager to share my feelings about it with my readers.
Nobody else, I guess, would consider it a good movie for the Xmas time, but I do.
I am fed up with Xmas stories and fairy tales, I’d rather prefer to talk about an awful, tragic, real story: maybe it is not a bad idea to face the inhumanity of human beings on Xmas day! 

Solomon Northup (Chiwetel Ejiofor)

Steve Mcqueen, a British film-maker, is famous for his tough movies. From the story of Bobby Sands, the IRA revolutionary who starved himself to death (Hunger), to the story of Brandon, a NY sex addict (Shame), McQueen is not exactly the entertaining movies kind-of-guy. And I sincerely love him for that. For his third movie, he decided to go even “closer to the bone” relating the true story of Solomon Northup (the film is based upon Northup’s autobiography, having the same title). 
Northup, in 1840, was a free black man living with his family not far away from New York. A fine violin player, a well respected man in his community. One day, he accepts the job offer of two gentlemen, not knowing that the offer hides the most dreadful humbug: he has been sold as slave and sent to the Southern states to work in cotton plantations. The shock, for this cultivated man, is unspeakable. For 12 long years he will be obliged to work in the worst human conditions and be subject to the cruellest physical and mental punishments by his owners. When the hope is almost lost, Northup has the chance – unlike so many other slaves – to get back to freedom and write about his uncommon story...  

Northup (Ejiofor) and Epps (Fassbender)

If your reference in movies about slavery is Gone with the wind or The Colour Purple, well, forget about them, but if you want to know what really meant to be a black slave in the United States of America around 1840, well, this is the right movie for you. As it was the case for his previous films, McQueen is not here to gild the pill. Slavery is a shameful stain on American history, and it will always be. No matter what. This a story of rage, of survival, of dignity. McQueen shows it with his particular way of filming: very rigorous plans, scarce music, no useless scene, no-frills. He goes to the core of the story, straight away, without even giving you a chance to escape. Furthermore, this is not, at all, a heroic kind of movie. Northup is not better than any other slave. He is just more cultivated than they are. Which is a minus, not a plus, in a situation like this. The less you know, the less you feel, the better it will be for you. Northup is speechless, as we are, witnessing the misery, the cruelty, the non-sense of the whole situation. He is not brave, he is barely able to survive, keeping a feeble hope to go back to life and human condition.

Epps (Fassbender), Patsey (Nyong'o) and Northup (Ejiofor)

McQueen should be also complimented for the incredible cast he has been able to assemble. This is the best cast of the year: to play Solomon, he has chosen a great but underestimated (until today, I hope) British actor, Chiwetel Ejiofor, whose performance is absolutely astonishing. It could have been so easy to overdo to play this character, but Ejiofor follows the path of a perfect understatement. In the role of a female slave, the newcomer Lupita Nyong’o, an actress from Kenya, grab you heart and never let it go, becoming pretty quickly unforgettable. Also actors having minor roles here are unforgettable: Paul Giamatti as the pitiless slaves seller, Paul Dano as the awful slaves manager in one of the plantations, Benedict Cumberbatch as a more human plantations owner, and Sarah Paulson as the cruel wife of Mr. Epps, the last owner of Solomon. To play Edwin Epps, the bad, bad guy of the story, McQueen turned to his acteur-fetiche, the German-Irish actor Michael Fassbender, proven that their relationship will be remembered as the Scorsese-De Niro liaison of modern time. Fassbender, perfect Southern accent and eyes injected with the red of hanger and booze, is a strange kind of persecutor: tortured by his feelings for a black slave, he is struggling in a more human way than expected. This is what great actors manage to do: you want to hate them but in the end you feel sorry for them… 
The only feeble point in this chain of fabulous actors is, as usual, Brad Pitt: having the charisma of an artichoke, his 5 minutes on screen are simply soporific.

Bass (Brad Pitt)

The UGC Les Halles, the cinema where the avant-première was taking place, informed people buying tickets on their site that Steve McQueen would have been present to the screening. When the film was over, a couple of people arrived, announcing a “big surprise”: McQueen couldn’t make it, but the two main actors, Chiwetel Ejiofor and Lupita Nyong’o, were there. I guess that the audience was still so shaken by the movie, that seeing in flesh and blood the two actors was kind of an emotional shock. Ejiofor and Nyong’o were welcomed by a standing ovation and a long, long and big applause, and they were sincerely overwhelmed, looking at each other in disbelief.

Nyong'o and Ejiofor at the screening in UGC Les Halles, Paris - December 10

Well, I want to use this image, so simple but powerful: real feelings created by fictional scenes, to wish you a Merry Xmas, dear readers.
I hope it will be as human as possible!