Le Blog de Zazie

It's a Shame!

2012-01-24T23:58:00.002+01:00

Everybody knows that the Oscars are the most important cinema awards in the world.
This doesn't mean, of course, that they are the best.
Actually, they are not.
Still, for people involved in cinema, to win an Oscar means a lot, and very often it means to have a career, if not a life, changed.
Everybody knows as well, or at least my loyal readers, how much I love Michael Fassbender. Stupidly enough, especially after his nomination to the Golden Globes, I thought he would have had an Oscar nomination for his incredible performance in Shame by Steve McQueen. He didn't, and I think it is a real shame!

Sadly enough, it wasn't my only deception: I think it is a pity not to have nominated Tilda Swinton for her amazing role in We need to talk about Kevin by Lynne Ramsay, or Albert Brooks for his great role in Drive by Nicholas Winding Refn (I mean, why Drive is not present at all???) and I am also shocked to hear that Once upon a time in Anatolia by Nuri Bilge Ceylan is not among the 5 nominations for the Best Foreign Film.
Let's cheer up, though, because there are reasons to be happy: the success of The Artist by Michel Hazanavicius, a movie I really loved, the two nominations for the Iranian masterpiece A separation by Asghar Farhadi and the unexpected nomination for Margin Call by J. C. Chandor in the category of Best Original Screenplay.
The missed nomination to Fassbender, reminded me of something that happened back in 1988. That year, the Academy forgot to nominate an actor who deserved that award more than anybody else: Jeremy Irons, for his double role in Dead Ringers by David Cronenberg.
A couple of years afterwards, Irons was nominated and won the Oscar for Reversal of Fortune by Barbet Schroeder. During his acceptance speech, he pronounced the following statement: "Thank you also, and some of you may understand why, David Cronenberg!" The audience started clapping. That Oscar, as a matter of fact, was more for the Cronenberg movie than for the one he was receiving the award for.
I am pretty sure that one day, in years to come, Michael Fassbender will make the same kind of speech, and he will pronounce the famous statement: "Thank you, Steve McQueen!"
We will all understand why.

The (Golden) Iron Lady

2012-01-22T20:07:00.003+01:00

A couple of weeks ago, something incredible happened to me.
The reason why I have waited so long to write about it is that, immediately after, I went away for my job and I didn't have much time to dedicate to the blog. Nevertheless, this event couldn't get out of my mind, and I actually think it will stay there for ever: I had a glass of champagne with Meryl Streep!
Yes, I know, it sounds unreal, but I swear: it is the truth.
On January 6, Ms. Streep was in Paris for the French avant-première of The Iron Lady, the film about former UK Prime-Minister Margaret Thatcher, together with the director of the movie, Phyllida Lloyd. I had an invitation for the event through my friends at Pathé (Véronique, je t'aime!), and so I had the chance to see the movie and the Master Class following the screening, where the actress and the director talked about their experience.

I have to confess I was quite disappointed by the film: I didn't like the structure of it, there was something fake about the whole construction of the scenes and I thought this was a burden to the fruition of the story. One can only admire the persistence of Ms. Thatcher, who clearly struggled every day as a woman in a world of men, but her reasons, the things she has done, the decisions she has made, what kind of person she was, well, that's another whole story, and I didn't clearly understand which was the movie's point of view. This was particularly sad for me because I greatly admire the work of Abi Morgan, the screenplayer, who previously wrote the BBC tv series The Hour and, together with Steve McQueen, the movie Shame. Anyway, there was one thing I absolutely admired and adored in the movie, and that was Meryl Streep's performance. I mean, she doesn't play Margaret Thatcher, SHE IS Margaret Thatcher, and there are no adjectives to describe her work on this. I guess the audience in the cinema agreed with me, because when Meryl Streep appeared after the movie, there was a spontaneous and very long standing ovation. Catherine Deneuve, Isabelle Huppert and Louis Garrel were part of our team (I saw them!).

For a series of circumstances too complicated and a bit private to explain, few minutes after all this was over, I found myself seated at the same table with Meryl Streep and Isabelle Huppert at the bar of a very fancy parisian hotel, drinking champagne. Well, my boss was with me, and this is actually the only reason why I was there and I had this incredible chance (Grazie, Capo!). As it happens often to me in this kind of situations, I completely loose any sense of reality (something I am lacking of even in my every day life) and I keep looking around, asking myself: Is this real? Is this really happening? It is also one of those few, very few circumstances, where I become shy and I am not able to speak a single word. I gaze upon people in disbelief, as if they were still on a screen instead of being seated close to me. And last, but not least, I have the bad habit to think about all the questions I am dying to ask and I know I can't, because it is just not possible in a situation like that, where people talk about everything but cinema. As a result, I didn't hear about a single word they were saying, I simply stared at Ms. Streep thinking about how gorgeous, gentle, intelligent, nice, curious, talented, and perfect, she looked.
Then I heard my boss saying something about me and my passion for cinema. Ms. Streep looked at me and said: Oh, really? This is great. At that point, I confessed I was a cinema blogger. When she heard about it, Ms. Streep gently put her hand on my knees and said, with the sweetest voice: Then, when you write about actors in your blog, please, try to be not too severe with us!
I was totally amazed by this. Don't you think it is the most incredible thing to hear from the mouth of the best actress in the world?
On the screen she is an Iron Lady, but in real life, believe me, she is a Golden one.

Another Year

2011-12-29T12:26:00.000+01:00

Another year is over, dear readers.
In 2011, Zazie has gone to the movies 74 times. As usual, I have seen movies coming from all countries, having different languages, different budgets, stories, possibilities, motivations, views, lights and faces. It has been a year of incredibly high quality cinema and I have enjoyed immensely almost every single picture I have seen. Many incredible things happened, related to cinema, and these are moments worth to remember.
Here for you, Zazie’s cinematic highlights of 2011:

1 – January
Sir Michael Caine’s Master Class at the Forum des Images in Paris: not only a great actor but also a perfect gentleman. Smart, funny and humble. La classe, quoi!

2 - February

Matthew Weiner (Mad Men's creator) Master Class, always at the Forum des Images in Paris: Weiner’s passionate account of his meticulous method let me understand that behind outstanding results there is always an incredible amount of work. Chapeau!

3 - February

Michael Lonsdale's Master Class at the Rond-Point Theatre in Paris: amazing actor, adorable human being. Listening to him talking about his life and work has been a rare and precious privilege. J’adore!

4 - March

Bumping by chance into Irish actor Gabriel Byrne at the avant-première of Margin Call at Moma Titus Theatre in New York: being in the same room with Doctor Paul Weston, “the shrink we all would like to have”, let me understand that I need to be In Treatment for the rest of my life. Do you accept new patients, Doc?

5 - September

Meeting and spending time with Italian filmmaker Nanni Moretti during his visit in Paris for the complete retrospective of his work at the Cinémathèque Française: it was simply great to find out that Nanni is nice, funny and the greatest cinéphile ever. Michele Apicella For Ever!!!

6 - October

Seeing Ralph Fiennes playing Prospero in The Tempest by William Shakespeare at the Royal Haymarket Theatre in London: on stage, Fiennes is almost too good to be true. And with that beard, even more irresistible!

7 - November

Seeing Jean-Louis Trintignant reading French poems at the Odéon Theatre in Paris: I can’t find the words to describe how amazing was his performance. Sublime is maybe the most appropriate adjective. I will never forget this moment!

8 - November

The avant-première of the movie Shame by Steve McQueen at the MK2 Bibliothèque in Paris with Michael Fassbender present in flesh and blood: the moment I was waiting for in all these years... more than an actor, an apparition. I was very surprised to actually see him, I thought he was a mere product of my imagination!!!

9 - December

Mike Leigh's Master Class at the Forum des Images in Paris: Leigh is more than a simple director, to me, he is a real Maestro. It was marvellous listening to him talking about his movies. I just can't get enough!

I hope the new year will be plenty of great cinema and great things for you ALL, my friends.

I leave you with the images of my favourite "New Year's Eve" movie, the indie jewel In Search of a Midnight Kiss by Alex Holdridge (2007).

Happy 2012, my Dear Readers!

Mobilisons nous pour LE BALZAC!

2011-12-21T11:18:00.000+01:00

Du 21 au 27 décembre 2011, le célèbre cinéma BALZAC de Jean-Jacques Schpolianskyferme ses portes pour protester contre le monopole des multiplexes sur lesChamps-Elysées, suite à de nombreux refus de copies depuis plusieurs mois etplus précisément Le Havre et A Dangerous Method qui sortentle 21 décembre. En bonnes cinéphiles et amatrices du cinéma indépendant,

Maëlle et moi-même publions un article commun afin de montrer non seulement notresoutien face à cet acte symbolique mais également pour défendre les salles decinéma d'art et d'essai.

Le Balzac c'est toute une atmosphère... c'est d'abord une excellenteprogrammation depuis des années, avec des ciné-concerts, des événementsoriginaux et tout un tas de trouvailles pour faire pétiller une séance decinéma. C'est ensuite une magnifique grande salle à la déco assez magique, avecdes fauteuils confortables. C'est enfin, et surtout, un lieu inspiré par unpersonnage haut en couleurs, j'ai nommé Jean-Jacques Schpoliansky, quiaccueille personnellement les spectateurs avant la plupart des séances avec unpetit discours de bienvenue.

MOBILISEZ-VOUS pour le Cinéma Le Balzac !

Le Havre

2011-12-16T18:34:00.000+01:00

Mi basta un semplice dettaglio.
Una sola frase, un solo volto, una sola inquadratura, e vi saprò riconoscere con assoluta certezza un film a caso del regista Finlandese Aki Kaurismäki.
Kaurismäki io lo amo in maniera totale, non solo per quello che gira e come lo gira, ma anche per le interviste che rilascia, per il festival di cinema che organizza ogni anno a metà Giugno in Lapponia, per la sua cinefilia spinta e senza confini, per il suo essere volutamente vintage e completamente al di fuori della società contemporanea (dei suoi credo, dei suoi ritmi e delle sue inutili cazzate). Lui è uno di quei meravigliosi registi che nel corso di una carriera hanno creato un vero e proprio universo parallelo, una famiglia cinematografica circoscritta e fedele, un'oasi di pace e felicità a cui potersi rivolgere in caso di bisogno.

Che i suoi film siano ambientati a Helskinki, Londra, Parigi o Le Havre, poco importa. Tutte le città sono uguali, tutte le case sono identiche, in Kaurismäki Land. Il sole splende appena. Di solito fuori è buio, piove e fa freddo. Tutti sono poveri, con rarissime eccezioni (e se sono ricchi, allora sono cattivi). Nessuno corre. La gente cammina lenta, e parla (quando lo fa) altrettanto lentamente. Nessuno ha il cellulare. I telefoni hanno ancora le tastiere a disco. I mobili, i vasi, gli orologi, i vestiti, sono anni '50. Le macchine, delle vecchie trabant di origine russa con porta-termos incorporato. I taxi hanno le tendine di pizzo sul vetro in fondo. Si fuma e si beve molto, questo sì. Ci sono sempre bar con un vecchio bancone di zinco, un jukebox, e delle facce da galera (che poi si rivelano buonissime) appoggiate al suddetto. La musica è puro rock & roll. I musicisti hanno capelli lunghi con bananone sulla fronte, scarpe a punta, look che neanche Elvis nei giorni peggiori. E se non è rock, allora è un tango finlandese o un improbabile pezzo melodico giapponese. Sempre ascoltati attraverso una vecchia radio o uno stereo, s'intende. Gli amici sono veri amici che non si tradiranno mai, pronti a qualsiasi cosa gli uni per gli altri. Gli amori sono totali, iniziano con un semplice sguardo e durano tutta la vita. Il sesso non esiste, non è contemplato. I baci sono rari e castissimi. Anche di violenza ce n'è poca. Ogni tanto la gente viene picchiata, ma sembra un po' una scena da ridolini. I personaggi hanno una dignità, una gentilezza, un'ironia, da lasciare incantati. Non piangono mai, e se provano un dolore insensato, si limitano a guardare nel vuoto con aria perduta. Gli attori, è ovvio, sono sempre gli stessi: come la mitica Kati Outinen, attrice eccezionale e protagonista assoluta della filmografia kaurismakiana. E quando gli attori non ci sono più (come nel caso del suo alter ego, il compianto e mai dimenticato Matti Pellonpää), allora lui li fa vedere da bambini in una foto, e li trasforma nei figli perduti della coppia protagonista di un film, oppure fa appendere il loro dagherrotipo a una parete del Moskova Baari (un bar di Helsinki proprietà dei fratelli Kaurismäki, dove leggenda narra che accanto al bancone stia appeso un cartello: Facciamo credito solo a Lenin, gli altri devono pagare in contanti).

Da buon fanatico della Nouvelle Vague, il regista è stato anche capace di ridare vita ad una leggenda come quella di Jean-Pierre Léaud, al quale Kaurismäki ha affidato, dopo 15 anni di inattività e silenzio seguiti alla morte di Truffaut, il ruolo da protagonista in Ho affittato un killer (1990). Nei suoi film si ritrovano spesso, del resto, artisti francesi che lui ha amato, come Serge Reggiani e, proprio in Le Havre, il regista Pierre Etaix. Altra presenza fondamentale e costante: Laika, la sua cagnetta. In questo mondo sopra le righe, anche i titoli delle sue opere sono spesso molto buffi: Total Balalaika Show, Calamari Union, I
Leningrad Cowboys incontrano Mosé, Amleto si mette in affari, Tieni il tuo foulard, Tatjana. Non sono adorabili?

Le Havre è la continuazione a colori, 20 anni dopo, di Vita da Bohème, un film in bianco e nero che Kaurismäki aveva girato a Parigi. Il tempo è passato ma i protagonisi sono rimasti esattamente gli stessi, e vivono poveri ma dignitosi in un quartieraccio della città portuale. Quando Marcel Marx (omaggio a chi, questo nome? Groucho? Karl? Entrambi?), che si guadagna da vivere come lustrascarpe (!!?) incontra per caso un piccolo clandestino africano, non ha un attimo di esitazione ad accoglierlo in casa, nutrirlo e cercare di aiutarlo a realizzare il suo sogno, quello di raggiungere la madre che vive in Inghilterra. Nonostante una moglie, Arletty (a proposito di omaggi...), all'ospedale e in fin di vita, e un poliziotto esistenzialista che gli sta alle calcagna, Marcel si farà in quattro per trovare i soldi che riusciranno a regalare a Idrissa un passaggio su un'imbarcazione che fa Le Havre-Londra. Grazie al denaro raccolto con un concerto benefico di Litte Bob (ma dov'è andato a recuperarlo Aki questo Roberto Piazza, improbabilissimo Little Tony ante litteram??!), il sogno può diventare realtà, ma non sarà l'unica sorpresa in serbo per i protagonisti del film.

Con il consueto stile: essenziale, ironico ed efficace, inquadrature semplicissime ma di una bellezza sconcertante (ah, quel genio di Timo Salminen, il direttore della fotografia di TUTTI i suoi film!), e dialoghi inverosimili, Kaurismäki sforna l'ennesimo capolavoro di grazia e lucidità. Su un tema, quello dell'immigrazione, da molti considerato troppo spinoso e difficile da affrontare. Ma Aki non ha paura di niente, ci mette dello humour finlandese (André Wilms che si spaccia per il fratello albino del padre di Idrissa), un tocco alla Frank Capra, un omaggio truffautiano (Léaud, again) e un messaggio chiaro su come risolvere il problema. Che sta tutto in una parola sola: solidarietà.
L'ho sempre pensato, io: se la gente fosse come nei film di Kaurismäki, questo mondo sarebbe il migliore dei mondi possibili.

Leigh Moments

2011-12-13T00:37:00.002+01:00

I admire many contemporary filmmakers, but there is one who’s always been special to me.

His name is Mike Leigh, he is British, he is 68 years old, and I simply adore him (as a matter of fact, I already wrote about him in my post: http://leblogdezazie.blogspot.com/2011/01/cinema-of-mike-leigh.html). On Sunday afternoon, Leigh held a Master Class at the Forum des Images, one of the many events related to the retrospective London calling/Londres au cinéma and, useless to say, your Zazie was there!

The conversation, a dialogue between the director and French journalist Pascal Mérigeau, was inspiring, rich and absolutely exciting. Leigh talked extensively about his very particular method of working with actors, which I believe is quite unique in the cinema world. Leigh starts rehearsal with the actors he has chosen for a movie many months in advance (sometimes even six!) before the shooting and then the shooting itself is super quick, from one to three weeks maximum. Actors don’t know much about the plot, and the strictly necessary about their own role. They’re put together with other actors and they start working on a sketch Leigh gives them and they improvise on that. Basically, they do so over and over again, on different sketches, in order to become, day by day, little by little, their “character”. Leigh told an incredible story about his movie Vera Drake, the tale of a woman practicing illegal abortions in the London of 1950: during the rehearsal, a group of actors was playing a family gathered to celebrate the daughter’s engagement, and another group of actors, playing policemen, suddenly broke into the room. None of them knew what was going on. The effect was quite incredible, Leigh reckoned. We actually witnessed it few minutes before, when we saw this same scene on the screen: the surprise, the tension, the drama of that moment was absolutely amazing. The result of Leigh’s method is that the performance of each actor is simply ASTONISHING. It is not by chance that many of his actors have been rewarded: David Thewlis for Naked (1993) at the Cannes Film Festival (and Leigh for Best Director), Imelda Staunton for Vera Drake (2004) at the Venice Film Festival (and the movie received a Golden Lion) and Brenda Blethyn for Leigh’s masterpiece Secrets and Lies (1996) at the Cannes Film Festival (and the movie won the Palme d’Or), for which she also received a Golden Globe and she was nominated for an Oscar (why she didn’t get it, it is still a mystery to me). The scene where she talked for the first time to the daughter she abandoned as a child, with the two women seated side by side in front of the camera and filmed by Leigh in this way, represents for me one of the highlights of the entire cinema history. I challenge you to find another scene having the same emotional impact.

Leigh explained that what he is interested in is the reproduction of reality as he perceives it, and for this he needs actors willing to forget completely about themselves, therefore not narcissist, but humble, patient and (possibly) having a good sense of humour. The journalists asked him if in his career he was sometimes wrong in choosing his cast. Apparently, he was very lucky and only in few occasions he was obliged to relegate actors in very small roles, and even more rarely to cancel their participation to a picture. Leigh also discussed about the essential contribution of his collaborators, like his cinematographer Dick Pope (with whom he worked for his entire career), who helps him a great deal to find the right “tone” for a movie: dark and gloomy for Naked, bright and carefree for Happy-go-Lucky or even a mix of both styles for the representation of the four seasons in his last movie, Another Year.
The cinema of Mike Leigh, thanks to all these elements, has the capacity of capturing THE moment, a slice of real life sometimes even too cruel to look at, but always incredibly truthful, human and compassionate. You can feel at any moment how much Leigh loves his characters: he is never judging them, even the bad or the unbearable ones, he is always trying to understand and love them for what they are.

After the lecture, some fans stopped Leigh asking for autographs. He was really kind to everybody, even to an evidently disturbed young man (an Italian, I’m afraid to say so) who started making a list of all the great British film directors of cinema history. Leigh listened to him quite carefully, and then he said: Yes, right, but David Lynch is not British, my dear. The man kept going, switching to the awful situation of Italian cinema (!!!), telling him that nowadays we don’t have the great filmmakers we used to have. Leigh, once again, very calmly, looked at him and said: Maybe it is so, except for Ermanno Olmi. I wanted to kiss him! But I curbed my enthusiasm and I simply thanked him for his cinema.

When the journalist, at the end of their conversation, asked him to give a piece of advice to the young filmmakers present in the audience, Leigh turned his witty look into the crowd and in a very loud voice announced: Never compromise!

He surely never did.

Zazie's (Criterion) Top #10

2011-12-08T00:22:00.001+01:00

Being the cinema freak I actually am, means that not only I adore going to the movies, but I also adore collecting them.
I have a small but interesting DVD collection at home and I really enjoy buying films. Many years ago, I discovered a DVD “brand” that immediately became my favourite one in the whole world: The Criterion Collection. Luckily enough, Criterion is American. I say luckily because the DVDs have a different region and I can’t buy them. If I could, I would spend ALL my money on them: The Criterion Collection has the most wonderful movies ever made and the design of their covers is simply to die for! If you go on their site, there is a section called TOP 10s, in which filmmakers and actors indicate their favourite 10 Criterion DVDs. I always dreamt of being asked about it, but I’m afraid Criterion will never do. How wonderful to have a cinema blog where I can tell you which are Zazie’s Criterion TOP #10:

#1 - The Adventures of Antoine Doinel by François Truffaut

Antoine Doinel, from 12 until 40 years old: a brother, a friend, a lover, a husband. My family. My life.

#2 - Hiroshima Mon Amour by Alain Resnais
A screenplay by Marguerite Duras: Hiroshima, summertime, the love affair between a French woman and a Japanese man. The beginning of a ever lasting love between me and an entire country.

#3 - In the Mood for Love by Wong Kar-Wai

Hong Kong in the 60s: a lot of rain, a lot of rallenties, magnificent dresses, splendid music, an impossible love, a unique atmosphere.
I swear: I can die for this movie!

#4 - Six Moral Tales by Eric Rohmer

Six stories, five jewels and a masterpiece: Ma Nuit chez Maude.
I want Eric Rohmer back!

#5 - Red Desert by Michelangelo Antonioni
All this red colour, the factories of Northern Italy, the chilling side of life and the most incredible statement by Monica Vitti: Mi fa male tutto, anche i capelli! (everything hurts, even my hair!)

#6 - Blue White Red Three Colors by Krzysztof Kieslowski

Different colours, different stories, different countries, but just one genius behind the camera.

#7 - Hunger by Steve McQueen

IRA man Bobby Sands is starving himself to death in an Irish jail, while Steve McQueen and his actor Michael Fassbender give life to the most amazing cinematic collaboration. Unforgettable.

#8 - Play Time by Jacques Tati
A man who doesn't need words to create a world. A pure gem.
A must-see of the cinema history.

#9 - Il Posto by Ermanno Olmi

Olmi, the sweetest and loveliest man I ever had the chance to meet in my life. He talks about Milan, a poor boy looking for a job, the innocence of youth. Evviva! (as he always says...)

#10 - Rushmore by Wes Anderson

Max Fischer, do you want to marry me?

Tutto in una notte

2011-11-30T12:58:00.002+01:00

Che il cinema sia una forma artistica di altissimo livello, io l’ho sempre pensato, ma è vero che esistono dei film, rari, rarissimi, in grado di esprimere molto meglio e più di ogni altro tutta la grandezza, la straordinarietà, la profondità e la potenza del mezzo cinematografico. Stiamo parlando di film che si vedono, nei migliori dei casi, una o due volte l’anno. Tre al massimo.
Di recente, mi è capitata proprio questa fortuna.
Il film in questione è Once upon a time in Anatolia (C'era una volta in Anatolia) del regista turco Nuri Bilge Ceylan, la cui visione è paragonabile, per intensità e stravolgimento, alla lettura di un romanzo di Dostoïevski, alla contemplazione di un quadro di Bacon o all’ascolto di una sinfonia di Beethoven.
Ceylan (nato ad Istanbul nel 1959) è considerato il più grande regista turco contemporaneo e i suoi film, presentati nei festival cinematografici di mezzo mondo, sono spesso ricoperti di premi, in particolare al Festival di Cannes: Uzak (2002) ha ricevuto il Grand Prix du Jury e il premio per il Miglior Attore, Three Monkeys (2008) quello per la Miglior Regia, e la sua ultima opera, di nuovo, il Grand Prix du Jury (ma la Palma d’Oro, no? Ah, no, la Palma d’Oro l’hanno data a Tree of Life. Ah, ecco: bravi, complimenti).

Nuri Bilge Ceylan

Once upon a time in Anatolia è un’esperienza psico-fisica di rara portata: il film è lentissimo, dura due ore e trentacinque minuti, non succede praticamente niente, e la prima ora abbondante di film è girata quasi esclusivamente al buio, nelle deserte steppe dell’Anatolia. E sì, lo so cosa state pensando, state pensando che mi è dato di volta il cervello a consigliarvi un film di questo tipo. Certo, non vi sto dicendo che sarà un’impresa facile, ma vi assicuro che poi sarete felici, e ricompensati, perché questo film vi entra nella pelle come un virus pericoloso, e non vi molla più (io l’ho visto quasi dieci giorni fa e di notte ancora mi vengono in mente stralci di dialogo e immagini nitide e fortissime). Se si è abbastanza pazienti da entrare nel film, e lasciarsi trasportare da questo spazio-tempo parallelo, alla fine avrete l'impressione di non essere solo stati al cinema, ma di aver passato la notte intera insieme ai protagonisti del film. Perché è notte fonda, in una sperduta landa dell'Anatolia, e tre macchine viaggiano lentamente una dietro l'altra. In questo convoglio si trovano due uomini accusati di un omicidio, il commissario e i poliziotti che indagano sul caso, il giudice che dovrà processare gli assassini e il medico che dovrà constatare il decesso del cadavere che stanno cercando. I due uomini non ricordano più il luogo esatto in cui lo hanno sepolto, e questa terra desolata sembra tutta uguale, e poi è buio, fa freddo, hanno fame e sono stanchi. Le ore passano lentissime, in questo vagare che sembra insensato. Quando tutti sono allo stremo, il capo di un villaggio li accoglie in casa e dà loro da mangiare. Dopo la sosta, ormai è quasi mattina, finalmente il cadavere viene trovato. Possono tutti ritornare in città, dove il medico procederà all'autopsia che chiarirà le cause della morte e metterà fine a questa lunga, terribile notte.

Once upon a time in Anatolia è un trip metafisico nei più oscuri meandri dell'animo umano, dal quale si esce, catarticamente, più lucidi e consapevoli che mai.
Ceylan costruisce con pazienza, scena dopo scena, un mondo dove niente è come appare a prima vista, dove sul paesaggio e sui personaggi si sono stratificati anni di solitudine, di dolore, di domande lasciate senza risposta, ma anche di momenti di felicità improvvisa, insieme ad altri completamenti assurdi e divertenti. I dialoghi fanno parte del piano. Sembrano fatti di niente, eppure alla fine del film si capisce che scavano a fondo, che stanno dicendo cose fondamentali.

Ci sono due scene per me indimenticabili: la prima è il momento in cui, dopo la cena, la figlia del capo del villaggio entra nella stanza e si avvicina ad ogni uomo per portare una tazza di té. Sul vassoio che porta in mano c'è una lampada ad olio che illumina uno dopo l'altro i loro volti distrutti. E questa presenza femminile, la sua giovinezza, la sua innocenza, la sua bellezza, sembra davvero rappresentare la sola luce e il solo conforto (tra l'altro personalizzato: l'idea geniale di dare ad uno degli assassini, anziché il té, una lattina di coca-cola come aveva inopportunamente richiesto durante il pasto) alle loro vite oscure e senza speranza.

L'altra è quella, semplicissima e straordinaria, in cui il medico, arrivato al mattino nel suo studio, finalmente solo, con un movimento lento alza gli occhi e si mette a guardare dritto davanti a sé. In realtà, si sta guardando allo specchio. Ma noi non lo sappiamo, ancora, e per un lungo, meraviglioso istante, pensiamo semplicemente che quell'uomo stia guardando noi, noi spettatori. I suoi occhi sono puntati nei nostri occhi e come per osmosi la sua storia diventa la nostra, e quella di ciascuno di noi la sua. Perché, in fondo, non importa da che epoca, storia, ceto sociale, razza, religione, o paese proveniamo, siamo tutti, inesorabilmente, inevitabilmente, imperfetti esseri umani destinati a morire.
Persino Tarkovskij, io credo, non avrebbe saputo esprimerlo meglio.

Shame

2011-11-23T23:40:00.003+01:00

If there was a movie I was dying to see this year, it was Shame, by British director Steve McQueen.

For two main reasons: because I thought his first movie, Hunger, was a masterpiece, and because I am convinced that Michael Fassbender, who played in both McQueen’s movies, is THE best actor around (and that’s been the case for the last 3 years). When I found out, a couple of weeks ago, that the cinema MK2 Bibliothèque was hosting the French avant-première of the movie and that the director and the actor would have been present in flesh and blood, I basically lost my mind. I think I have been the first one in Paris to buy the ticket (literally two seconds after the tweet announcing the sale) and, well, I was right: the screening went sold out in few days. Yesterday night was the big night and I was lucky enough to find a seat in the first row (actually, I was amazed by how fast I could run to grab a place on my high heels!). The cast joined us at the end of the movie: Steve McQueen, Michael Fassbender and young actress Nicole Beharie talked briefly to the audience.

McQueen, Beharie, Fassbender - Paris, November 23 - Photo by Zazie

It was very quick and I was still under the movie’s spell, so everything seemed a bit dreamy to me. The public couldn’t ask any question, and maybe it was better like that, because the only question I could have placed under the circumstances to Mr. Fassbender would have not been of the highest quality: Are you photoshopped???!!! Or, alternatively, the one I have prepared but I didn't have the guts to ask:

Zazie, the blogger with NO Shame - Photo by Spissetta

Shame relates the story of a descent into hell, the story of an addiction that brings Brandon, a 30something living in New York, onto the abyss of self-destruction. We are not talking about drugs or alcohol, here, but we are talking about sex. Brandon’s days and nights are built around this. He literally spends his time fucking around, seeing porno movies, making porno chats, or wanking at every hour, both at home or in his office’s toilets (because, yes, he manages to have a normal job). The unexpected arrival in his apartment of his sister Sissy, a musician without a place to live and some evident issues to solve (the film remains very vague on the subject, but it is clear that in the family something went quite wrong), breaks the fragile equilibrium and the routine of Brandon’s existence. The consequences, for both of them, will be very heavy and Brandon will be obliged to face the desperation that’s eating his life from the inside.

At his second movie, Steve McQueen can already be admitted to the court of the grand. A first picture is sometimes a concourse of lucky circumstances and good events, a second one, no. McQueen has a personal, special style (every scene is necessary, there is no place for redundant shots in his cinema), important screenplays and no fear whatsoever to dig into the deepest, scariest, most unsettling parts of the human being. In fact, his cinema is a cinema of the extreme. But for one thing, yes, he has been very lucky: in finding an actor willing and daring to follow him on this path. For Hunger, Fassbender starved himself and lost 30 kgs (at the end of the movie you can literally count the bones on his chest), for Shame, he has been ready to deliver himself completely. He shows on screen the most intimate parts of his body, and the most intimate gestures. Nothing has been spared to the poor guy: the actor is pissing, masturbating, fucking, saying and doing the most outrageous things in front of the camera. And the camera is always onto him, the camera is almost possessing him. No surprises he won for this role the prize for Best Actor at the last Venice Film Festival. This is a one-of-a-lifetime performance that deserves an Oscar (but I doubt that our friends in Hollywood will be bold enough to give it to him. Don't worry, the Zazie d'Or is on its way!). Even Carey Mulligan, who plays his sister, an actress that I have always found mediocre until now, proved to be a great actress if in the right hands.
Shame is an insanely intense movie, full of unforgettable moments.
From the saddest version of New York, New York ever heard, to the sudden lightness and innocence of a real, normal (and unique) date, till the obsessive orgy scene where Brandon’s face is transfigured by a grimace of desperation instead of being blessed by an expression of pleasure. This movie is tough, gripping, compelling, intelligent and brave.
I assure you, the only shame here, would be NOT to see it!

Vivement Trintignant!

2011-11-20T13:13:00.000+01:00

L'altra mattina mi stavo preparando per andare al lavoro e, come al solito, avevo in sottofondo la mia radio preferita, che trasmette musica jazz 24 ore su 24.
La stavo ascoltando distrattamente, ma ad un certo punto lo speaker ha fatto un nome che ha attirato la mia attenzione, quello di Jean-Louis Trintignant, un attore che adoro. Subito dopo, la sua voce ha fatto irruzione nel mio bagno. Trintignant stava leggendo una poesia di Boris Vian, Je voudrais pas crever (Non vorrei morire), ritmata dal suono di un violoncello. E allora nel mio bagno ha fatto irruzione anche il sublime. Senza neanche rendermene conto, avevo chiuso l'acqua e stavo con lo spazzolino a mezz'aria. La verità è che una non se lo aspetta di provare emozioni simili alle otto del mattino mentre si sta lavando i denti. Come faccio a spiegarvi quello che ho provato? Nello spazio di due minuti Trintignant mi ha fatto capire quanto la poesia sia un'arte fondamentale, perché arriva a toccare mondi interiori che praticamente non sapevamo di avere, e mi ha dimostrato che un grande attore nemmeno ha bisogno di uno schermo per rapirti e portarti via. Basta la voce.
Quello stesso giorno, cercando il testo della poesia, mi sono resa conto che Trintignant sta portando in giro per la Francia uno spettacolo in cui recita, giustappunto, poesie di Boris Vian, Jacques Prévert e Robert Desnos, accompagnato da un violoncello e un accordéon, e che questo week-end lo spettacolo era a Parigi, al teatro dell'Odéon. Detto fatto, ieri sera mi sono ritrovata con un gruppo di amici seduta (in prima fila! miracoli dell'entusiasmo) in questo bellissimo teatro parigino. Sul palco, assolutamente spoglio, tre sedie: due per i musicisti e una per l'attore. Trintignant, 81 anni il mese prossimo, tutto vestito di nero, nascondeva nello sguardo qualcosa di infantile e lanciava sorrisi che erano lampi estremi di giovinezza. Per un'ora e trenta minuti (ma per me come per tutti sarebbe potuto andare avanti pure per altre tre ore comode) ci ha letteralmente incantati con la sua voce. Quei due minuti di emozione assoluta che avevo provato ascoltandolo per radio, si sono moltiplicati per novanta. Trintignant sul palco emana la pace di un uomo che non ha niente da dimostrare. Cosa ci può essere di più semplice ed essenziale di un attore seduto su una sedia che dice poesie? Eppure si percepiva tra le righe, nelle pause, dietro gli occhi, tutta la complessità della vita umana, della sua come della nostra, e della sofferenza, mista a felicità, che la compongono, il tutto velato da quel sottile senso di ironia che è sempre stato uno dei suoi tratti caratteristici. Ho ripensato a quando Truffaut lo aveva cercato per recitare in Vivement Dimanche! e lui gli aveva detto: Sapevo che prima o poi mi avreste chiamato. Ho pensato spesso, vedendo i vostri film, che avrei potuto recitare alcuni dei vostri personaggi. E Truffaut incuriosito gli aveva chiesto: Ah, sì, e quali? E Trintignant: Tutti quelli che avete interpretato voi! Del resto, narra la leggenda che Spielberg volesse proprio lui per la parte dello scienziato francese di Close encounters of the third kind e che, a causa degli impegni di Trintignant, avesse poi ripiegato su Truffaut.
Trintignant ha recitato in film bellissimi, sarebbe impossibile citarli tutti qui, ma quelli in cui io l'ho amato di più, Vivement Dimanche! a parte, sono stati Ma Nuit Chez Maud di Eric Rohmer e Film Rosso di Krzysztof Kieslowski. C'era qualcosa di veramente speciale, in quei personaggi, come se l'attore stesse rivelando una parte intima di se stesso. Timido nel primo, burbero nel secondo, ma entrambi di un'umanità disarmante, di una qualità superiore, sottile ma potentissima. E poi quella voce! Quando ieri sera, durante lo spettacolo, ha letto la lettera che Desnos ha scritto alla moglie prima di morire, le lacrime hanno iniziato a scorrere a fiumi. Almeno le mie. E quando si è alzato alla fine per ricevere gli applausi (lunghissima standing ovation da parte di tutto il teatro, ça va sans dire!) quell'uomo piccolo e vecchio vestito di nero sembrava occupare da solo tutto lo spazio di quell'enorme palcoscenico.
Ai grandi attori, succede così.

Cinéma Confort!

2011-11-13T23:39:00.001+01:00

Sappiatelo: ho sempre talmente tanta voglia di andare al cinema, che non importa dove io mi trovi, basta che ci sia una sala cinematografica nei dintorni dove mi possa rifugiare in qualsiasi momento.
Persino quando arrivo per la prima volta in una città sconosciuta, e quindi sensatamente dovrei essere in giro a visitare le bellezze della suddetta, finisce, non si sa bene come, che io mi ritrovi tempo zero in un cinema. Così è puntualmente successo venerdì scorso: dopo nemmeno tre ore che ero arrivata a Bruxelles, città nella quale non avevo mai messo piede in vita mia, già stavo seduta nel mitico cinéma confort (!!!) L'Aventure. Certo, la colpa è anche un po' dei miei amici, che conoscono le mie perversioni e le assecondano (vero, Nicola?). Devo ammettere, questa sala valeva veramente la pena: collocata nel bel mezzo di una galleria improbabile che non avrebbe sfigurato in un qualsiasi film di Mike Leigh, il décor dell'Aventure è rimasto intatto dagli anni '70 ad oggi e segna il trionfo del colore viola. Tutte le pareti, le comodissime poltrone, anche un po' la faccia di quello che vende i biglietti (per altro molto simpatico e gentile): l'apoteosi del monocolore più inquietante che ci sia.

Il cinema contiene ben tre sale cinematografiche, e noi ci siamo ritrovati in quella più piccola, dove a fianco dello schermo troneggiava una lampada degna di Saturday Night Fever dall'effetto ipnotico assicurato.

Tra l'altro, eravamo gli unici spettatori. Il film prescelto, perché certo non potevamo andare a vedere l'ultimo blockbuster in 3D, all'Aventure, era un film colombiano di qualche anno fa, per cui forse era prevedibile che non ci fosse tutta questa gran folla.
Che bello, comunque, stare da soli in una sala cinematografica. Ci si sente dei produttori degli anni '30 a Los Angeles che si fanno proiettare i film nella sala adibita a cinema della loro casa tutta vetri sulla collina di Hollywood. Un vero lusso!
L'effetto del cinema, quando si è in una città sconosciuta, può essere sorprendente: anche se non ci ero mai stata, a Bruxelles, arrivando in macchina in una piazza della città, ho avuto un preciso déjà-vu. Io lì ci avevo già messo piede, io riconoscevo quei luoghi. E' stato dopo un attimo di riflessione che mi sono resa conto di averli visti qualche settimana fa in un film del 1967 di Jerzy Skolimowski, Le Départ, con Jean-Pierre Léaud (e la meravigliosa musica di Krzysztof Komeda). Forse il ricordo è stato ancora più nitido perché si trattava di un film in cui Léaud cerca disperatamente una macchina per partecipare ad un rally (cosa che non riuscirà mai a fare) e noi stavamo passando da quella piazza su una Lancia Fulvia del 1969, una vecchia macchina che sembrava uscita tale e quale dal film, e che azzerava in un attimo la distanza di oltre 40 anni dalle immagini della pellicola.

Tutto questo, ancora una volta (temo), per ribadire il concetto che la vita mi sembra molto più interessante se vissuta attraverso il filtro di uno schermo cinematografico.
Gli eventi sono gli stessi, certo, ma volete mettere il confort?

The Artist

2011-10-30T18:42:00.000+01:00

Siete di quelli che non hanno più fiducia nel cinema?
Di quelli che pensano che ormai a Hollywood si facciano solo film in 3D pieni di effetti speciali, morti ammazzati, dialoghi privi di spessore e attori capaci soprattutto di mostrare bicipiti e sorriso smagliante?
Se appartenete a questa categoria, allora ecco qua il film che fa per voi. Il film nato per smentire le vostre certezze, il film creato per dimostrarvi che, nell'anno di grazia 2011, il cinema è ancora capace di osare l'inosabile, di stupire, di farci sognare, ridere, piangere, e credere, anche solo per due minuti due, signoriesignore, che il mondo è un posto meraviglioso. Come? Semplice, con un film muto (!) e in bianco e nero (!): The Artist.
Girato a Hollywood (e sognato da anni) dal regista francese Michel Hazanavicius, questo film ha visto la luce grazie al coraggio e alla lungimiranza di un giovane produttore, Thomas Langmann (che non è nuovo ad operazioni arrischiate, basti pensare che c'era sempre lui dietro le quattro ore di biografia del criminale francese Mesrine). Presentato in competizione all'ultimo Festival di Cannes, il film ha ricevuto il premio (meritatissimo!) per la miglior interpretazione maschile, assegnato a Jean Dujardin. L'attore e il regista sono alla loro terza collaborazione. In Francia, hanno sbancato il botteghino e ricevuto elogi dalla critica per i loro film OSS 117, Le Caire Nid d'Espions e OSS 117, Rio ne répond plus, che sono in pratica una ridicolizzazione dei film di James Bond, con ambientazioni rigorosamente '60s. Film deliziosi e leggeri, che suonano ora come un bel preludio al loro ultimo lavoro. Del quale fa anche parte Bérénice Béjo, compagna del regista nella vita reale, e già protagonista con Dujardin del primo OSS.

The Artist racconta la parabola discendente di George Valentin, star del cinema muto alla fine degli anni '20, incapace di rendersi conto che l'avvento del cinema sonoro gli distruggerà prima la carriera e poi la vita. A differenza di Peppy Miller, una ragazza che passa da semplice comparsa nei film di Valentin a star del cinema parlato nel giro di pochissimo tempo. Tra i due scatta subito una forte attrazione, ma Valentin è sposato e i due non possono coronare il loro sogno d'amore. Soltanto quando l'attore, in miseria, verrà abbandonato da tutti (moglie compresa), Peppy potrà andare in suo soccorso e offrirgli una seconda occasione di vita.

The Artist, lo confesso, mi è piaciuto da morire fin dai titoli di testa, in perfetto stile RKO. Il regista non può capire quanto lo ammiri per il coraggio che ha avuto: l'idea che qualcuno faccia un film muto nel 2011 è semplicemente meravigliosa (mi ricordo un solo altro esempio negli ultimi anni, ed è quello di Juha di Aki Kaurismaki, ma in tutt'altro stile). E la cosa ancora più incredibile è che il pubblico lo segua: il film in Francia, sappiatelo, è già campione d'incassi. La verità è che ci si dimentica dopo un minuto che è iniziato, che questo film è senza dialoghi. Perché si rimane immediatamente catturati dalla storia, dalla bellezza delle scene, della luce, della musica, e dalla bravura degli attori (Jean Dujardin è magnifico: ha la classe, il carisma e il portamento di un moderno Clarke Gable). The Artist è amore per la magia del cinema (e del cinema toutcort) che trasuda da tutti i pori dello schermo, è un omaggio sentimentale (sincero e disarmante) a Hollywood e ad universo lontano che racchiude in sé gli elementi essenziali del nostro immaginario collettivo. E' come se, guardando The Artist, ritrovassimo l'innocenza perduta, e ci rendessimo conto di quanto ci fosse mancata. Per me, il momento più bello, è senza dubbio quello dell'innamoramento tra George e Peppy: i due stanno girando la scena di un ballo, dove si devono incrociare, ballare allacciati per pochi istanti e poi separarsi. Ma la scena deve essere ripetuta continuamente, perché c'è sempre qualcosa che non va: i due ridono, sbagliano i tempi, rimangono abbracciati troppo a lungo. Insomma l'amore racchiuso in quattro, semplicissime scene. Alla fine del film, il pubblico (sala stracolma di uno dei più grandi cinema di Parigi) è scoppiato in uno spontaneo, fragoroso applauso. Come se fossimo a Hollywood nel 1927, e non al Gaumont Opéra nel 2011.
Tutto sembrava possibile, persino mettersi a baciare qualcuno sotto la pioggia all'uscita del film, pretendendo di essere ancora in un mondo perfetto: silenzioso, e in bianco e nero.

The Hour

2011-10-23T18:02:00.001+02:00

Sono una di quelle persone per cui la vita senza serie TV non avrebbe più senso.
Ed è così dalla più tenera infanzia. Sono cresciuta a pane e sceneggiati BBC. Quando ero piccola, la RAI era talmente illuminata da avere il coraggio di trasmettere praticamente tutto quello che si produceva in Gran Bretagna. Negli anni della gioventù, ho assunto dosi massicce di Upstairs, Downstairs, The Duchess of Duke Street, The Avangers, The New Avengers, The Survivors, George and Mildred, Doctor Who, Sapphire and Steel, How green was my valley, All creatures great and small e chi più ne ha più ne metta, oltre ad ogni trasposizione televisiva possibile ed immaginabile dei romanzi di Jane Austen, delle Sorelle Bronte e di altri classici inglesi (con Brideshead Revisited a svettare lassù, nell'alto dei cieli).
In questi ultimi anni, gli americani sembrano non solo aver imparato la lezione dei maestri, ma averli di gran lunga superati. Tutto quello prodotto da HBO è praticamente un capolavoro assoluto, senza contare le innumerevoli perle rare sparse sugli altri canali d'oltre oceano. Tuttavia, gli inglesi sanno ancora il fatto loro, e non perdono nessun colpo: The Office di Ricky Gervais è talmente avanti che fa quasi paura, la comicità politicamente scorrettissima di Little Britain è da urlo, l'irriverenza di Queer as Folk ha fatto scuola, l'idea geniale che sta alla base di Life on Mars crea dipendenza. Non è forse un caso che tutte queste serie TV siano state rubate e rifatte dagli americani (non so con quali risultati, a dire il vero, perché non ho mai avuto voglia di guardarle). L'anno scorso, gli inglesi ci hanno regalato una perla rarissima: Downton Abbey, uno sceneggiato che segue in parallelo le vicende di una famiglia artistocratica dei primi del novecento e quelle della loro servitù. Impossibile trovarci un difetto: la sceneggiatura (di Julian Fellowes, già autore di Gosford Park) è bellissima, i dialoghi intelligenti e divertenti, gli attori di una bravura eccelsa (Maggie Smith ha appena vinto un Emmy Award per il suo ritratto della matriarca stronza ed irresistibile). Insomma, ve ne consiglio vivissimanente la visione (in questo momento in Inghilterra sta andando in onda la seconda stagione).

Da un po' di tempo a questa parte, invece, sentivo parlare di un altro prodotto della TV britannica, che mi incuriosiva molto perché veniva definito come la risposta inglese a Mad Men. Così, quando sono passata da Londra, ho comprato a scatola chiusa il cofanetto di The Hour, sei episodi che raccontano il dietro le quinte di una trasmissione della BBC negli anni 50. Scritto da Abi Morgan (sceneggiatrice di Brick Lane, The Iron Lady e Shame), The Hour si concentra su tre personaggi: la giovane produttrice Bel Rowley (l'ottima Romola Garai), il suo miglior amico e angry young journalist Freddy Lyon (l'eccezionale, come sempre, Ben Whishaw), e il presentatore bello e ambizioso Hector Madden (il bravo Dominic West, che molti ricorderanno in The Wire). E' il 1956, siamo in piena guerra fredda, c'è la crisi del Canale di Suez, e i tre si trovano rispettivamente a produrre, scrivere e presentare una nuova trasmissione di approfondimento della BBC, chiamata appunto The Hour. Ben presto, tuttavia, i tre si troveranno anche coinvolti in una storia di spionaggio e morti ammazzati che non avevano previsto.

Il primo episodio, dico la verità, non mi aveva entusiasmato: mi sembrava un po' lento, non particolarmente avvincente, dai contorni persino un po' sbiaditi, ma mi sono detta che comunque valeva la pena di continuare a guardarlo. Ed ho fatto bene. Non so dirvi esattamente a che punto, ma The Hour mi ha conquistato in maniera subdola e inaspettata. Ad un certo punto, tra il secondo e il terzo episodio, ho capito che l'unica cosa della quale mi importava durante la giornata, era quella di tornare a casa e vedere come andava avanti la storia. Ho provato ad analizzare le ragioni di questo improvviso amore ma, come per tutte le cose irrazionali di questo mondo, mi sono resa conto che sono difficili da spiegare. Voglio dire, al di là delle evidenti qualità del prodotto: ben scritto, ben girato, con attori fantastici, insomma con gli ingredienti classici di un'ottima serie TV.

Quel qualcosa di speciale, forse, risiede nella quintessenza del being british, nell'understatement puro e duro. In The Hour le cose non sono mai urlate, mai spettacolari, mai particolarmente glamorous, mai sopra le righe, ma sono a volte solo accennate, a volte spiegate in maniera chiara e sobria, a volte semplicemente lasciate all'intelligenza dello spettatore. Anche l'ambientazione anni 50 ha una qualità completamente diversa rispetto a quella di Mad Men: qui è tutto più povero, più invernale, con una patina di quotidiano, di guerra fredda, di kitchen-sink drama, di tazze di té, di pioggia che scende abbondante ed implacabile.
Oddio... avrei voluto che non finisse mai.
Come ha scritto di recente il New York Times nella sua recensione: peccato solo che quest'ora non duri qualche minuto di più...

Drive

2011-10-12T23:52:00.005+02:00

Something is rotten in the State of California, and if it is a Danishguy to declare it, you should believe him, especially if his name is NicolasWinding Refn.

The no-name hero of his movie Drive lives in LA and works as a stuntman duringthe day and as a getaway driver of crimes at night. And he is very good at whathe does. All the rest, it’s a mystery: no family, no friends, and apparently nopast life. He is a solitary and silent man. One day, he meets by chance Irene,a young neighbour, and her little children Benicio, and his existence istransformed. When Irene’s husband comes back home from jail, it is easy for thedriver to accept of being involved in a dangerous hold-up: it is just by doingso that the criminals, to whom Irene’s husband owes money, will leave thewoman and her son alone. Useless to say, things will be a bit more complicated thanexpected…

This is the movie of the consecration for Winding Refn, a Danish angryyoung man (he was born in Copenhagen in 1970) who is considered one of the mostoriginal and interesting talents of European cinema. He built his reputationthrough tough and personal movies like the trilogy Pusher, the chilling thrillerFear X and two movies of stylized violence like Bronson and Valhalla Rising,often using as his alter ego the more-than-amazing Danish actor Mads Mikkelsen.Awarded of the Best Director Prize at the last Cannes Film Festival, Drive is surelyless uncompromising and more mainstream than all his other movies, but it is byfar the most enjoyable one.

For somebody who doesn’t have a driving licence (apparently he failedthe test 8 times), Winding Refn has an incredible ability of showing the beautyand the thrilling sensation you can feel seated at a four wheels. Americancinema is packed with spectacular and often unbelievable scenes of car racings,but the ones filmed here have a more subtle and simple taste. The filmmakerdoesn’t want to show off; he just wants us to enter into the driver’s universe ina smooth but gripping way. I really like the silent characters of Winding Refncinema: like the One-Eye of Valhalla Rising, the driver lives his life more throughimages than through words. He is watching carefully what’s going on, often a mysticalwitness of the absurdity of life, inhabited by a wisdom that puts him on adifferent level. As many silent, charismatic and solitary heroes of Americancinema (Clint Eastwood, are you there?), the driver played so wonderfully byRyan Gosling has the astonishing quality of being redeemed by love but hauntedby violence.

To the surprise of many, I will dare to define Drive as anincredibly romantic movie. In this sense, the elevator scene is the mostbeautiful and pivotal one: in an elegant, almost old-style slow motion, the manturns to kiss Irene, suddenly illuminated by a perfect light, and his arm protectsher from the presence of a third presence in the elevator. The person is acriminal, and after few seconds he will be knocked down by the animal andbrutal violence of the same man. The representation of violence in Winding Refnmovies, clearly influenced by the cinema of Martin Scorsese, Brian De Palma and Michael Mann,has Kitanesque’s nuances: is rapid, merciless and stylish (with forks, insteadof chopsticks, in the eyes). Another essential element of Drive is the music,in various moments invading the screen like a real form of life, expressingthings like a dialogue would do.

And then the cast: I already declared my love for Ryan Gosling in mypost about Blue Valentine (http://leblogdezazie.blogspot.com/2011/04/new-york-trilogy-blue-valentine.html), so I don’t have much to add on this. His careerchoices are simply perfect. The other brilliant presence in the movie is theone of Bryan Cranston, the cherished actor of the TV series Breaking Bad, whomasterfully built his character in just few scenes. Also the villains are notbad: Albert Brooks and Ron Perlman are scary and magnetic in the right way. Onthe female side, Christina Hendricks (the Joan of Mad Men) has a too short roleto say something interesting about her, while I have to make here a declaration, and not a loving one, about Carey Mulligan: I can’t stand her. Since the very first time I saw her onscreen I asked myself why this girl is considered a good actress. She pretendsto be deep but she is not, she pretends to have a complete range of expressionsbut she doesn’t, she wants to look smart but she just looks unbearable. Her wayof acting is unbelievably boring, and I mean, she is not even stunningly gorgeous (quitethe opposite, as a matter of fact). Why is she on a silver screen? Maybe I am missing the point, but cansomebody explained me why is she becoming so famous and why is she working with such good film-makers? All this remains a mystery to me.
Anyway, should I finally make up my mind and get the driving license I never even tried to have? I asked myself at the end of the movie. Well, if Ryan Gosling is giving private driving lessons, I promise: I will serioulsy think about that...

Pellegrinaggi

2011-10-07T00:25:00.003+02:00

My Beautiful Laundrette by Stephen Frears - 1987

Lo scorso fine-settimana sono stata a Londra a vedere Ralph Fiennes recitare nella Tempesta di Shakespeare al Royal Haymarket Theatre. Una di quelle esperienze che sta a dimostrare la veridicità del famoso Teorema di Zazie, in base al quale risulta palese che i migliori attori al mondo siano inglesi o irlandesi. Se non ci credete, potete sempre andare a controllare di persona: rimarrà in scena fino alla fine di Ottobre.

Ovviamente, già che c'ero, ne ho approfittato per andare per librerie, che a Londra sono di una bellezza straziante. Ed è così che in un piccolo e delizioso bookshop di Notting Hill, Lutyens & Rubinstein, sono incappata in un volumetto sulle Film Locations di Londra. L'ho sfogliato e poi subito comprato, e quando sono tornata a casa dall'amico che mi ospitava, l'ho mostrato tutta fiera: Guarda che bello, così adesso posso andare a vedere dove hanno girato Alfie, Darling, Dirty Pretty Things, The End of the Affair, Nil by Mouth, Naked, Wonderland ecc. ecc. Lui mi ha guardata sorpreso, senza capire, e mi ha spiazzato con una semplice domanda: Perché ci vai?
Mi sono resa conto di non avere una risposta, e per una semplice ragione: io quella domanda non me la sono mai fatta. A me sembra nell'ordine delle cose, andare a vedere dove hanno girato un film. Lo considero normale, anzi, più che normale: giusto. E' un po' come chiedere ad un credente: Perché vai in chiesa? Perché vai alla Moschea? O in Sinagoga? Replica ovvia: Perché lì c'è quello che cerco, quello in cui credo.
Così, mi sono messa a ripensare a tutti i pellegrinaggi laici e cinematografici che ho fatto nella vita. E mi sono resa conto, in ordine sparso, di essere andata nei seguenti luoghi:

Castle Howard, Yorkshire, dove hanno girato il mitico sceneggiato tv Brideshead Revisited (1982), con Jeremy Irons

Penisola di Dingle, County Kerry, Irlanda, dove David Lean ha girato Ryan's Daughter (1970)

La città di Rochefort, dove Jacques Demy ha girato Les Demoiselles de Rochefort (1967)

La spiaggia di Dinard, in Bretagna, dove Eric Rohmer ha girato Un Conte d'été (1996)

La casa situata al 2302 West 25th Street di Los Angeles, ovvero la Fisher & Sons Funeral Home di Six Feet Under (2001-2005), la meravigliosa serie tv HBO scritta da Alan Ball
Ad ogni modo, i posti più strani in cui sono stata, in effetti, si trovano a Londra.
Per un film che ho amato moltissimo, The Crying Game di Neil Jordan (1992), un giorno di tanti anni fa ho fatto un lunghissimo giro nella zona di Hoxton Square: avevo letto che in Coronet Street, ad esempio, si trovava il famoso bar (Metro) dove si svolgono le migliori scene del film. Oggi Shoreditch è diventata una zona super trendy ma all'epoca, vi assicuro, non lo era per nulla.

Ma la Palma d'Oro della location più assurda, lo ammetto, l'ho vinta il giorno in cui mi sono spinta al n° 11 di Wilcox Road, South Lambeth, all'epoca un postaccio davvero infame, per vedere la Laundry in cui avevano girato My Beautiful Laundrette di Stephen Frears (1987).
E, notate bene, sapevo benissimo che quella lavanderia a gettoni non esisteva più, e forse non era mai esistita se non nel film, ma io ci sono andata lo stesso. E sono stata lì, a fare foto ad una delle vie più brutte di Londra, ad un negozio che non ricordo nemmeno cosa fosse, ma non importava. Perché era lì che erano stati, lì che Johnny e Omar si baciavano, lì che venivano picchiati, lì che si amavano, lì che fregavano la Thatcher. Insomma, era lì che si trovava il mio personale luogo di culto.
Me la sarei quasi sentita di mettermi in ginocchio a pregare.

La Rivincita delle Ragazze dai Capelli Corti

2011-09-23T00:25:00.009+02:00

Jean Seberg - Our mascotte!

Readers got it right!
Apparently, the most loved post written by Zazie in her blog's history, is the one about girls having short hair. Being part of the category, I'm particularly proud and happy of this result. In a world where the standards of beauty are still anchored to the old, stiff idea that girls should have long hair (and possibly big bubs), Zazie's readers showed their modern, intelligent approach: the hair cut à la garçon is much, much loved!
Here's a bunch of other movies (mainly indicated by my readers) to celebrate the fact that short hair girls can be gorgeous, funny, smart, sweet, brave, a bit crazy, sexy and very, very sophisticated.
I also would like to celebrate the second anniversary of Le Blog de Zazie... ins't that incredible? Already two years and it feels like yesterday that I started bothering you with my cinema obsession.
Well, what can I say? I love you all, dear readers!
Zazie

Short hair girls are:

NOT AFRAID OF ALIENS

Like Sigourney Weaver in Alien 3 by David Fincher (1992)

NOT AFRAID OF ALIENATED HUSBANDS
Like Charlize Theron in The Astronaut's Wife by Rand Ravich (1999)

NOT AFRAID OF THEIR MOTHERS (WELL, ALMOST...)

Like Jamie Lee Curtis in Halloween H20 by Steve Miner (1998)

NOT AFRAID OF DANIEL DAY LEWIS
Like Fiona Shaw in My Left Foot by Jim Sheridan (1989)

NOT AFRAID OF FALLING IN LOVE
Like Shirley MacLaine in The Apartment by Billy Wilder (1960)

or Like Mia Wasikowska in Restless by Gus Van Sant (2011)

AND NOT AFRAID OF BEING ABSOLUTELY FABULOUS!!!

Like Jean Seberg in Bonjour Tristesse by Otto Preminger (1958)

Habemus Nanni!

2011-09-11T21:29:00.000+02:00

Nanni Moretti e Zazie, Parigi, 7 Settembre 2011 - Foto di Alex Pachiaudi

"Il Morettismo di questa ragazza... è preoccupante!"
Sembrerebbe la scena di un film di Moretti, con Michele Apicella che urla una delle sue tante verità al mondo e invece, per una volta, si tratta della vita reale! Moretti pronuncia questa frase mentre cammina nello studio di architettura in cui lavoro e nel quale è venuto a trovarci mercoledì mattina, e la ragazza in questione... beh... c'est moi, Zazie! Il morettismo dilagante, comunque, non è solo mio, è quello di una città intera, forse di un intero paese. Qui infatti il regista romano è, da sempre, amatissimo.
Nanni Moretti è a Parigi per l'uscita francese del suo Habemus Papam, ma anche per partecipare a numerose iniziative che la Cinémathèque Française gli dedica dal 5 al 25 Settembre: anteprima assoluta del nuovo film, retrospettiva completa dei suoi lavori, dialogo con Serge Toubiana (il direttore della Cinémathèque), nonché per un "Concert Moretti" che si è svolto sabato 10 Settembre allo spazio culturale MC93 di Bobigny. Concerto in cui Moretti ripercorre la sua carriera attraverso le colonne sonore dei suoi film (suonate dal vivo dall'Orchestra Nazionale dei Conservatori con il Maestro Franco Piersanti) accompagnate da stralci di dialoghi e parti del suo diario (letti e interpretati da Moretti stesso).
Personalmente, questo incontro con Moretti, erano anni che lo sognavo. In pratica dalla prima volta che ho visto un suo film, ed ero giovanissima, ma la possibilità è diventata concreta solo pochi anni fa, quando lui e il mio capo si sono incontrati per caso e sono diventati un po' amici. Da allora, non ho perso occasione per telefonare alla Sacher Film e sfinire la gentilissima Anna-Maria (che qui ufficialmente ringrazio per avermi sopportata) con inviti e proposte di ogni tipo che purtroppo, per qualche ragione, non si concretizzavano mai. Questa settimana, finalmente, il sogno è diventato realtà. Quando Moretti mi ha telefonato mercoledì mattina per chiedermi come arrivare in studio, gli ho fatto subito la rassegna stampa: "Allora, sei in copertina di Le Monde, Libération (prima pagina dell'inserto culturale con la scritta Super Nanni), e quelli di Télérama hanno dato al tuo film il massimo dei voti". Lo sentivo ridere dall'altro lato della cornetta. Poi mi ha detto: "Ho saputo che questa mattina alla proiezione delle 9, perché qui a Parigi si può andare al cinema anche alle 9 del mattino, all'UGC Les Halles ci sono stati già 77 spettatori". Non ci potevo credere, sembrava una scena tratta da Il Giorno della prima di Close-Up. Quando è arrivato in studio, mi ha chiesto: "Ma tu lo avevi già visto Habemus Papam?" "Ma certo - ho risposto - sono tornata apposta in Italia ad Aprile per vederlo". E' stato lì che ha capito che ero un caso di morettismo gravissimo. L'ho portato alla mia scrivania e lui ha appoggiato la giacca alla mia sedia. Oddio, la giacca di Moretti sulla mia sedia!!! (vedi foto).

Ha guardato il muro di fianco alla mia scrivania, dove ho appeso di tutto (poca architettura e molto cinema) e ha esclamato: "Gabriel Byrne!" Già uno che mi riconosce così al volo Gabriel Byrne (in prima pagina della sezione cultura del Guardian con la scritta: The shrink we'd all like to have) ha tutta la mia stima, se poi è Moretti, figuriamoci: "Pensa che mi avevano proposto di fare la versione Italiana di In Treatment, poi ho guardato la serie: era stupenda, scritta benissimo, recitata divinamente, Gabriel Byrne è bravissimo, bellissimo, io ho pensato: lasciamo perdere, sarebbe tutto inutile". E da lì, niente, è stata la fine, tutto un parlare fitto fitto di cinema che avremmo sfinito chiunque. E gli ho anche fatto a raffica tutte le domande che mi passavano per la testa (e quando mai mi ricapiterà l'occasione?): "Lo sai che ho partecipato al tuo cine-quiz? Ho trovato con degli amici 30 film su 40, ma alcuni erano sbagliati. Però se adesso ti dico qual è secondo me il n° 18, tu mi dici se è quello giusto?" Mi ha fatto promettere di non dirlo a nessuno, ma con grande soddisfazione posso dirvi che l'avevo azzeccato. E poi, vabbé, gli ho confessato che avevo un blog di cinema e che avevo già scritto una recensione di Habemus Papam. Ed ecco che mi sono subito guadagnata una dedica:

Che volete che vi dica? E' stato uno dei momenti più belli della mia vita: parlare per un'ora di cinema e andare a pranzo con il mio regista italiano preferito... ma vuoi vedere che qualche volta la realtà supera la fantasia?
E comunque, Nanni, lo scrivo qui perché non ho avuto il coraggio (stranamente) di dirtelo a voce: è vero, Gabriel Byrne è bravissimo e bellissimo... ma pure tu, non sei niente male!
Con affetto, Zazie

And the winner is...

2011-09-11T13:10:00.003+02:00

Zazie is very happy!
Yesterday night, one of her favourite actors, the German/Irish Michael Fassbender, won the Coppa Volpi for the Best Performing Male Actor at the Venice Film Festival. The movie for which he won this award, Shame, is by British artist Steve McQueen.
If you are a reader of this blog, you know that I've been talking about this guy since a very long time. As a matter of fact, since I've seen him playing in the first movie by McQueen: Hunger, a real gem, a movie about the story of Bobby Sands, the IRA guy who starved himself to death in an Irish jail in the early 80's. Fassbender's performance was simply O U T S T A N D I N G and I would have covered him with prizes for what he did in that movie.

Our man has been clever enough to make great career choices since then. He played in Inglorious Basterds by Quentin Tarantino, Fish Tank by Andrea Arnold, Jane Eyre by Cary Fukunaga and X-Men: First Class by Matthew Vaughn, among others. At the Venice Film Festival, he was present with two movies: Shame and A Dangerous Method by David Cronenberg. I mean: this guy knows what he is doing.
Of course, he has already received the most important prize of his career a couple of years ago: the famous "Man of my Life Award" of the Zazie D'Or 2009 edition.
Michael, the award is still here at my place... now that you have learned a bit of Italian for the Venice Film Festival, maybe it is time for you to come along and take it.
The address (and my love for you) remained the same.

On connaît (et on adore) la chanson!

2011-09-01T01:05:00.004+02:00

Mi piacciono da morire.
Che cosa? I film francesi, in generale, e quelli in cui si canta in particolare. Negli ultimi giorni ne ho visti due che sono dei gioielli rari e preziosi. Che mi hanno incantata, emozionata, sconvolta, che mi hanno fatto ridere, piangere, mi hanno fatto capire cose, posto delle domande fondamentali, aiutato a soffrire con leggerezza, e trasportato in vite che non sono la mia ma avrebbero potuto essere. Sto parlando dell'ultimo film di Christophe Honoré: Les Bien-Aimés, e della seconda opera della giovane regista Valérie Donzelli: La Guerre est déclarée. Un uomo e una donna, dietro la macchina da presa, accomunati da una stessa sensibilità, dal desiderio di raccontare tragedie senza piangersi addosso ma anche senza aver paura di essere romantici, o fuori moda, o di fare film come se ne fanno tanti di questi tempi: senza cuore.

Les Bien-Aimés racconta la storia di una madre e di una figlia, tanto spensierata ed istintiva la prima quanto seria ed ossessiva la seconda, e dei loro amori. A volte ridicoli, a volte tragici, ma sempre totali e vissuti fino in fondo. Le loro vite vanno dagli anni '60 della madre ai 2000 della figlia, e Honoré ci passa attraverso con quello strano miscuglio tutto suo: uno stile a metà tra un film di Jacques Demy e una canzone di Morrissey, sempre al limite del kitsch ma troppo intelligente per cascarci in pieno. Nel film, ogni scusa è buona per mettersi a cantare (cosa che a Honoré riesce facile perché ha scelto come complice l'ottimo musicista Alex Beaupain, il suo personale "Michel Legrand"), per parlare dei suoi argomenti preferiti (l'innocenza della gioventù, la follia del sentimento amoroso specie quando non è corrisposto, l'essere gay e quello che ne consegue, sieropositività - a volte - compresa), e fare omaggi a pioggia alla Nouvelle Vague. Scegliere Catherine Deneuve per il ruolo della madre è già una dichiarazione di intenti: tra tutte le attrici, proprio quella che vendeva gli ombrelli a Cherbourg... ma guarda un po'! E "travestire" Louis Garrell da Jean-Pierre Léaud ogni volta che compare nei suoi film, pure. Ma sia ben chiaro: chi si lamenta? Honoré è uno di quei rari registi che ha saputo creare in poco tempo un universo particolare, tutto suo, un mondo che migliora, si rafforza e si fa più profondo ad ogni opera. Gli attori sono tutti strepitosi, le canzoni magnifiche, la storia coinvolgente ed originale, e la macchina da presa sa il fatto suo. Tocco di classe finale: il film è dedicato alla memoria di Marie-France Pisier, attrice truffautiana scomparsa di recente, che aveva recitato per Honoré nel suo bellissimo Dans Paris. Io personalmente quando esco dalla visione di uno dei suoi film rimango tramortita di tristezza per ore, ma spero sia un problema solo mio (per favore, lettori, ditemi se capita così anche a voi!).

La Guerre est déclarée, invece, è un film che parla di una storia vera. Quella realmente accaduta a Valérie Donzelli e al suo compagno (Jérémie Elkaïm, che nel film ha il ruolo del protagonista): belli, giovani e innamorati, hanno un figlio, Adam, ma dopo qualche mese si rendono conto che qualcosa non va. Il bambino non cammina, vomita senza una ragione apparente e lascia pendere la testa da un lato. Si rivolgono ad una pediatra di cui hanno fiducia, e questa si accorge che Adam ha una semi-paralisi facciale. Da lì, ha inizio il loro calvario: il bambino ha un tumore maligno al cervello, si può intervenire ma è gravissimo. L'operazione funziona, ma Roméo e Juliette (questi i loro nomi di finzione nel film) dovranno affrontare lunghi anni in cui il figlio sarà sottoposto a chemioterapia e cure di ogni genere prima di potersi considerare definitivamente guarito. La loro coppia non sopravvivverà, ma il loro amore verso Adam li terrà uniti fino in fondo.
Valérie Donzelli riesce con questo film in un'operazione quasi inumana: rendere "leggero" il racconto di uno dei dolori più immensi che esistano. Non c'è mai posto, nemmeno in una singola scena, per piangersi addosso, ricattare moralmente lo spettatore, far leva sulla pietà o magnificare il proprio ruolo di genitori modello. La Donzelli dice le cose come stanno: ecco due esseri umani prostrati, confusi, storditi dagli eventi e da mille domande (perché noi? perché il nostro bambino?), sommersi dalla paura, eppure ancora vivi. Pronti a lottare fino allo stremo, con i pochi mezzi e le poche forze a disposizione, in nome del loro amore e di quello per il loro bambino. Irresistibile, ad esempio, la scena della notte prima dell'operazione al cervello al bambino, nella quale fanno l'elenco delle loro paure: ho paura che Adam diventi sordo, cieco, muto, frocio, nero, e che voti Fronte Nazionale! La Donzelli, per sdrammatizzare, ha un vero talento. Bravissima anche nella scelta degli attori: tutti sono perfetti (i medici, le infermiere, i genitori borghesi di lei, la madre lesbica di lui, gli amici), e in quella della musica, che in questo film ha un ruolo fondamentale. La regista ne fa un uso straripante, come se fosse uno dei protagonisti della storia, e in un momento drammaticissimo del film, c'è anche posto per una canzone (composta e cantata da lei e Elkaïm). Verrebbe quasi da pensare di essere in un film di Honoré, invece è semplicemente un altro film francese.
On connaît la chanson! E' vero. E non solo la conosciamo a memoria, ma la vorremmo cantare a squarciagola.
Perché ci piace. Ci piace da morire.

Reality bites

2011-08-28T14:43:00.001+02:00

Andare al cinema non mi basta, così passo il tempo anche a leggere di cinema.
Quando si tratta di interviste, i migliori, non c'è dubbio, sono i registi. Gli attori spesso dicono delle banalità o, semplicemente, non hanno poi molto da dire, ma è raro trovare un regista che non sappia il fatto suo. E nella categoria registi, c'è una sotto-categoria: quella dei registi che hanno come unico e solo argomento (non importa di cosa stiano parlando) il loro amore per il cinema. Quelli, inutile dirlo, sono i miei preferiti. Mi vengono in mente, di getto, tre nomi: Martin Scorsese, Aki Kaurismaki e Woody Allen. Le loro interviste sono miele per le mie orecchie. Non perdono mai occasione per fare riferimento ai film che hanno visto, che hanno amato, ai registi che sono stati per loro di grande ispirazione, e a quanto la visione di un certo tipo di cinema abbia cambiato la loro vita per sempre. Una volta Kaurismaki ha affermato che per lui il paradiso è questo: un bar (guarda caso...) dove Chaplin si intrattiene in simpatiche chiacchiere con Renoir. Insomma, stiamo parlando di gente con il mio stesso problema: senza cinema, non potrebbero vivere (e a quanto pare pure da morti sperano di poter continuare ad averci a che fare!).
In tutti questi anni, se abbastanza spesso Allen mi ha delusa come regista, in qualità di "intervistato" mi è sempre sembrato imbattibile. Quello che trovo interessante è quanto Allen denigri il suo cinema. Quanto dica che rispetto a uno come Ingmar Bergman lui non conti niente. Quanto deluso sia dal risultato finale dei suoi film rispetto all'idea iniziale che lui aveva in testa. Nelle interviste di Allen c'è sempre molto materiale su cui riflettere. Poco tempo fa, per l'uscita del suo ultimo film in Francia, Midnight in Paris, il regista ha rilasciato una lunga intervista a quelli di Télérama. Mi era piaciuta così tanto che l'avevo strappata dal giornale e l'avevo conservata. Questa mattina, facendo pulizie in casa dopo la lunga pausa estiva, l'ho ritrovata per caso. Mi sono messa a rileggerla e lì, scritto nero su bianco, ho scoperto una frase che BAM!, mi ha folgorata. E mi ha fatto capire che Allen potrebbe essere il mio portavoce:
"Mi identifico sempre in quelli che rifiutano la realtà: Cecilia (la protagonista della Rosa Purpurea del Cairo), Gil (il protagonista di Midnight in Paris) o la Blanche Dubois di Un tram che si chiama desiderio, che non vuole rinunciare a vivere in un mondo incantato. Trovo il nostro mondo sinistro, e la condizione umana sempre più atroce. Come milioni di persone della mia età, sono cresciuto nella più perfetta illusione, nei sontuosi decori delle sale di cinema dove passavo la mia vita, e nell'immaginario dei film hollywoodiani. Conosco persone che non si sono mai rimesse dalla delusione che hanno provato andando avanti nella loro esistenza. Che sono rimaste in collera tutta la loro vita contro il loro compagno perché non era così nobile, così bello, onesto e coraggioso come nei film. Si sentono come in un incubo: presi in ostaggio dalla realtà. Io stesso, non sono mai veramente riuscito a superare questa tristezza."
Se dovessi iniziare una terapia oggi, andrei dallo psicanalista con un foglietto sul quale riporterei fedelmente queste parole di Woody Allen. Per poi chiedere: Dottore, mi dica, è grave?

La Nostalgia (è ancora quella di un tempo)

2011-07-28T17:00:00.002+02:00

Ieri sera stavo andando al cinema dalle parti degli Champs Elysées e, dato che ero in anticipo sull'orario del film, ho pensato di fare un salto in Rue Robert Estienne, dove Truffaut aveva gli uffici della sua casa di produzione, Les Films du Carrosse.

L'aveva chiamata cosi in omaggio al film di Jean Renoir, La Carrosse d'Or.

Apparentemente, nulla è cambiato. Gli uffici sono ancora li, come se François fosse uscito a prendersi un caffé e dovesse tornare da un momento all'altro.
Solo che non tornerà.

La nostalgia, è ancora quella di un tempo.

La piel que habito

2011-07-12T17:55:00.000+02:00

No, questa non è, come molti potrebbero pensare, una recensione dell’ultimo film di Almodóvar, questa è una Dichiarazione d’Amore in piena regola (e il mio post n° 100!).
Più passano gli anni, e meno certezze sento di avere, nella vita.
Ma è da quando sono piccola che il cinema mi accompagna per mano come se fosse un terzo genitore, ed è quindi ovvio che ci siano registi che sento più vicini, perché sono stati con me fin dall’inizio, e non mi hanno mai deluso, né abbandonato.
Sedermi in una sala buia e veder comparire sullo schermo il nome Almodóvar, ha il potere di farmi sentire bene ovunque io sia, comunque io stia. Ero giovanissima la prima volta che ho visto un suo film, non avevo nemmeno l’età della ragione, ma già capivo che quest’uomo mi stava dicendo delle cose importanti, delle cose destinate a restare. Erano i primi anni ’80. Quegli anni che a chi non li ha vissuti e li vede dal di fuori fanno un po’ orrore (come a me gli anni ’70), e che invece dal di dentro erano bellissimi, colorati, strani, intensi, iconoclastici. Erano i tempi in cui tutti insieme appassionatamente odiavamo la Tatcher, e gli inglesi incazzati da morire giravano fim come My Beautiful Laundrette e cantavano canzoni come The Queen is Dead, e ogni giorno c’era un nuovo gruppo da scoprire, un nuovo libro da leggere, un nuovo film da vedere. Erano i tempi pre-tutto: pre-cellulare, pre-iphone, pre-email, pre-facebook. Erano i tempi in cui si viaggiava per l’Europa in Inter-Rail. E io non potrò mai dimenticare l’arrivo a Barcellona, e la città tappezzata di poster allegrissimi e super pop dove un gruppo di donne dai vestiti improbabili e l’aria stranita ti facevano sapere che erano Mujeres al borde de un ataque de nervios (Donne sull'orlo di una crisi di nervi). Il titolo (ma quanto era bello quel titolo?), la foto, quelle facce, tutto mi parlava come se venisse direttamente dalla mia fantasia. Quelli erano i film della Movida Madrilena, pellicole dove la gente partecipava a gare di peni, le suore prendevano l’LSD, le nonne spacciavano droga, gli uomini facevano sesso tra di loro, le donne pure, i transessuali erano ovunque, e Carmen Maura, come una regina bellissima e sensuale, regnava su questo circo delirante a suon di frasi storiche e spesso sconvolgenti. La libertà, l’irriverenza, l’ironia che sprigionava da questi primi film di Almodóvar non è pari a niente, per me, nella storia del cinema.

Lui è stato, davvero, il precursore.

Ma ho capito che era un grande regista il giorno in cui ho visto La Ley del Deseo (La legge del desiderio), un film intenso, cupo, senza sconti e senza speranza sull’insensatezza e la necessità del desiderio. E se proprio dovessi condensare l’intera filmografia di Almodóvar in una parola sola, sarebbe proprio quella lì: Desiderio (e non è forse un caso che la casa di produzione cinematografica che Pedro ha creato con il fratello Agustin, si chiami El Deseo). Almodóvar è scivolato con noi negli anni ’90, tempi molto più opachi e prevedibili dei precedenti, seguendo un percorso coerente ma un po’ inconstante, dirigendo opere decisamente minori, nelle quali (tra tacchi a spillo e donne mutanti) sembrava non sapere bene dove andare. Eppure era chiara la sua volontà di evolversi, crescere, cambiare. Ma è con gli inizi degli anni 2000 che la sua arte trova nuova forma e nuovo splendore. Da Todo sobre mi madre (Tutto su mia madre) in poi, eccezion fatta per il non riuscitissimo La mala educación (La cattiva educazione), Almodóvar ha infilato una serie di film incredibili, compreso quello che è per me il suo capolavoro assoluto: Hable con Ella (Parla con lei). I temi sono gli stessi, i personaggi anche, ma il regista ha raggiunto maturità e pienezza, impensabili nel labirinto di passioni della gioventù. Nei suoi film trovano ora posto una dolcezza, un'umanità, uno struggimento ed un dolore che incantano, e la sua regia diventa fluida ed elegante, un vero piacere per gli occhi. Pedro ci regala uomini che piangono senza provare vergogna (non so voi, ma io quell'uomo che piange lo vorrei tanto incontrare nella vita reale), madri credute morte che ritornano come fantasmi a vegliare sulle figlie, e registi ciechi pronti a qualsiasi cosa pur di portare a termine i loro film (a proposito di dichiarazioni d'amore per il cinema...). L'Almodóvar touch è sempre lì, intatto, ma è passato dal trash più spinto alla classe più inaudita, basti pensare al cortometraggio-capolavoro in bianco e nero di Hable con Ella che racconta il viaggio di un uomo in miniatura all'interno del corpo di una donna. La Piel que habito non è che l'ennesima conferma di un percorso in divenire, di un piacere costante, di un genio all'opera. Banderas è invecchiato ma è sempre Banderas, e i corpi mutano, ma per andare sempre nella stessa direzione. Quella, indovinate un po', dell'umano desiderio.
E mi viene da pensare a quella scena della Ley del Deseo in cui Carmen Maura, bellissimo transessuale, entra nella chiesa che frequentava da bambino e si mette a cantare, e il prete sente quella voce e le dice: "Un tempo c’era un bambino, qui in parrocchia, che cantava come te". E lei, di rimando:
"Padre, quel bambino, sono io!".

Pedro, quel bambino, siamo tutti noi.

Ausente

2011-07-10T18:35:00.003+02:00

Last year, I have fallen in love with an Argentinian movie: Plan B.
As it is often the case, when I like a movie I immediately look on Facebook to see if there is a fan page. There wasn’t, though. So I tried with the name of the director: Marco Berger, and I found his personal page. I wrote to him, asking for friendship and telling him how crazy I was about his movie. He accepted. I became a virtual friend not only of Marco, but also of his two actors: Lucas Ferraro and Manuel Vignau. I made a post about the movie, and at the time of 2010 Zazie D’or, I happily assigned to Plan B the Zazie D’or for the Best First Feature Film and to Lucas and Manuel the award for Best Actors. When I advised them, they had the most wonderful reaction: they wrote enthusiastic messages to thank me for the prizes, even if they knew very well that those (unreal) prizes came from an unknown woman having a not famous cinema blog.
This is what I call the good things in life.

Few months ago, I read with excitement that the new movie by Marco, Ausente (Absent), was going to be screened at the 2011 Berlin Film Festival (where it actually won a “real” and important prize: the Teddy Award, the award assigned to the best movie having gay themes). I was really looking forward to seeing it and the other day, always thanks to the Festival Paris Cinéma, I had this chance.
I believe that in a director’s career, the second movie is even more important then the first one. Ausente not only confirmed Marco’s talent, but it also indicates that a new author is born!

Martin is a 16 years old guy. One day, at the end of a swimming class, he claimed to have a problem in his eyes. His coach, Sebastian, brings him first to the hospital and then home. Nobody is at Martin’s place, though, and Sebastian is obliged to let him spend the night at his apartment. It is only the next day that the teacher finds out Martin’s lie: his parents were home, waiting for him. Why Martin wanted to spend the night at his place? Which were his real intentions?
Marco Berger does something very interesting in his movies: he takes a cinema genre, and it turns it into something else. The two pictures have much in common: they start in a certain way (Plan B as a light romantic comedy, Ausente almost as a thriller) and then they both become a quest about desire and unexpected feelings. What is very particular and delicate, in Ausente, is that one of the two characters is underage. Nevertheless, even in this case, Marco reverses the usual roles. This is not the story of a teacher abusing his pupil, but quite the opposite: the most dangerous one, here, is the young guy. But it is exactly when the audience starts to believe that this is going to be a movie about a bad boy, that the film changes and enters into deepest and much troubled waters, the ones of human desires.
I love the way Marco is filming all this. His camera is ON the bodies, as if it was a little animal on the skin of Sebastian and Martin. The shots are simple, clear, essential, wrapping. And once again, the two actors are great: Javier De Pietro has the right face to portrait Martin: he is young, good looking, and his eyes can turn from innocent to seductive in a blink, while Carlos Echevarria (well known in Italy for his roles in Garage Olimpo and Hijos/Figli by Marco Bechis), with his quite and melancholic performance, let us enter into the movie in a special and privileged way.

Marco's movies have one of the greatest quality art can have: a semplicity that rimes with depth and intensity. The only thing is ausente, here, is bad and ordinary cinema.

Que viva Argentina!

Jerzy Skolimowski, Essential Filming

2011-07-07T23:42:00.005+02:00

In these days in Paris there is a great film-festival, the Festival Paris Cinéma, that takes place at the beginning of July every year since 2002. I love it: the offer of movies is simply AMAZING! The program foresees an international competition, various premières, complete retrospectives of few authors and a bunch of guests of honour as well as a country of honour (Mexico, in this case). One of this year’s special guests is the Polish film-maker Jerzy Skolimowski, whose cinema has always intrigued me. On Tuesday night, Skolimoswki was at the Nouveau Latina for a meeting with the public and your indefatigable cinema blogger was there!

Skolimowski (born in Lodz in 1938) looks like a cool, clever and ironic guy: very elegant, a pair of dark sunglasses to cover his eyes, he talked to the audience for more than one hour about his cinema. He doesn’t speak French, so there was a translator ready to let us understand his ideas and thoughts. Skolimowski started his career by co-writing Roman Polanski’s first feature-length, the incredible Knife in the water (a must-seen of cinema history) while still attending the prestigious Lodz National Film School. Between 1964 and 1984, he completed six semi-autobiographical features in which he sometimes played the main role (because, he confessed, when he was young he didn’t have the money to hire a professional actor). As a matter of fact, he kept playing in movies, and you can maybe remember him in LA without a map by Mika Kaurismaki, Before Night Falls by Julian Schnabel or in Eastern Promises by David Cronenberg. After a series of movies based upon novels that he made "for money" and that didn’t contain any “personal element” (by his own admission), Skolimowski stopped making films at the end of the 80s. Luckily enough, he made a coming back in 2008 with the great Four Nights with Anna and then last year with Essential Killing. The movie won the Special Jury Prize at the 2010 Venice Film Festival and Vincent Gallo the Best Actor's award for his incredible interpretation of this Taliban escaping from justice through the cold, snowy and lonely Polish mountains.

Traumatised by the Second World War (his father was killed by the Nazis), Skolimowski had troubles also with the Polish censorship and was obliged to quit his country (he then lived in London and in LA for many years). While presenting one of his movies in NY in the late 60s, he received a letter from Jean-Luc Godard in which the French film-maker tried to cheer him up towards bad critics: “Don’t worry about what the American critics are writing on your cinema... you and I, we are the best directors in the world!”.

The meeting with the public was followed by the screening of a real gem: Moonlighting, a movie that Skolimowski filmed in London in 1981. I was personally LONGING to see this picture again: I saw it just once in the 80s and I had the most wonderful memory of it. And now I better understand why.
Moonlighting tells the story of four Polish workers arriving in London to renovate their boss apartment. Only one of them, Novak, is able to speak English, and becomes the intermediary between the other three and their new reality. Being illegal workers, they are obliged to stay hidden in the apartment: they are lonely, away from their country and their families, and short on money. Worst of all, when Novak finds out that in Polland the martial law has been declared after a military putsch, he decides not to give the news to his mates. Will they be able to complete the work they came in England for? Will they be able to go back to their country?

Outstanding and intense social drama, Moonlighting is Skolimowski’s cinema at its best: the style is essential, almost dry, the scenes are constructed to build up a sense of instability, doubt, anguish and alienation. The progressive distance between Novak and the other workers is subtly and masterfully composed. It is almost a thriller, where the suspense is created by unexpected and uneasy events. A story of survival (as it is often the case in Skolimowski’s cinema) and of loss of innocence (the corrupt and capitalistic Western part of Europe vs the innocent and communist Eastern part but also the dramatic drift of the communism). With just few dialogues and a powerful composition of key-scenes, Skolimowski delivered us a true masterpiece. Easy task, I have to say, when you can count on Jeremy Irons to play Novak. Irons, 33 years old at the time, was known until then for his roles in Brideshead Revisited and The French Lieutenant’s Woman. In Moonlighting, he shows what he is able to do: MERAVIGLIE! (oh, and in Polish, of course).
An essential actor in an essential movie.

Sicilia Queer Filmfest 2011

2011-06-19T13:12:00.001+02:00

Una delle cose più belle di avere un blog, l'ho già detto più di una volta, è che si incontrano tantissime persone con la tua stessa passione.
Di solito, questa è l'anticamera di una bella amicizia: quando stai lì a parlare per ore di quell'inquadratura , di quel dialogo, di quell'attore, di quanto ti faccia schifo il doppiaggio ecc. ecc., alla fine succede che inizi a parlare di altre cose e ti ritrovi come per incanto nella vita di qualcun'altro. Parecchi mesi fa mi ha scritto un ragazzo siciliano che di nome fa Andrea ma che in realtà tutti conoscono come il "capo" del blog di Via Rigattieri. Io e il capo abbiamo iniziato a parlare di cinema ed è stata la fine! O meglio: l'inizio della famosa amicizia di cui sopra. Di recente ci siamo anche conosciuti di persona, in un suo passaggio qui a Parigi, e abbiamo fatto mille progetti come se fossimo due della Nouvelle Vague in trasferta spazio-tempo (si sa, i caffé parigini fanno questo effetto, a volte).
Qualche settimana fa abbiamo anche partecipato insieme (ma diciamola tutta, più che il capo, è stata la sua dolce metà Nicoletta ad aiutarmi!) al FilmQuiz lanciato da Nanni Moretti sul suo sito, con risultati scarsissimi, ma non importa, perché è stato divertente scambiare messaggi e stare lì delle ore come degli scemi a pensare a dei titoli di film (grazie Nanni!... e grazie Nicoletta!).
Il capo comunque è un tipo infaticabile, e come un giocoliere è stato capace di tirar fuori dal cappello un numero di magia di gran classe: è tra gli organizzatori del primo festival di cinema a tematica glbt (gay-lesbica-bisex-transgender) in Sicilia! Vabbé, un grande! Il festival si chiama SICILIA QUEER FILMFEST, e si svolgerà da domani, 20 Giugno, fino a domenica, 26 Giugno, al Cinema Rouge et Noir di Palermo.
Amici siciliani, accorrete in massa a vedere i bellissimi film che il capo ha messo insieme per l'occasione. Il festival, diretto da Alessandro Rais, prevede un concorso di corti, una rassegna non competitiva di film lunghi, incontri con registi come Luca Guadagnino (che presenterà il suo Io sono l'amore), incontri con scrittori e due mostre fotografiche. In particolare, sappiate che potrete gustarvi il film preferito di Zazie del 2010: Les Amours Imaginaires dell'enfant prodige québécois Xavier Dolan (sottotitolato per l'occasione dal capo in persona e dalla mia amica Manù, la traduttrice dal francese all'italiano che tutti vorrebbero avere: Les Mots Traduits).
E per quelli che non sono Sicilia: spargete la voce, parlatene, fate pubblicità, date un'occhiata alla pagina Facebook del festival, andate in giro con un megafono e invece dell'arrotino, urlate C'è il Sicilian Queer Filmfest!
Perché in Italia qualcosa si sta muovendo, e nella giusta direzione!

Beginners

2011-06-18T15:57:00.005+02:00

Movies are like people.

Sometimes we meet somebody, and wefeel a special connection to him/her. We feel like we talk the samelanguage, we have the same thoughts, the same fears, and we can share feelingsand experiences. Sometimes we go to the movies, andwe find a film able to touch our souls using a common language, a similar wayof imagining things, and conceiving this life. It is not every day, though. Andthis is why it is so special when it happens.

Yesterday night I went to see a "movie-friend": Beginners, by American film-maker Mike Mills (who, by the way, is married to one of my favourite artists in this world, the incredibly gorgeous and talended Miranda July).
It tells the story of Oliver, a 38 years old graphic artist, who's going through a very sad moment of his life: he just lost his father, Hal. While still in mourning, he met at a party the beautiful and bizarre French actress Anna, with whom he fell in love. Oliver's head is plenty of memories of his father and mother (who died 5 years before his dad). After his mum died, Hal, at the age of 75, made his coming out, declaring he’s been gay his whole life. Oliver witnesses his father's new life with a mixture of joy and disbelief: Hal has a younger boy-friend, an intense social life, he's surrounded by new friends and supports many activities related to the gay cause. For Oliver, who was used to see him as a quite and sad man, this is a revelation. Few years afterwards, though, Hal finds out to have a cancer stage 4 and he soon dies. Oliver is left with a lovely (and talking!) dog, Arthur, a big and empty house, and the desire - for the very first time in his life - to have a happy and possibly lasting relationship.
When I read that this was the real story of Mills, I wasn’t surprised at all. This movie has a very particular and personal touch, which permeates every scene and influences its style and its pitch. The film-maker achieves here to create something quite rare on screen: to talk about really heavy stuff (illness, death, wrong marriages, sexual identity, depression, difficulties inside families and difficulties in relationships) in an incredibly light, funny and intelligent way. We instantly feel close to Oliver’s character and his sad but amusing attitude towards life: the introduction of his house to Arthur, his dad’s dog, is one of the most surreal scenes ever. Oliver seems constantly amazed by what human existence is able to offer, in the bad and in the good sense, and isn’t this what we all experience every day?
Mills has been blessed by the most wonderful cast: Ewan MacGregor is like the good wine, the older the better, and at each new movie demonstrates there is no limit to the range of roles he can (incredibly well) play. Sweet, shy and irresistible as the gay partner of Jim Carrey in I love you, Phillip Morris, lost and scared in the Polanski’s masterpiece The Ghost Writer and the king of subtlety in this one: he is always more than perfect, never overacting, with a glimpse of Jacques Tati in his manner and his look. Mélanie Laurent, after her exploit in Inglorious Basterds by Tarantino, proves to make the right choices for her international career and she is simply lovely in this movie, while Christopher Plummer, as Hal, is simply to die for. What a great, fantastic, amazing actor he is. Born in Toronto in 1929, Plummer has been a stage actor more than a screen actor, but every time I see him in a film I wonder why he is not more famous than he is. For this role, I hope he will be covered with prizes. But it is impossible not to mention another important actor: Arthur, the dog. More human than a human being, thanks to the subtitles he even has a voice (but he admits to know not more than 150 words!). The dialogues between him and Oliver are so cute that you just want to have the same at home.

Beginners leaves you with the nice feeling that it is never too late to start a new life. We maybe need to be brave (and crazy) enough to face the challenges that life is imposing on us. Anything can help: a sad event, the right person, a talking dog, a blog.
Just never forget: life is what you make of it!

La scelta di Zazie

2011-06-10T17:16:00.002+02:00

Essere cinefili a Parigi, vi assicuro, è vita dura.
La verità è che per riuscire a vedere tutto quello che questa città offre in termini di possibilità cinematografiche, bisognerebbe rientrare in una delle seguenti categorie: studenti (ho passato ampliamente l’età), pensionati (non ho ancora l’età!), disoccupati (per fortuna un lavoro ce l’ho), o nullafacenti (sarebbe bello, ma non me lo posso permettere).
Quindi, il momento in cui ogni mercoledi mattina acquisto Télérama per controllare il nuovo programma delle sale è, per dirla come in un film: una gioia e una sofferenza (un premio a chi riconosce questa “doppia” citazione truffautiana!).
Questa settimana non ha fatto eccezione.
Ho aperto l’inserto culturale e ho trovato, film nuovi in uscita a parte, le seguenti opportunità (e NON le cito tutte!!!):
Cycle David Lynch
Cycle Jean-Luc Godard
Cycle Stanely Kubrick
19° Festival Le court qui en dit long (il corto che la dice lunga, geniale!)
Chroniques d’Iran
Le Cinéma des Africanistes
La Comédie à l’Italienne
Festival Parfums de Lisbonne (come si può resistere?)
Films inédits de Jean-Pierre Mocky
Grands Classiques Français: Lino Ventura
Hommage à Jan Svankmajer (e questo chi è???)
Intégrale Wojciech J. Has (vedi sopra)
Marrakech du Rire
Richesse du Cinéma Hollywoodien
Robert De Niro, The King of Comedy
Terrence Malick, avant la Palme
Tigres et Pandas (???)
Woody à Paris

Capite bene che, avendo a disposizione solo 24 ore al giorno, e togliendo il tempo necessario a lavorare, mangiare e dormire, tutto no, non si può fare.
L’altro ieri ho letto sconsolata il lungo elenco delle infinite meraviglie nascoste nei cinema di Parigi e poi sono stata costretta a fare la mia scelta. Ho controllato sale, ubicazione, messo a confronto orari, comodità di luogo, ecc. ecc. e alla fine sono andata a vedere... X-Men: First Class.
Stupiti? Me ne rendo conto.
Ma di fronte alla prospettiva di Michael Fassbender e James McAvoy sullo stesso schermo per 2 ore e 15 minuti, vi assicuro, non c’è per me cinefilia che tenga.
Sono una blogger, non sono una santa...

Jacques Demy & The Fleet Week

2011-06-01T06:31:00.002+02:00

I'm in New York City for my job, with no time to go to the movies, unfortunately, but this doesn't mean I don't think about cinema.
In these last days, the city has been invaded by sailors: it is Fleet Week. Every time I see a sailor, I can't help myself: I immediately think about Jacques Demy and his Les Demoiselles de Rochefort, plenty of dancing sailors and girls wearing lovely dresses with bright colours.
I am staying at this cute hotel, having a certain Mad Men style and the perfect name for the circumstance: Maritime Hotel. The other day, coming back from a dinner, you may not believe me but I actually saw a sailor and a beautiful girl dancing in the lobby.
I looked at them, puzzled: were they real or were they coming from my imagination?
They were real, simply part of the magical power that this city has.
I took the elevator and I started dancing myself.
Nobody could see me, but I'm sure that Jacques Demy would have approved!

Norwegian Wood (ノルウェーの森)

2011-05-22T16:29:00.003+02:00

Non esiste limite, per me, al numero di visioni possibili di una stessa pellicola. Sono capace di imparare i dialoghi a memoria, rivedere le stesse scene 40 volte, riprovare l'identico piacere nel sentire per la centesima volta la stessa replica.
Con i libri, invece, non mi capita quasi mai. Il potere delle parole esercita su di me una diversa fascinazione, che molto ha a che vedere con l'istante, con il qui e l'adesso, con il magico che si sprigiona mentre leggo una frase, e se la rileggo mi pare che in qualche modo qualcosa si perda. Esiste tuttavia un'eccezione, uno stesso libro che ho letto a distanza di moltissimi anni (a 20 e 40): Norwegian Wood, di Haruki Murakami. E non è un caso. Norwegian Wood è uno dei miei romanzi preferiti, e ricordo di essere rimasta folgorata da tutto la prima volta che l'ho letto: la storia, l'ambientazione (Tokyo alla fine degli anni '60), i personaggi (in particolare da quello di Midori, un amore a prima vista!), il meraviglioso stile narrativo di Murakami. E' un libro speciale anche perché molto legato alla mia vita: stavo studiando giapponese, in quegli anni, e la traduzione in italiano del romanzo era stata affidata a quello che, ancora oggi, è il mio miglior amico. E' quindi con grande aspettativa mista ad un po' di preoccupazione che sono andata a vedere la trasposizione cinematografica del libro, diretta dal regista vietnamita Tran Anh Hung e scritta da lui e dallo stesso Murakami (questo mi faceva ben sperare!).
Nella Tokyo della fine degli anni '60, quella delle contestazioni studentesche, Toru Watanabe, un giovane universitario, si trova a vivere uno dei momenti più intensi della sua vita. Ritrovata per caso Naoko, che è stata la ragazza del suo miglior amico Kizuki, suicidatosi un paio d'anni prima, Toru si innamora di lei, ricambiato, ma per Naoko è impossibile riuscire a vivere questo amore. Mai completamente rimessasi dal suicidio di Kizuki, la ragazza decide di farsi ricoverare in una struttura psichiatrica, lontana dalla città e immersa in una foresta, dove Toru riesce a farle visita di quando in quando (nei pochi momenti in cui Naoko sente di poter gestire la sua presenza). Nel frattempo, a Tokyo, Toru incontra una strana ragazza, Midori, un miscuglio di energia, follia e tenerezza straripanti, dalla quale si sente irresistibilmente attratto. Ma un nuovo, drammatico evento, darà una svolta alla sua vita, precipitandolo in maniera drammatica dall'adolescenza all'età adulta.
Dirò subito le cose che non mi sono piaciute del film, e prima fra tutte la scelta dell'attrice che interpreta Midori. Forse perché amo incondizionatamente questo personaggio e ne ho un'idea ben precisa in testa, ho trovato che il fim non le rende per nulla giustizia. Midori è una forza della natura, è una mezza pazza, forse nemmeno tanto bella, ma viva, sensuale, allegra, una specie di tornado. Kiko Mizuhara, l'attrice scelta per interpretarla (in realtà una cantante molto famosa in Giappone qui alla sua prima prova cinematrografica), è bellissima ma per nulla speciale, tutt'al più semplicemente "simpatica". Questo è un vero peccato, perchè una grande forza del libro stava nella differenza tra le due donne di cui Toru è innamorato, mentre nel film si ha l'impressione che siano piuttosto simili, problemi psicologici a parte. L'altro difetto, piuttosto inevitabile quando si tratta di condensare in poco tempo un materiale narrativo tanto ricco, è la perdita di alcuni passaggi o di alcune storie fondamentali (come quella magnifica di Reiko, ad esempio, la compagna di stanza di Naoko in clinica). Infine, c'è il difetto tipico di tutti i film di Tran Anh Hung: l'eccessiva perfezione stilistica delle immagini. Persino nel momento di massimo dolore, di assoluta disperazione, il quadro è impeccabile, gli oggetti mai fuori posto, la natura aggiustata a regola d'arte. Verrebbe voglia di andare lì e spaccare tutto o almeno mettere qualcosa in disordine (e ve lo scrive la blogger più control freak dell'universo). Detto questo, il film è un'ottima trasposizione del romanzo, grandioso nel catturare e ricreare una certa atmosfera che si sprigiona dalle pagine del libro (mi sono detta che qui c'entrava molto Murakami), la forza, il romanticismo e l'assoluto delle storie d'amore di quando si hanno 20 anni, con alcuni momenti davvero potentissimi (come il lungo monologo di Naoko in mezzo all'erba alta, una scena straordinaria, dove l'emozione supera di gran lunga la perfezione dell'immagine). Molto azzeccata la scelta dei due interpreti principali: Rinko Kikuchi (già apprezzatissima in Babel di Inarritu) è la fragile e tormentata Naoko, mentre Kenichi Matsuyama (giovanissimo ma già molti film all'attivo in patria) è il solitario e romantico Toru.
Qualche anno fa, in una calda estate giapponese, mi è capitato (ありがとうございます, Amitrano-san!) di prendere il té con Haruki Murakami nel suo studio di Tokyo. Dato che si trattava di uno dei miei scrittori preferiti in assoluto, ero al settimo cielo ma anche molto stupita di essere così in soggezione. Io che di solito non ho vergogna di niente, di fronte a quell'uomo così silenzioso e discreto, non avevo il coraggio di proferire parola. Murakami aveva uno sguardo vivo e indagatore, e nonostante non si possa definirlo un bell'uomo, emanavano dalla sua persona un fascino ed un carisma inauditi. Sulla porta, prima di uscire, a sorpresa, Murakami mi ha fatto i complimenti per la borsa che portavo (una Marimekko, evviva i designer finlandesi!): ma come ha fatto a notare la borsa che avevo? ho pensato stupita. Misterioso, intelligente ed imprevedibile, proprio come i suoi romanzi.

Animal Kingdom

2011-05-11T17:36:00.000+02:00

Melbourne, Australia. A boy is seated on a sofa in a poor living room: he is looking at some stupid TV program, while a woman is (apparently) sleeping near him. Somebody knock on the door, and two paramedics enter the room. Are you the one who called? They ask the boy. Yes, he answers, his eyes still glued to the screen. What did she take? Heroin.

Welcome to the movie with the chilliest first scene of the whole cinema history, welcome to Animal Kingdom.
That woman, just for you to know, was the boy’s mother, and she is dead. For 17 years she tried to keep her son away from the rest of her lovely family, but now that she is gone, Josh is obliged to call his grandma and see if she is willing to help (knowing that mum and daughter didn’t talk to each other for ages…). Grandma is (unfortunately) ready to take care of him and Josh is welcomed inside the Cody family, the least suitable one in the world for a young mind. The Codys are a bunch of bad criminals: the eldest is Andrew “Pope”, specialized in armed robberies, the middle one is Craig, a drug dealer, and the youngest is Darren, the weakest one, who follows the other two in their crazy plans. Above them all, like a dark queen, mum Janine “Smurf” reigns. After one of their partners in crime is shot dead by the police, Andrew and Craig start a vengeance that will suck them into a spiral of deadly consequences. Young Josh, torn between his family, his girlfriend, and a detective who wants to take him out of troubles, will find himself in a very bad position. Will he be able to save himself?
First feature film (wow!) by young Australian director David Michôd, Animal Kingdom (Winner of the Sundance Film Festival 2010) is a modern greek tragedy of epic proportions. It is tough, gloomy and hopeless: no light at the end of this dark tunnel, I am afraid. It is also one of the most anxious movies ever: you literally expect the worst at every moment, and very often the worst arrives and still surprises you. It is interesting to see and live things through the eyes of young, naïve (sometimes irritatingly so) Josh, and to feel frightened by the experiences he is going through. Families are deadly, I read once in a book, and this is particularly true for the Codys. Michôd seems to have had good maestri at school (Scorsese docet) but his style is very personal and he creates a scruffy, vaguely 70’s universe that suits perfectly to the story.
The cast: the Codys brothers are spectacular, especially Ben Mendelsohn as the “Pope”, so good in hiding his craziness under a still surface. In the role of Sergeant Nathan Leckie, Guy Pierce is simply perfect. I love, love, love this actor: he is such a chameleon. In his career, he has played: a drag queen carrying the most incredible Abba’s souvenir in the middle of the Australian bush (The Adventures of Priscilla, Queen of the desert), the toughest and heartless American detective (L.A. Confidential), an anguished and very confused man (Memento), Andy Wharol (Factory Girl), a criminal who has to take a tough decision in a weird Australian western written and directed by Nick Cave (The Proposition), a king who prefers love to kinging (The King’s Speech) and, in this movie, a stern but very human police officer who tries his best to make Melbourne a better place to live (good luck!). James Frecheville as young Josh is almost too good to be true and I prefer to see him in another movie before giving you my opinion, but the real gem, here, is without any doubt Jacki Weaver. Her portrayal of the scary, amazingly cruel, probably incestuous mother is unforgettable. The actress manages to show all the subtleties and the ambiguousness of this terrifying human being with so much charisma that you can’t get enough of her.
You are just very happy to know that she is on the screen and, well, she is not your mother.

Remembering Colette

2011-05-08T19:49:00.000+02:00

Quando si ama tantissimo un regista e si è cresciuti vedendo i suoi film, si ha la tendenza a considerare gli attori che hanno recitato per lui un po' come persone della propria famiglia.
O, almeno, a me succede così.
Dal momento che non c'è famiglia cinematografica che mi sia più cara di quella creata da François Truffaut, ogni volta che muore uno dei suoi attori, io mi sento malissimo. Qualche anno fa, ad esempio, sono andata con il cuore affranto al funerale di Claude Jade, un'attrice bravissima che era stata Christine Darbon, la moglie di Jean-Pierre Léaud nella serie Doinel. E' invece di questi giorni, purtroppo, la notizia della scomparsa di un'altra amatissima e truffautiana attrice francese, Marie-France Pisier, che è stata Colette, il primo (infelice) amore di Doinel, e che più volte ha fatto la sua apparizione nei capitoli della serie.
Nata in Vietnam nel 1944, la Pisier ha trascorso l'infanzia in Nuova Caledonia, dove il padre era all'epoca governatore coloniale (nel 1984 uscirà un suo romanzo ispirato a quel mondo, dal titolo "Le Bal du Gouverneur", dal quale qualche anno dopo trarrà anche un film come regista). Rientrata in Francia per gli studi, attrice di teatro, viene scelta da Truffaut per interpretare Colette e da quel momento la sua carriera decolla: la Pisier ha lavorato con registi del calibro di Jacques Rivette, André Téchiné, Alain Robbe-Grillet, Raoul Ruiz e Luis Bunuel. Donna di grande impegno civile, è stata tra le firmatarie del manifesto di Simone De Beauvoir (Manifeste des 343 salopes) in favore del diritto all'aborto nel 1971.
L'ultima volta che l'ho vista recitare, è stato in un film del 2006 di Christophe Honoré, Dans Paris, dove era la madre di Louis Garrel e Romain Duris (mentre il padre era interpretato da Guy Marchand). Honoré, uno che nella vita ha mangiato pane e Nouvelle Vague, stava probabilmente pensando a Truffaut scegliendo questi due attori come genitori dei suoi protagonisti, e che piacere guardarli rubare la scena ai giovani con la loro bravura e la loro naturale complicità.
Tuttavia, per me, Marie-France Pisier resterà per sempre Colette, la ventenne che spezza il cuore a Doinel con la sua aria superiore e noncurante: dopo averlo fatto entrare in casa, lo lascia come un idiota continuare la cena con i propri genitori mentre lei se ne va fuori con un altro ragazzo, il suo, dal nome assai improbabile Albert Tazzi (clin d'oeuil di Truffaut all'attore protagonista di L'Année dernière à Marienbad, dell'amico Alain Resnais).
Sacrée Colette... ci mancherai!

Tomboy

2011-05-05T23:28:00.001+02:00

L’identità sessuale è un tema molto trattato, al cinema, ma in pochi hanno avuto il coraggio di esplorarlo dal punto di vista infantile. Lo fa un film uscito in questi giorni in Francia e che sembra aver stregato pubblico e critica: Tomboy (espressione inglese che significa “maschiaccio”), seconda prova di una giovane regista, Céline Sciamma, 30 anni, che già si era fatta conoscere al grande pubblico con un film che parlava di adolescenza (Naissance des Pieuvres, che ora mi pento amaramente di aver perso alla sua uscita quattro anni fa).

E’ la fine dell’estate, e una giovane famiglia francese si è appena trasferita in un nuovo appartamento alla periferia di Parigi. Papà, mamma visibilmente in cinta, una figlia piccola e quello che a tutti gli effetti sembra un giovane figlio: capelli corti, pantaloni, canottiera, lo osserviamo mentre il padre gli insegna un po’ per gioco a guidare... insomma, un ragazzino di 10 anni. E’ solo quando lo vediamo uscire dalla vasca dopo che ha fatto il bagno con la sorellina, che ci rendiamo conto che si tratta in realtà di una ragazzina e, contemporaneamente, sentiamo la voce della madre chiamare il suo nome: Laure! Il problema, a questo punto, è che lo spettatore lo ha già metabolizzato come bambino, e si fa una grandissima fatica a considerarlo di un altro sesso. Non siamo i soli ad avere questa difficoltà: la condividiamo con la protagonista. Quando Laure raggiunge in cortile dei ragazzini per giocare ed una di loro, Lise, le chiede: come ti chiami? La sua risposta, sicura, precisa, spiazzante, è: Michael. E’ cosi che inizia un percorso tutto in salita per Laure/Michael, che dovrà fare i conti con la sua decisione e le sue inevitabili conseguenze.

Tomboy, vi assicuro, è un film straordinario. Il tema è delicato e complicato insieme, ed anche di una pesantezza infinita, ammettiamolo, ma la regista riesce in un piccolo miracolo, quello di raccontare la storia come se la vivessimo da dentro. Con l’inconsapevolezza e l’energia dell’infanzia, che trova un suo corrispettivo visivo nel calore e nella brillantezza dell’estate. Laure ci crede veramente, di poter sovvertire l’ordine prestabilito, e noi insieme a lei. Seguiamo con trepidazione i suoi tentativi coraggiosi e maldestri insieme di trasformarsi in un ragazzo e viviamo con ansia crescente il momento in cui, inevitabilmente, la vera vita prenderà il sopravvento (del resto, mancano solo pochi giorni all’inizio della scuola...).
Tutto suona giusto in questo film girato velocemente (20 giorni di riprese in totale), con pochi mezzi, e pervaso da una luce speciale. Non so come la regista abbia potuto trovare un’attrice cosi giovane e talentuosa: Zoé Héran è spettacolare nella parte di Laure/Michael. La scena in cui si mette a giocare a calcio, si toglie la maglietta e sputa per terra come ha visto fare agli altri ragazzini, è un concentrato di bravura e tenerezza. Non è da meno la giovanissima Malonn Lévana nella parte della sorellina, una simpatica peste che si rivela a sorpresa un’incredibile ed abilissima complice della sorella/fratello. I genitori restano sullo sfondo ma sono fondamentali: Sophie Cattani nel ruolo della madre è estremamente vera e sensibile, e Mathieu Demy nel ruolo del padre (lui che è figlio di due mostri sacri come Jacques Demy e Agnès Varda!) è sobrio e disarmante di sincerità.
Questo film ci pone di fronte a moltissime questioni, ma prima fra tutte la crudeltà della condizione di un essere umano che si sente in un modo ma è in un altro, costretto in un corpo che non gli appartiene. Il fatto che a soffrire sia una ragazzina di 10 anni, fa cadere di colpo tutte quelle barriere che di solito sorgono spontanee quando la persona coinvolta è un adulto. La sofferenza di Laure ci appare inumana, e si avrebbe voglia di credere, almeno per un attimo, che le cose per lei possano cambiare.
Born this way... but for ever?

Habemus Papam

2011-04-25T11:59:00.002+02:00

L'amore per un paese passa anche attraverso l'amore che abbiamo per il suo cinema? E quando il paese è quello da cui si proviene, questa domanda come la si formula? Come la si trasforma? Un tempo l'Italia aveva registi che solo a sfiorarne il nome uno si sentiva istantaneamente meglio, e più fiero di venire da un posto dove erano nate quelle persone lì, dove certi registi avevano pensato e poi girato film di cui ancora oggi non si può fare a meno, e che faranno sempre la differenza nella storia del cinema.
Ma oggi, negli ultimi anni, quali sono i nomi di registi italiani che creano questo corto circuito di grandiosità e bellezza? Pochi, davvero pochissimi, e a me, su due piedi, il primo nome che viene sempre in mente è quello di Nanni Moretti.
Perché Moretti lo si può amare o detestare, poco importa, ma nessuno potrà negare che è uno dei pochissimi veri autori che abbiamo avuto in questo paese negli ultimi 30 anni.
Un regista capace di creare un universo tanto preciso e personale da essere riconoscibile al primo sguardo, capace di metterci tutto, nei suoi film, faccia compresa, per parlare al mondo di se stesso ma anche di noi, delle nostre paure, delle nostre ridicolaggini e delle nostre debolezze. Moretti, tra l'altro, ha sempre avuto anche la grande capacità di essere avanti sui tempi. Io sono un autarchico era un film che prendeva per il culo certe assurdità pseudo-intellettuali degli anni '70 mentre quegli anni '70 erano in pieno svolgimento (il film è del 1978), Il Caimano raccontava con un anticipo di 5 anni la sfrontatezza, l'ignoranza e la follia di un uomo politico che la settimana scorsa abbiamo vista riprodotta comodamente sui nostri schermi televisivi all'ora del TG.
Moretti è impietoso, scomodo, esagerato, insopportabile, e indispensabile.
Ci fa ridere, certo, ma non si tira indietro nemmeno quando c'è da disperarsi. Basti pensare al dramma assoluto raccontato nella Stanza del Figlio, ma anche a quello più disperante e solitario di Sogni D'Oro (che per Zazie rimane il suo capolavoro).
Il suo nuovo film, uscito in questi giorni sugli schermi italiani (e che sarà in concorso al prossimo Festival di Cannes), aggiunge un altro importante tassello al percorso morettiano.
Habemus Papam parla di un cardinale che viene fatto Papa e al quale questo compito risulta talmente difficile e gravoso da gettarlo nello sconforto più totale. In suo aiuto, viene chiamato il più bravo psicanalista romano, il quale si trova da un momento all'altro segregato in Vaticano senza poter avere contatti con il mondo esterno, e questo fino a quando la situazione non sarà risolta. Tra un Papa in fuga e uno psicanalista costretto all'immobilità, ci sarà spazio per incontri bizzarri, partite di palla a volo tra cardinali, la scoperta del deficit d'accudimento, e la consapevolezza che, molto spesso, è difficile essere all'altezza delle nostre ispirazioni più profonde.
Habemus Papam è Moretti al suo meglio: il giusto amàlgama di ironia, situazioni serie al limite dell'assurdo, momenti semplicissimi di grande profondità, e due o tre scene che ti fanno venire voglia di metterti a ballare e di applaudire sulla sedia, per la contentezza e la consapevolezza di assistere ad un cinema fatto così. Così bene.
Michel Piccoli (c'è bisogno di dirlo?) è di un misurato e di un perfetto nella parte del Papa colto da atroce dubbio, che si potrebbe starlo a guardare da qui all'eternità, i cardinali, che dietro la loro aria seriosa nascondono nevrosi, allegrie e paure insospettabili (nonché la stoffa da grandi sportivi), sono resi a meraviglia da un gruppo di attori tutti bravissimi, Jerzy Stuhr (attore e regista polacco che ha lavorato con Kieslowski ed ora è naturalizzato italiano) ci delizia con la sua aria afflitta e paziente nella parte del portavoce del Santo Padre, e Moretti, beh, ci fa venire il dubbio che il nome ed il cognome dello psicanalista siano Michele Apicella.
E non è che la cosa ci dispiaccia. Perché come canta la canzone del film: "Cambia, Todo Cambia", ma speriamo che Moretti, almeno lui, non cambi mai.

The New York Trilogy - Margin Call

2011-04-18T21:39:00.007+02:00

As you already know, I have been to the opening night of the New Directors Festival at the Moma to attend the screening of Margin Call, a movie by young filmmaker J. C. Chandor.
I have to confess it straight away: the only reason why I wanted to see so badly this picture, it is because Jeremy Irons has a part in it. The financial world is not exactly my cup of tea, and movies like Wall Street simply make me feel sick, so - to tell you the truth - I wasn’t that ready to love a picture about the economic crisis. Sometimes, though, cinema is just like this: you go there prepared to see a movie you probably won’t like, and then you like it a lot. Margin Call narrates (very intensely) 24 hours in the life of a Wall Street financial company: the 24 hours preceding the economic meltdown of 2008. A group of people is involved in the events: a couple of young employees who discover that something is going wrong, and their different bosses. When the situation seems pretty desperate, in the middle of the night, takes place an unexpected Board of Directors with the President of the company in order to assume urgent and radical decisions. In the morning, the company will be saved, while the rest of the world will start its slow descent into poverty.
The good thing about Margin Call is that the approach of Chandor is a humanistic one: he is interested in showing how this extreme situation is perceived and lived by the different people involved, if ethic is a word still having a meaning in this kind of world and how human beings are affected by jobs like this.
And, apparently, there is something rotten in Wall Street.
In one of the greatest scenes of the movie, one of the bosses of the company is crying over the imminent death of his dog and three seconds afterwards he's making the most cynical speech to his employees about the reasons why some of them have just been fired and some others are still there. Power and money have consumed the soul of the oldest guys: this is a fight for survival and any blow under the belt is admitted. The youngest ones are looking at their bosses with a mix of admiration and disbelief: you can see that they wish to be like them, to earn as much money, to have that kind of power over other people and that they’re ready to pay any price in terms of human feelings to reach that position. This is particularly clear when the President arrives in their offices by private helicopter and with just few conversations and radical (almost inhuman) decisions solve the problem for them letting their investors losing all the money. The weakest ones are the ones who are fired, and who will not survive. And even when one of the bosses has a moment of indecision and unexpected qualms of guilt, it is simply too late for him to step back or to pretend he is not an active part of this scary machine.
Chandor filmed this movie last summer in just few weeks and you can feel the urgency, the feverish atmosphere and the intensity of the experience. He also managed to gather a very good group of actors: besides Jeremy Irons (as the President of the company), the cast includes Kevin Spacey, Stanley Tucci, Demi Moore, Paul Bettany, Zachary Quinto and Simon Baker. When Jeremy Irons and Kevin Spacey are together on screen, despite the unsettling feeling the movie was giving me, I realized I was suddenly relaxing in my seat. Their performance was so overwhelming that I couldn’t be bothered by any financial or ethical problem. I was just enjoying to see them playing so well. There are things that, after all, even money can’t buy…

The New York Trilogy - Blue Valentine

2011-04-18T21:38:00.001+02:00

Asimple advice: please don’t go to see this movie on a first date or if yourcouple is going through a crisis (it’s a question of survival), but in allother cases, I strongly recommend you the vision of this picture, one of thebest I have recently seen.

BlueValentine is the pitiless dissection of a couple’s history, the one formed byDean and Cindy. Young, married and having a lovely child called Frankie, theylive in a small and ordinary American town. They’re both working class people,but Cindy studied to become a nurse and has a decent job, while Dean left highschool and always had temporary jobs, and now survives painting houses. Themovie doesn’t follow the events chronologically, so we see them in theirpresent life and then, piece by piece, we get to know how they met, how theyfell in love and how they fell out of love (François Ozon made a similar thing in hismovie 5x2, but in that case he followed the love affair from the end to thebeginning, while here the present and the past are mixing in an emotionalroller coaster). Things inside the couple are not getting well, and this ispretty clear. Cindy looks fed up with Dean’s attitude towards life: he isdrinking a lot and he doesn’t have any ambition in his professional life. Theirattempts to revive their connection, both physical and spiritual, are failingmiserably and the end of the affair is just around the corner.

BlueValentine is a great and pitiless movie: it really kills you. You are tornapart by watching this couple slowly dying, especially when you witness the waythey felt at the beginning. Their love looked grandiose and strong, and let youbelieve for a moment that they can both leave behind bleak families and bleakevents and have a new, fresh start. Unfortunately, this movie looks pretty muchlike real life, and so the happy ending is quite difficult.

DerekCianfrance, the filmmaker, has done a magnificent job: thedescription of the love affair is romantic without being cheesy, while the endof it is filmed in an extremely real but compassionate way.

Thispicture is so powerful, though, especially because of the unbelievably goodperformance of the two actors: Michelle Williams and Ryan Gosling. These twoactors have a similar story: they both started to work for children andteenagers TV programs (Gosling for Disney Channel together with BritneySpears!, Williams for the series Dawson's Creek), then they switch to mainstreammovies and now they are becoming icons of independent cinema (Williams notablyfor her role in Wendy and Lucie, Gosling for the one of a drug addict professorin Half Nelson). In this movie, they prove to be splendid actors. They look sonatural, true, passionate, distraught, human: the audience is obliged tofeel what they feel, to empathize with them. It is a painful but worth itprocess (I read that the two actors spent a month living together before the shootingto really get into the characters).

Blue Valentine is a movie that gets under the skin and leaves you with an unsettling feeling about the hopelessness of human soul.
Welcome to the club!

The New York Trilogy - Jane Eyre

2011-04-18T21:37:00.001+02:00

Whilein New York, I went to the movies three times.

Ihave seen three completely different pictures, but I have enjoyed them in thesame, intense way. Each of them dragged me in their own particular atmosphereand I felt shaken by every vision, and it is exactly what I expect from cinema.Here they are!

Oh,I was SO looking forward to seeing THIS movie!

Fortwo main reasons: I am a huge fan of the Brontë Sisters (I grew up reading andadoring their novels) and I am a huge fan of the actors playing the main roles.It is impossible to have seen all the adaptations of this book made over theyears both by cinema and television, but I have always tried to be updated. Thestory is a classic of literature history (written in 1847): Jane Eyre, a littleorphan, is put by her awful aunt into a gloomy school where she learns to be ateacher and a governess. Once left the place, Jane accepts a governess positionat Thornfield House, and she secretly falls in love with the house master, thevery moody Mr. Rochester. After a while, Mr. Rochester asks Jane to marry him:this is a much unexpected event for the girl, but things don’t go the way theyshould…

Theyoung film-maker Cary Fukunaga (best known until now for his movie Sin Nombre) andscreen writer Moira Buffini (best known for her great work on Tamara Drewe), managedto create a striking novel’s adaptation, with the benefit of a modern touch (especiallyfor the gothic, almost horror-film atmosphere), but I really think that themovie should have been longer. The2 hours version doesn’t allow enough time to the relationship between Jane andMr. Rochester to fully develop. This is the only major defect I’ve found to themovie: when Mr. Rochester asks Jane to marry him, the proposal sounds weird notonly to Jane but also to the movie audience. It is a pity, because thechemistry between the two actors is really amazing and all the first scenesbetween them are full of great expectations. The thing I wasn’t disappointedby, was surely the cast: young Australian actress Mia Wasikowska (her portraitof a suicidal teenager in the first season of In Treatment was simply unforgettable!) is asplendid Jane Eyre. Her mix of seriousness, dignity, wittiness and search forindependence gives to the character a contemporary appeal. German/Irish actor MichaelFassbender is probably too young to play Rochester (he is just 34 years old)but he is so good to portray this grumpy, arrogant and yet fascinating man,that we instantly believe in anything he says or does (Zazie has been tellingyou this since 2009: watch, watch, watch for this actor, he will be very famoussome day soon!). In minor roles, Dame Judi Dench, Sally Hawkins and Jamie Bell,reminds us that, well, British actors always do it better!

If you're looking for a truly romantic movie, you can't find a better one.

Byrne, baby, Byrne!

2011-04-05T19:13:00.011+02:00

New York City, Titus Theater, Moma, Wednesday 23 March 2011, 7 pm. Opening night of the New Directors Festival.
I am there with my friend Rob to see a movie called Margin Call by J. C. Chandor. The reason is simple: Jeremy Irons plays a part in it. The film is very good (I’ll talk about it later in this blog) and after the projection there is a Q&A with the director and one of the actors (no, unfortunately not Irons). Since Rob and I were seated in the first raw, I didn’t have the chance to look at the audience, but when we leave our seats and we are moving towards the exit, I catch a glimpse of somebody... and I almost faint.
Irish actor Gabriel Byrne is standing there, few meters ahead of me, apparently being part of the same world I live in.
This is not the first time in my life I am SO lucky. In 2000, in this same city, I went to see him playing in O’Neill's A moon for the misbegotten. I even talked to him after his performance (and he was very charming), but seeing him again now, it is even more amazing. I consider In Treatment - the HBO TV Series about a shrink and his patients (already arrived at its third seasons) - a real masterpiece and his performance as Doctor Paul Weston simply astonishing (yes, I already wrote a post about it in this blog, so it’s nothing new!). I admire him and love him more than ever. At the moment, in my personal list of “Actors I would like to chat (and possibly marry) with” Byrne is at place n° 1 together with Irish/German actor Michael Fassbender.
All this to let you imagine my state of confusion and agitation… I hear two old women behind me talking to each other: “Hey, look, there is Gabriel Byrne in front of us”, “Oh my God, what should we do?”, “Well, go and get him!” I immediately think: excellent idea! Let’s go and get him, girls, but none of us has the guts to do so. The problem is, Mr. Byrne is not all alone. There is a stunningly gorgeous looking woman close to him. His girlfriend, I presume. They walk into the lobby of the theatre where there is a small bar and they met with two friends.
They start talking, undisturbed. Am I the only one who wants to speak to this man? You gotta be kidding me. Rob explains me that New Yorkers are renowned for their snobbish attitude towards famous people. Evidently enough, I’m not a real New Yorker, and I want immediately ask this man when we will be able to see the season 4 of In Treatment. It’s a question of life or death, do you understand? But, still, I don’t move. I can’t. He is there: elegant, charming, relaxed, smiling, living his life, marvellous. I just stare at him, at the opposite corner of the lobby. I am so persistent that at a certain point Mr. Byrne looks towards me. I can read his thought: who is this crazy woman looking at me so insistently? And it is in this very moment that I think about the last scene of Baisers Volés (Stolen Kisses) by François Truffaut. Antoine Doinel and his girlfriend Christine Darbon are seated on a bench of a public park and this weird man walks towards them. He has been following Christine for the whole movie. But this is the first time that we hear him speaking. He puts himself in front of her, completely ignoring Antoine (he never looks at him) and he makes his love declaration. Yes! This is what I want to do. Walking towards Gabriel Byrne and his girlfriend and, looking Gabriel straight in the eyes, to announce him: “I know life well. I know that everyone betrays everyone else. But it will be different with you and me. We will never be apart. Not even for a single hour. You will be my sole preoccupation. I understand this is all too sudden for you to say yes right away and that you need time to sever the temporary ties that bind you to temporary people. But… I AM DEFINITIVE!”.

Of course, all this happened just inside my head.
Outside, I simply watched Gabriel Byrne and his girlfriend going arm in arm to a Moma private event I wasn’t invited to.
When I got out of the theatre, it was even snowing.
Worst of all, few days afterwards, HBO announced the end of the series In Treatment.

Real life sucks, don’t you think?

New York City Movie Theatres

2011-04-02T16:00:00.002+02:00

Let’s face it: there is no city like Paris, for movie goers.

But besides the place where I live, the other city in the world allowing you to see an old Hollywood picture, a Pasolini movie or a Japanese retrospective at 11 am on a Tuesday morning… definitely IS New York City!
This is why, every time I have the chance to be there, I go to the movies as much as I can. And this is exactly what I did last week: Breakfast at Tiffany’s and movies at will!
But I also walked around to take pictures of my favourite movies theatres. Places where they really care for the pictures they show, places where I feel at home.
I went to the Sunshine Cinema (Lower East Side), an old movie theatre with a great programming and posters of Les Parapluies de Cherbourg by Jacques Demy hanging on its walls. To the lovely Angelika Film Center (near Washington Square), a chain of arty cinemas with different locations in the States (Dallas, Houston, Plano and NY), where I enjoyed a good cup of tea in their beautiful café (if I knew what I was about to see, I would have opted for a glass of whisky, but well…). To the IFC Center, the kingdom of independent cinema in the middle of Greenwich Village, and to the Film Forum (Soho), a place specialised in American independent cinema and foreign art movies (the evidence: they are now showing Le Quattro Volte by Michelangelo Frammartino).
I will write about the movies I have seen in New York in my next posts, but I wanted first to share these places with you.
Because no matter where you are in the world: home is where the movie theatres are!

Breakfast at Tiffany's

2011-03-18T10:02:00.002+01:00

Dear Readers,
I feel like having Breakfast at Tiffany's, so I'm leaving for New York.
But I'll be back soon, don't worry!
Love from your Zazie

La Solitudine dei Numeri Primi

2011-03-18T00:13:00.003+01:00

Ieri sera, in un cinema del Marais che mi sta molto simpatico, il Nouveau Latina, c’è stata l’anteprima francese (la vera uscita parigina è prevista solo il 4 Maggio) della Solitudine dei Numeri Primi, il film tratto dal best-seller di Paolo Giordano.
Ci sono andata senza particolari aspettative, non avendo mai percepito dai giornali, dalle riviste specializzate o anche solo dal giudizio degli amici italiani (ma forse vivendo qui mi è completamente sfuggito), una parola buona rispetto a quest’opera.

La trasposizione in immagini di un romanzo come quello di Giordano, in teoria, era pericolosissima: il didascalico, lo stile "film per la TV", gli attori al di sopra delle righe, la regia qualsiasi, erano tutti lì in agguato pronti a mangiarsi il film intero. E infatti temevo, ma mi sbagliavo, perché mi sono trovata davanti un gioiello raro.

La storia è nota. Esseri umani danneggiati e solitari a causa di eventi traumatici che ne hanno segnato l'infanzia (e pure il resto della vita), Mattia e Alice si incontrano quando sono adolescenti e si riconoscono subito: lei zoppica ed è anoressica, lui si autoinfligge ferite su tutto il corpo. Entrambi barcollanti sotto il peso dei rispettivi dolori, segreti, solitudini, famiglie complicate e difficoltà di contatto con il mondo esterno e con i loro coetanei, i due ragazzi cercano l'uno nell'altra, senza mai veramente riuscirci, una via di fuga, una possibile felicità.

Un regista senza palle e senza stile, secondo me, avrebbe fatto così: spiattellamento iniziale dei traumi, in modo che lo spettatore si identifichi tempo zero e pensi "Poverini, con un dramma così alle spalle, per forza sono diventati dei disadattati sociali" e poi via, leggiadro, di sfiga in sfiga, fino all'annientamento finale. Invece Saverio Costanzo sa, eccome se lo sa, quello che vuole, e trasforma questo racconto in una fiaba gotica ed onirica, in un racconto dell'orrore Shining Style, stravolgendo la temporalità e costrigendo lo spettatore a entrare nel film per osmosi, come una malattia che si insinua sotto la pelle. Questo accade sin dalle bellissime scene iniziali, quelle di una innocua recita scolastica che diventa un incubo sonoro (la musica, non a caso, è rubata ad un film di Dario Argento) e visivo (i volti dei bambini, truccati per la rappresentazione, appaiono mostruosi). Ma altrettanto potente è il momento in cui Mattia e Alice si incrociano per la prima volta in un corridoio della scuola: quell'attimo sospeso, il ralenti, lo scatto impercettibile delle testa, il gesto quotidiano in grado di cambiare il percorso di una vita. E ancora, straordinaria, quell'immagine fantastica, irreale, di Mattia e Alice seduti in macchina, mentre fuori piove, poi smette, e ci sono solo le luci della notte, e loro stanno andando ma sono fermi, sospesi, in questo microcosmo dove c'è posto solo per loro due e per il terribile segreto che uno di loro sta per raccontare, ma non ancora.

Questo percorso, questa storia, sarebbero però ben poca cosa senza la bravura degli attori che un direttore casting baciato dal genio ha saputo selezionare: Alba Rohrwacher sta dimostrando, di film in film, di essere la più brava attrice Italiana della sua generazione. Qui, in un numero degno dell'Actor's Studio, si è ridotta pelle e ossa per dare corpo ad un dolore senza voce (di così magro, al cinema, io ricordo solo Michael Fassbender in Hunger di Steve McQueen e Christian Bale in The Machinist di Brad Anderson). Luca Marinelli, al primo (si spera di una lunga serie) film, ha uno sguardo spiritato e la giusta presenza scenica, quella che permette di parlare pochissimo e dire tanto. E una menzione speciale ai giovanissimi attori che hanno interpretato Mattia e Alice da bambini e da adolescenti. Di solito i film italiani sono specializzati nella creazione di piccoli attori-mostri che recitano in maniera del tutto innaturale, qui invece la loro intepretazione ha del miracoloso. Isabella Rossellini è perfetta nella parte della mamma di Mattia (impossibile non pensare all'altro suo bellissimo ruolo di madre in Two Lovers di James Gray) e Filippo Timi, grazie ad una sola scena, riconferma intatto, se mai ce ne fosse bisogno, tutto il suo talento.

Il film, in concorso all'ultimo Festival di Venezia, non ha ricevuto nessun premio. Dalla giuria che ha assegnato il Leone d'Oro al film più inutile, pretenzioso e noioso della storia del cinema (Somewhere della Coppola), non mi aspettavo niente di meglio.
Peccato, perché qui non c'è uno che fa giri a vuoto con la sua Ferrari, qui c'è gente che soffre veramente, e per di più con stile.

Il silenzio sul mare

2011-03-13T15:28:00.004+01:00

Non è un mistero per nessuno: il Giappone è il mio paese preferito al mondo.
L'anno scorso, più o meno in questo periodo, stavo per partire per Tokyo e Kyoto con il desiderio di realizzare un sogno, quello di vedere con i miei occhi la fioritura dei ciliegi.
Il sogno è stato subito esaudito, ma non è che fossi stupita: il Giappone mi ha sempre regalato tutto quello che cercavo.
Per questa ragione, quanto sta succedendo ora è per me assolutamente inconcepibile. Trovo insopportabile questa prova insensata che i miei amici e tutti quanti sono coinvolti devono affrontare e vorrei che una forza sovrumana arrivasse ad alleviare il loro dolore e la loro preoccupazione.
La situazione è già abbastanza insostenibile così, senza dover stare a sentire gli inevitabili luoghi comuni sui giapponesi di cui i media italiani hanno fatto abbondante uso in questi giorni: dignità non significa indifferenza, compostezza non significa mancanza di emozioni, gentilezza non significa stupidità. Mi rendo conto che per qualcuno questo sia difficile da capire, ma non è certo un problema dei giapponesi. Il giorno in cui si smetterà di accontentarsi dei soliti sentito dire e di fermarsi alla superficie della cose, forse, finalmente, si capirà quanto potremmo imparare (e molto), da un popolo così.
Se qualcuno ha davvero voglia di sentire come si vive in questi giorni a Tokyo, vi suggerisco di leggere il blog del mio amico Flavio, che vive lì da diversi anni:
http://pesceriso.wordpress.com/
A lui, agli altri amici italiani in Giappone, ai miei amici giapponesi e ai giapponesi tutti, vorrei far sapere quanto li stia pensando e quanto infinitamente li ammiri.

Oggi è uno di quei rarissimi giorni in cui persino l'idea di vedere un film non riesce a tirarmi su il morale. Ho però pensato ad un bellissimo film di Takeshi Kitano, A scene at the sea (Il Silenzio sul mare), una storia d'amore tra un ragazzo e una ragazza sordomuti, un film poetico ed essenziale come solo Kitano ne sa fare, e mi sono ricordata di un'immagine.
Quella che ho messo all'inizio del mio post.
Dal mare non viene solo distruzione, è vero, ma adesso è difficile ricordarsene.
Adesso c'è spazio solo per il silenzio.

Nel bel mezzo di un gelido inverno

2011-03-06T21:56:00.006+01:00

Il Cinema è un paese per donne?
Questa domanda mi sorge spontanea ogni volta che vedo un film diretto da una donna e mi rendo conto che lo vivo come se fosse un evento raro. Perché, in fondo, lo è: il numero di registi donne è nettamente inferiore a quello di registi uomini, e questo è un dato di fatto. Tuttavia, e grazie al cielo, sempre più spesso ci sono donne interessanti dietro la macchina da presa, con cose importanti da dire, storie essenziali da raccontare, e uno stile tutto loro nel farlo. E’ soprattutto dal cinema indipendente americano che arrivano i nomi di ragazze da tenere d’occhio, secondo me. Negli ultimi anni mi è capitato di vedere dei film che mi hanno impressionato per i pochi mezzi e soldi a disposizione per farli e la forza espressiva ed emotiva capaci di suscitare. Tutto merito di ottime sceneggiature, personaggi credibili e commoventi (nel senso più nobile del termine), prove d’attori che lasciano il segno e una sensibilità speciale. Femminile? Si, bisogna dirlo, femminile. E con questo non voglio dire migliore rispetto a quella degli uomini, ma semplicemente diversa. Quella stessa storia, un uomo non la racconterebbe mai allo stesso modo. E il fatto che i protagonisti di questi film siano quasi sempre donne, aumenta di parecchio la sensazione.
Penso ad uno dei miei film preferiti di tutti i tempi: Me, and you and everyone we know di Miranda July (2005), a Wendy and Lucie di Kelly Reichardt (2008), a Frozen River di Courtney Hunt (2008) e al film che ho visto questa settimana: Winter’s bone (Un Gelido Inverno) di Debra Granik.
La Granik (nata nel 1963), è una regista indipendente che dopo una serie di premi vinti al Sundance con alcuni corti e con il suo primo lungometraggio (Down to the bone), con questa nuova opera ha ottenuto la consacrazione definitiva, ottendendo un meritato successo mainstream (il film è stato anche candidato a ben 4 premi Oscar).
Winter’s Bone racconta la storia di Ree, una 17enne che vive in uno squallido paesino sperduto tra i monti Ozarks del Missouri, in una casa fatiscente che condivide con la madre malata (è praticamente ridotta un vegetale) e i fratellini Sonny, 12 anni, e Ashlee, 6 anni. Ree scopre che il padre (in galera per l’attività più in voga della zona: la produzione della droga sintetica crystal meth), ha ipotecato la casa per pagarsi la cauzione ed uscire. Se non si presenterà davanti ai giudici, la famiglia perderà tutto. Il rischio per Ree è troppo alto, quindi la giovane parte alla ricerca del padre, scontrandosi con una realtà sempre più dura. E’ chiaro fin da subito che lui abbia fatto una brutta fine, ma altrettanto chiaro che nessuno voglia minimamente aiutarla a scoprire quello che gli è successo. Più il destino si accanisce su Ree, più lei sembra decisa a venire a capo della questione. Alla fine, grazie al maldestro aiuto di Teardrop, il fratello di suo padre, e all’ultimo barlume di umanità rimasto ad un gruppo di donne della zona, Ree sembra finalmente intravedere un po' di speranza per il futuro.
Film durissimo, cupo e desolante, Winter's bone si può definire come una sorta di neo-realismo all'americana: ai limiti del documentario, ma con la marcia in più della pura finzione, il film è una discesa all'inferno che sembra una fiaba gotica (compresa di vago lieto fine). Ci sono momenti insostenibili, momenti potentissimi e momenti con qualcosa di speciale che ti resta dentro. Il dialogo di Ree con il militare passato alla sua scuola per reclutare potenziali soldati, ad esempio, per me è indimenticabile. La pellicola è illuminata senza sosta dal volto di Jennifer Lawrence, una giovane attrice (nella realtà ha 21 anni) che qui dimostra un talento straordinario. Di una bellezza disarmante, anche senza trucco, sporca e infagottata in abiti invernali, la Lawrence si carica tutto il film sulle spalle. Sicura, testarda, e senza paura, pur di assicurare una casa alla madre e ai fratelli, affronta l'inaffrontabile con una forza e una dignità da Magnani americana. Nel film non c'è quasi mai una tregua alla miseria umana che le tocca sopportare. Solo la presenza di un'amica a confortarla e darle una mano, altrimenti è sola, ma tutt'altro che vittima della situazione. L'altro personaggio notevolissimo che il film mette in scena è quello dello zio di Ree, Teardrop (interpretato da uno dei migliori attori americani in circolazione, John Hawkes, già protagonista maschile di Me, and you and everyone we know e della serie HBO Deadwood): dropout magrissimo e dallo sguardo folle, dapprima riluttante ad aiutare la nipote, fa uscire a poco a poco (e molto alla sua maniera, diciamo) tutta la sua umanità e il suo coraggio.
Si esce dal film incapaci di lamentarsi di nulla: del freddo, della stanchezza, della noia di una qualsiasi giornata di lavoro. Ci si sente piccoli, inutili e un po' miserabili in confronto a quello che Ree ha dovuto sopportare ed affrontare.
Girls power. Sì, quello vero.

127 Hours

2011-02-22T22:10:00.002+01:00

I already wrote in this blog about the nice side effects of my real job (that has nothing to do with cinema, to tell you the truth). My favorite one, by far, is that I regularly receive the invitations to all the avant-premières held by Pathé in Paris. When they sent me (thanks, Véronique!) the one for Danny Boyle’s last movie, 127 Hours, I was particularly happy thinking about the main actor, Hollywood new rebel James Franco (and I hope none of you dear readers forgot about my amazing LA picture with him just few months ago).
Usually, the actors and the director are attending the events to briefly introduce their movie. In this case, unfortunately, Franco didn’t show up, but Danny Boyle and one of the actresses, the Frenchy Clémence Poésy, where there, as you could see in the following picture (by courtesy of paparazzo Alexandre Pachiaudi, the friend who came with me to the theatre).

The rumours around 127 Hours have been going on for a while, in the cinema press. Not only because the movie has received 6 Oscar nominations (and among them Best Picture, Best Director, Best Actor) but also because it is based upon an incredible real story and a story that, at first sight, could be considered impossible to be transposed on screen.

In April 2003, Aron Ralston, a young mountain climber, decides to spend a week-end in a remote and solitary canyons area in Utah. He doesn’t prevent anybody (nor his family neither his colleagues at work) about where he is heading to. This is why, when he found himself trapped at the bottom of a crevice with his right arm crashed by a boulder, he realizes to have few, if not none, chances to save himself. And yet, against all odds (no food, almost no water, no possibility of being heard and rescued by other trekkers), Aron will manage to survive.

Introducing the picture, Danny Boyle said something very interesting: he said that the real challenge, for him, was to make an action movie about a man who can’t actually move.
He was right. I mean, I’m sure every single person in the audience was thinking about the same thing: how can we stay here seated for 1 hour and 30 minutes watching a guy with his harm under a stone and not be bored to death? As far as I’m concerned, Boyle regally won his battle against boredom: this movie grabbed my total attention from beginning to end without a single moment of weariness. Why? Because the film maker had a lot of great ideas to get (himself and Aron) out of troubles. First idea: until the guy actually found himself at the bottom of the crevice, the rhythm of the movie is breathless. From the camera to the human beings movements, everything seems to go at a higher speed. No time to think, no time to seat comfortably in our seats. This guy is moving fast, going fast, talking fast, and nothing will stop him (well, except a stone). The first part of the movie is also the only part where the character interacts with other people, in particular with two girls who are a bit lost in the canyons and are helped by Aron. But in a way, the movie only really starts when he falls down and realizes to be stuck there (and it is not by chance that the title of the movie appears just at this very moment: 127 hours, the time we are about to spend in the company of Aron). That’s the tough part, for everybody: the character (and the actor), the director and the audience. Boyle brilliantly plays his cards. Firs of all, he puts us in the canyon with Aron. We are stuck there with him, and the only moments the camera leaves that black hole and shows us the magnificent nature all around, it is just to stress the extreme solitude, the hopelessness of the situation and the indifference of that same nature (and the world in general) towards this human life. The other trick is that Aron, in order not to give up and get mental, constantly thinks about his life, his past, his family. We are then able to know him better and to see what he imagines, always as we were him (the scenes are filmed in subjective camera). Another important element is that the guy, among the few things he can count on in that awful place, has a camera and this creates a bizarre effect of movie within a movie. Aron lives his different moods in front of it, bravely showing the emotional and physical rollercoaster he is going through. Almost cheerful at the beginning (he even reproduces a TV shows where he is the guest of honour, clapping included) and then desperate towards the end, when he thinks he will die and he decides to leave a farewell message to his family.
Boyle intelligently concentrates his attention on two material aspects of the movie, absolutely essential: the light (he has used two different cinematographers to create a more profound dichotomy between the canyon scenes and all the external ones), but especially the sound. Please pay attention at the way the film maker has used it. It is really amazing, reaching its climax in the most difficult scene (don’t worry, you’ll understand which scene I’m talking about if you see the picture). Incredibly enough, this is not an anguishing movie, but quite the opposite: it leaves you full of energy and almost euphoric, thinking about the hidden and prodigious resources a human being can have.
Of course, James Franco’s performance is outstanding and his nomination to the Oscar a must. But let me be honest: only 127 hours? With James, even a lifetime won’t be enough…

Le Zazie d'Or est de retour!

2011-02-20T23:05:00.009+01:00

Forget about Oscars, Baftas, Golden Globes, Golden Lions, Golden Palms, Golden Bears, Césars, or any other Cinema award you can think of. The most prestigious and most exclusive one, the ZAZIE D'OR, is finally back, ready to let you know what was the very BEST of Cinema in 2010!
Ladies and Gentlemen, the winners are...

The Zazie D'Or for BEST PICTURE 2010 est attribué à
LES AMOURS IMAGINAIRES by Xavier Dolan (Québec)
Why? Because I have adored everything about this movie: the plot, the actors, the way is filmed, the music, the costumes. It is intelligent, funny, visually astonishing, super well done and adorable. I cant' get enough of it. This movie casted a spell on me and I'm crazy about it!

But... there was another movie that really enchanted me in 2010. A movie that probably is the antithesis of Dolan's one, but cinema is great also because we can love pictures that are incredibly different with the same passion and admiration. I have then decided to create a special award for it.
The SPECIAL ZAZIE D'OR 2010 est attribué à
DES HOMMES ET DES DIEUX by Xavier Beauvois (France)
Why? Because I have immensely loved how rigorously this movie shows us the (true) story of a group of religious men and the incredible decisions they have to make. The themes of faith, life, death, and the reasons why we are in this world, have been rarely shown on screen as powerfully as in this movie. Chapeau!

The Zazie d'Or for BEST DIRECTOR est attribué à
XAVIER DOLAN for LES AMOURS IMAGINAIRES (Québec)
Why? Because this guy is born to make movies. Can't you see it?
The Little Zazie D'or (BEST FIRST FEATURE FILM) est attribué à
PLAN B by Marco Berger (Argentina)
Why? Because Berger with his first movie reminds us that cinema can be made in the simplest possible way: two men, a room, and an interesting story to be told.
You don't need more than that to make great things happening!
And talking about this movie...
The Zazie D'Or for BEST ACTOR est attribué EX AEQUO à
LUCAS FERRARO and MANUEL VIGNAU
for PLAN B by Marco Berger (Argentina)
Why? Because these actors have created two of the most endearing characters ever seen on screen. We want more real men like them!

The Zazie d'Or for BEST ACTRESS est attribué à
YOON JUNG-HEE for POETRY by Lee Chang-dong (Korea)
Why? Because this korean actress (one of the most famous in her country) is simply extraordinary in the role of an old woman facing dramatic events, and because I think it has been a scandal she didn't receive any award at the last Cannes Film Festival. Shame on the jury.

The Zazie D'Or for BEST SCREENPLAY est attribué à
XAVIER DOLAN for LES AMOURS IMAGINAIRES (Québec)
Why? I have told you: I'm crazy about this movie.

The Zazie D'Or for the BEST CINEMATOGRAPHY est attribué à
GREIG FRASER for BRIGHT STAR by Jane Campion (UK/Australia)
Why? Because the light and the beauty of the images have a very important role in the final, amazing results of this great movie.
The Zazie D'Or for BEST DOCUMENTARY 2010 est attribué à
LA BOCCA DEL LUPO by Pietro Marcello (Italy)
Why? Because once you see this movie, you will never forget it!
The JEREMY IRONS PRIZE (Man of my life Award) for 2010 est attribué à
JAMES FRANCO (American Actor)
Why? You gotta be kidding me... are you really asking me WHY???
Private message to Mr. Franco: the only way to receive this prize is actually to knock at my door, James. So: the sooner, the better! Sincerely Yours, Zazie

Zazie would like to thank Sergio "Saccingo" Tanara, the creator of the Zazie D'Or drawing. If you want to know more about Saccingo, please visit his sites:
http://www.iwantmyalky.com/
and http://www.atelierdellassenza.com

It's a MAD MEN world!

2011-02-12T19:12:00.000+01:00

I never had in my whole life so many chances to hear interesting actors and film-makers talking in public about their work as in this 2011 (and we are just at the beginning of it!). Being not only a cinema buff but also a TV series freak, I was absolutely thrilled when I read that Matthew Weiner (Mad Men’s creator) was hosting a Master Class at the Forum des Images. I wrote down the date of the tickets sale with a BIG warning sign and I woke up very early one morning to buy it on line. I was right. When I recently stopped by at the Forum to pick up the ticket, they told me they were sold out in just 4 hours!
Once at the theatre, I had a big surprise. Besides Mr. Weiner, two actors of the series were present: Christina Hendricks (the voluptuous office manager Joan Harris) and John Slattery (the irresistible Roger Sterling, one of the agency's partners), who both spoke briefly at the end of the event.
Through the answers to the questions made by Olivier Joyard, journalist of the Inrockuptibles, Weiner retraced his career and the amazing history of the TV series that changed his (and many others) life. Weiner explained that after some cinema studies, he became one of the numerous unemployed screen writers in Los Angeles and he remained so for 5 long years (helped to survive by his wife, an architect). In 2000 he wrote the pilot of Mad Men and tried to sell it to some networks. David Chase from HBO, the creator and executive producer of The Sopranos, happened to read it and he was so impressed by the script that he immediately offered a job to Weiner. This is how he became a writer and producer for the last three seasons of the series. Quite well known after this job, Weiner tried again to have Mad Men produced by HBO or Showtime, but they both refused. Apparently, they were very scared by the fact that the series was a period drama. They didn’t believe audience could be interested to follow week after week the life of a bunch of guys from a Madison Avenue advertisement agency in the ‘60s. Plus, no film stars were involved in it. In the end, it was the small and inexperienced AMC who accepted to produce the show and ask Weiner a complete series of 13 episodes. He then called a group of people he has loved to work with on the Sopranos and… well, the rest is history. Listening to Weiner talking about all this, I suddenly realized that the most important thing you should have to succeed in the show business is stubbornness, and a good dose of self-confidence. Weiner doesn’t look like an easy kind of guy: he looks like a man who can be very upset if he doesn’t get exactly what he wants, the way he wants it. He probably must be very tough to work with. He is taking care of every single detail of Mad Men and he believes so much in his plot, his characters and his talent, that in the end he managed to have things exactly as he conceived them (including music and costumes). You can see, you can feel how proud he is of himself and of what he has achieved, you can even perceive a bit of revenge spirit in him, and who can possibly blame him? Mad Men, the series nobody wanted to produce, is now a world phenomenon, the TV show that has received more awards in TV history, the TV show that gave to all the actors involved (completely unknown at the time of the first season) the status of film stars, and to Weiner the status of genial writer. Weiner is so passionate and accurate about the story he wants to share with his audience, that the audience rewarded him. I think this is the secret of Mad Men’s universal success.
Weiner also talked about his references for the series, especially a bunch of European movies. Two were the titles he quoted: Les Bonnes Femmes by Claude Chabrol ("The interesting thing about this movie is that all these women's dreams… crashed, in the end, and I loved it!") and La notte by Michelangelo Antonioni (note of the blogger: this is also Zazie’s favourite Italian movie!): "I wanted to make an entire episode somehow based upon the movie, and showing images from it, but it was impossible to understand who had the rights and so I had to give up. But Draper go to see the movie at a certain point of the show!". I don't even want to imagine the episode he could have written about it... who's got the rights of La Notte, for heaven's sake?
Weiner could have talked for hours about his job, I think nobody in the theatre would have complained about it. People went nuts when Ms. Hendricks and Mr. Slattery were asked to join the conversation, and we had the right to a nice chat about Weiner's relationship with actors and the importance of their contributions to the show. Funny note: Slattery's wife was in the audience too, and she is actually the actress who plays his first wife, Mona, in the show. Well, it's really a Mad Men world!
At the moment of the questions from the audience, a girl told Weiner: "You know, everybody is nostalgic about the ‘60s, but looking at the series and at the women’s conditions, I am actually happy of living in this time".
Yes, sure. But they were dressed so much better, honey!

A portrait of the blogger as a Jean Seberg clone

2011-02-05T15:13:00.027+01:00

Carla Loves Photography: Paris Street Fashion

My dear readers,

Zazie has just received an amazing gift.

One of my best friends in the world, the incredibly talented Australian photographer Carla Coulson, who's got a very nice blog, has been kind enough to put a picture of me in her latest post called "Paris Street Fashion".

Well, if you had doubts about my love for Jean Seberg, A bout de Souffle and the Nouvelle Vague, this is the picture that will prove you wrong!

Unfortunately, pictures don't have a sound, otherwise you would have heard me screaming:

NEW YORK HERALD TRIBUNE!

My name, is Michael Lonsdale

2011-02-03T01:11:00.012+01:00

Mi arrendo all’evidenza: ho un debole per gli attori che di nome fanno Michael. Sulla scia dell’entusiasmo per la Master Class di Michael Caine, sono corsa a vedere un altro incontro con il pubblico (questa volta al Théâtre du Rond-Point, sugli Champs Elysées) di un attore straordinario, il franco-britannico Michael Lonsdale.
Non molto famoso in Italia, ma conosciuto ed amato dai Francesi, Lonsdale ha avuto quest’anno la sua consacrazione definitiva, grazie al ruolo di Padre Luc nel film di Xavier Beauvois Des Hommes et des Dieux, inaspettato campione d’incassi in Francia (oltre 3 milioni di spettatori) e catalizzatore di numerosi premi (Grand Prix du Jury al Festival di Cannes e ora grande favorito con 11 nominations ai Césars, gli Oscar à la Française, che si terranno a Parigi il 25 Febbraio).
Prossimo agli 80 anni, aria da gigante buono, lunga barba bianca, l'attore si presenta con la sua camminata lenta e strascicata sul palco del teatro, salutato da una vera e propria ovazione. Tutti i suoi fans si sono dati appuntamento qui. La serata, organizzata da Télérama, prevede una serie di domande da parte di una giornalista, ma la verità è che lui strega il pubblico con lunghi monologhi vivaci, senza alcun bisogno di un aiuto esterno. L’attore ripercorre la sua vita e la sua carriera, parla dell’infanzia vissuta in Marocco, con una madre francese e un padre inglese, parla del suo arrivo a Parigi nel 1947, della sua estrema timidezza e del suo desiderio di diventare un attore. Solo un grande sforzo di volontà gli permette di far sentire forte e chiara la sua voce, anziché bisbigliare come gli sarebbe più congeniale, o di esprimere sentimenti estremi come la rabbia (racconterà che un’insegnante dovrà minacciarlo di buttarlo fuori dal corso perché lui si metta a recitare un testo con violenza).
La carriera di Lonsdale, ricchissima e sterminata, inizia sulle scene negli anni ‘50, con una predilezione per autori come Beckett e Ionesco, e confluirà naturalmente nel cinema, dal quale l’attore è estremamente affascinato. Numerosi sono i grandi registi con i quali si trova a lavorare, sia francesi che internazionali (aiutato dal perfetto bilinguismo): Luis Bunuel, Orson Welles (Lonsdale racconta con stupore della telefonata ricevuta dal regista per proporgli una parte nel Processo tratto da Kafka), Joseph Losey, Louis Malle, Alain Resnais, Jacques Rivette, François Truffaut, Jean Eustache (dove riesce a far credere, grazie alla sua bravura, al bizzarro e sconcio racconto di Une sale histoire). Un rapporto molto importante sarà quello con Marguerite Duras, per la quale Lonsdale recita sia a teatro (L’Amante Anglaise) che al cinema (India Song) e alla quale lo legherà un’amicizia fraterna durata fino alla morte della scrittrice. La notorietà invece arriva con Truffaut, grazie a due ottimi ruoli di composizione (prima in La Mariée était en noir e poi in Baisers Volées) e, piuttosto incredibilmente, con la parte del cattivo in un film di 007, Moonraker, del 1979.
Negli ultimi anni, Lonsdale ha recitato in film di registi famosi e a grosso budget come James Ivory e Steven Spielberg e in film di giovani registi francesi alle prime armi e senza un soldo, dimostrando ancora una volta la sua estrema curiosità e la sua incredibile capacità di adattamento. Des Hommes et des Dieux, tuttavia, gli è sembrato subito qualcosa di speciale. E questo perché, anche se molto discretamente, Lonsdale non fa mistero della sua fede cristiana. Una parte come quella di Padre Luc, lo ammette, gli è sembrata una vera “benedizione” (e speriamo che la giuria dei Césars non si faccia sfuggire l’occasione di assegnargli il premio come miglior attore non protagonista, perché Lonsdale è semplicemente perfetto, nel film: misurato, intenso, commovente senza mai essere patetico, profondo senza mai essere pesante. Da Oscar, altro che da César!).
Lonsdale è cosi anche nella realtà: gentile, elegante, sempre sorridente, con quella capacità di prendersi in giro tipica degli umili e dei veri grandi. Il tempo in sua compagnia passa piacevolmente e velocissimamente.
Quando è il momento delle domande da parte del pubblico, l’attore desidera guardare in volto tutte le persone che gli stanno parlando e quindi chiede alla gente di sbracciarsi perché lui le possa inquadrare nonostante le luci accecanti del palco. Una signora prende il microfono per fargli una domanda. “E’ lei la signora che ho incontrato in autobus?” le chiede Lonsdale (e quanto ci sta simpatico il fatto che sia venuto alla serata in suo onore con i mezzi pubblici?). E la signora, un po’ piccata: “No, non sono io. Preferisce parlare con lei?”. “No, chère madame, continui pure. Io e la signora ci siamo già detti tutto in autobus!”.
Il pubblico ride ed applaude, è un fascino autentico quello che sprigiona da questo vecchio signore. Qualcuno in pace con il mondo, e si vede, si sente, si percepisce.
"Gli attori non sono capaci di avere una vita normale. Sono persone incapaci di vivere il quotidiano, hanno bisogno di credere che ci sia qualcos’altro, sempre. Qualcuno ha detto che gli attori sono i testimoni dell’invisibile".
Quando Lonsdale si alza e si allontana, quel qualcos'altro, qualsiasi cosa sia, sembra proprio essere a portata di mano.

Life on Mars

2011-01-25T21:56:00.034+01:00

I was having an apéro with a friend, tonight.

Kind of a new friend, who doesn't know much about my past life. We have in common this passion for TV series, and we talk endlessly about them (especially Mad Men). We usually see each other at the Bistrot à vins of the Cinéma des Cinéastes, one of my favourite cinemas in Paris. We were walking down the stairs after a couple of Macon Blanc when he stopped, looked at me and said: "You know, we (meaning he and his girlfriend) have tried to see this British series, Life on Mars, yesterday but... I don't know, there's something about it... I don't get it. I simply don't get it". For a moment, I stopped breathing. I looked puzzled at him. I couldn't speak. When I managed to talk again, I just said: "I love that series, it saved my life".

I know that, usually, when you say things like that people tend to think you are overdoing.

But I'm not. I bought the box set of Life on Mars - Season 1 on the saddest day of my entire life. When I bought it, I didn't know about it. And so, I always guessed that some weird cinema gods looked down at me on that particular day and made me buy it.

It was October 2007.

I had read few days before in a cinema magazine about this series. They mentioned the plot: Manchester cop who has a car accident on 2006, woke up in Manchester on 1973. I bought it, straight away, without even thinking twice. I have been raised at bread and British TV series, I didn't need any further detail to be convinced. The reason why it is called Life on Mars is that the cop in 2006 is listening to the Bowie song on his I-pod, while when he woke up in 1973, it is the hit single he could hear on his Ford Mustang radio.

If it wasn't for Life on Mars, that night, I would have probably walked slowly from Montmartre to the river Seine and drowned myself in some spectacular places near the Pont Neuf. But I dind't, because I started to watch Life on Mars and I wanted to see how it keeps going (and, plus, I knew there was a Season 2 to be seen!): I was already in love with John Simm character, with Philip Glemister character, with Manchester in the '70s, with the witty and intelligent dialogues, with everything.

After that night, I sometimes think about the other myself who is still somewhere there, on the bottom of the river. Like Ada MacGrath in The Piano by Jane Campion imagined herself at the end of the movie: the other self, the one that remained in the dark depth of the ocean. With all that silence around her.

Life on Mars brought me back to Life on Earth.

And this maybe finally gives an answer to the famous Bowie question: Is there Life on Mars?

Apparently yes, there is.

At least for me.

Deux de la Vague

2011-01-16T14:30:00.041+01:00

Tanti anni fa, la vostra Zazie ha seguito un corso di storia del cinema francese al Centre Galliera di Genova.
Era un corso molto interessante, tenuto da una simpatica maestra. Arrivata alla lezione sulla Nouvelle Vague, la maestra mi ha guardato e ha detto: "Ecco, questa la fai tu. Io non me la sento, con te in classe".
La breve premessa per farvi capire cosa possa significare, per me, andare a vedere un documentario sul rapporto di amicizia (finito male) tra François Truffaut e Jean-Luc Godard, considerati i due esponenti di punta del movimento cinematografico che più di ogni altro ha rivoluzionato il modo di fare cinema, non solo in Francia ma nel mondo. Significa, più o meno, sentirsi a casa.

E' quello che mi è accaduto ieri all'Espace Saint Michel vedendo scorrere le immagini del documentario Deux de la Vague, di Emmanuel Laurent e Antoine De Baecque. Quest'ultimo è anche l'autore delle biografie più esaustive mai scritte su entrambi i registi (quella su Truffaut è uscita nel 1996, comunemente detta "La Bibbia" a casa mia, quella su Godard è uscita nel 2010). Insomma la vicenda è giustamente raccontata da uno che sapeva due o tre cose di loro, e si vede. Truffaut e Godard non potrebbero avere storie più diverse: il primo proviene da una famiglia povera (figlio non voluto e non amato) e interrompe gli studi giovanissimo, il secondo fa parte di un’agiata famiglia svizzera, e frequenta scuole prestigiose. Ad accomunarli, sarà la passione cinefila. Si incontrano negli anni ’40 in un cineclub fondato da Eric Rohmer nel Quartiere Latino, e trascorrono letteralmente tutte le loro giornate al cinema, o per meglio dire alla Cinémathèque gestita da Henri Langlois. Dalle sale oscure alla critica cinematografica il passo è breve: entrambi si ritrovano negli anni ’50 a far parte della redazione dei Cahiers du Cinéma, insieme al resto della banda dei “Giovani Turchi”: Chabrol, Rivette, Rohmer, Resnais ecc. Truffaut diventa famoso per i suoi attacchi virulenti contro il cinema francese dell’epoca. Si fa odiare talmente tanto che gli organizzatori del Festival di Cannes del 1958 gli impediscono l’ingresso alle proiezioni. L’anno successivo, tuttavia, Truffaut trova il modo di “vendicarsi”: al Festival di Cannes ci va, ma come regista. Les 400 Coups vince il premio per la miglior regia e il giovane Jean-Pierre Léaud, protagonista assoluto del film, viene letteralmente portato in trionfo. E’ il segnale di partenza: tutti i critici dei Cahiers si mettono dietro la macchina da presa e iniziano a sfornare i loro primi film. E’ anche la nascita ufficiale della Nouvelle Vague. Godard, che vuole passare al lungometraggio, chiede una mano a Truffaut sia per trovare una buona storia che per trovare un produttore. Truffaut gli passa un soggetto scritto poco tempo prima su un fatto di cronaca che lo aveva affascinato e poi, insieme a Chabrol, si fa garante per l’amico nei confronti del produttore De Beauregard. E’ così che vede la luce quel capolavoro intramontabile di A bout de Souffle. Da quel momento in poi, i due amici seguiranno con affetto le loro rispettive carriere, aiutandosi a vicenda nei momenti del bisogno. Nel 1967, Truffaut co-produce il film di Godard Deux ou trois choses que je sais d’elle, e contemporaneamente scrive un articolo per i Cahiers du Cinéma nel quale definisce Godard “il più grande regista del mondo”, ricoprendolo di elogi. Gli amici saranno di nuovo fianco a fianco l’anno successivo, per il cosiddetto Affaire Henri Langlois. L’allora Ministro della Cultura André Malraux decide di sollevare Langlois dal suo incarico di direttore della Cinémathèque e tutti i registi della Nouvelle Vague, praticamente cresciuti in quei locali, organizzano manifestazioni di protesta (vincendo la loro battaglia, perché Langlois riavrà il suo posto). Nel maggio 1968, eccoli al Festival di Cannes, dove decideranno insieme ad altri registi di dichiarare chiusa la rassegna in segno di solidarietà nei confronti di studenti e operai che manifestano ovunque in Francia. Ma è l’inizio della fine. Godard da questo punto in poi cambierà tutto: vita, amici, e persino il tipo di cinema che fa. La politica spazza via tutto il resto. Per Truffaut, la politica è quanto di più lontano ci possa essere dal suo mondo e, di sicuro, non ha nessuna voglia di cambiare il tipo di storie che ama raccontare al cinema. La frattura si fa sempre più insanabile, ma scoppia nel momento in cui esce La Nuit Américaine di Truffaut nel 1973. Godard odia il film e scrive una lunga lettera di insulti a Truffaut, includendo nella missiva una lettera per Jean-Pierre Léaud, attore che in tutti quegli anni si è diviso tra i due registi (e che ora i registi sembrano contendersi, un po’ come farebbe una coppia che si sta separando con il proprio figlio). Truffaut gli risponde con una lettera (tanto famosa quanto meravigliosa) di 20 pagine che ben si riassume in una delle sue prime frasi: Jean-Luc, penso che sia venuto il momento di dirti, lungamente, che ti comporti come una merda. Truffaut gli restituisce anche la lettera che ha scritto a Léaud: l’ho letta e l’ho trovata disgustosa, non la consegnerò mai a Jean-Pierre. L’amicizia è finita per sempre. I due non si vedranno mai più. Neppure quando Truffaut sta morendo in ospedale di un cancro al cervello a soli 52 anni, nel 1984.
Deux de la Vague ripercorre e riassume tutto questo nella giusta maniera. Non è un documentario bouleversant, ma è un ottimo e preciso lavoro di ricostruzione. Un po’ inutili le immagini dell’attrice Isild Le Besco che vaga per Parigi, sta seduta in un cinema o sfoglia in silenzio i giornali d’epoca. Non toglie e non aggiunge nulla. Ho apprezzato invece che il film cerchi di raccontare in maniera obiettiva lo svolgimento dei fatti, senza stare dalla parte di uno o dell’altro. Certo, fornisce tutti gli elementi per formarsi un’opinione in merito ai due registi. Sul loro cinema, ciascuno potrà pensarla come vuole. Dal punto di vista umano, invece, a me pare che di dubbi non ce ne siano. Ma, lo ammetto, su questo non sono la regina dell'obiettività.

Abito di fianco al Cimitero di Montmartre.
Do you know what I mean?

The Cinema of Mike Leigh

2011-01-13T01:09:00.035+01:00

Do you remember when I wrote that there are film makers able to change your life?
British director Mike Leigh is one of those, for Zazie.
There are no directors as Leigh capable of making you feel unsettled. He has this incredible capacity to touch the most vulnerable parts of you: to show the weakness, the stupid vanity, the misery, the unhappiness, the complexity of human minds and souls. And yet, he does that with such compassion, that you also feel accepted and loved besides all your flaws. Leigh’s movies are cathartic, deep, witty and tragic at the same time. In many cases, they also are, as far as I am concerned, simple masterpieces.
Since his debut in the early ’70s at the BBC, Leigh showed his skills to reflect the absurdity and ridiculousness of modern society with a merciless sense of humour and a love/fascination for real losers. Did you like the cruelty of The Office (British version, of course)? Then you will be crazy about his Abigail’s Party, where a middle-class couple sets up at their place a fancy apéro for few friends. A jewel!
Leigh’s first feature film, Bleak Moments (and believe me, you got exactly what the title promises you), is dated 1971 and it has been followed by a bunch of great movies such as Hard Labour, Meantime, High Hopes, Life is Sweet. In 1993, Leigh wrote and directed one of the best films of the ‘90s, the tough and gloomy Naked, for which he won a prize at the Cannes Film Festival as Best Director. The Palme D’or arrived in 1996, thanks to the MAGNIFICENT Secrets & Lies (the story of a young black woman who, once her adoptive parents are dead, goes in search of her real mother) and the Golden Lion in 2004 thanks to Vera Drake (the story of a woman practising abortions in the London of the early ‘50s).
Leigh is famous for his particular way of working, especially with actors. Once the cast of a movie is done, he starts rehearsal few months in advance and then, at the moment of filming, the shooting is very quick, because actors are so much into their characters that they don’t need any further indication. Leigh’s method proved him right, because the performances of his actors are always outstanding and they are regularly covered with prizes. The other interesting thing is that he tends to always use the same people. You can even find on internet a chart with all the recurrent names in Leigh’s movies. Among the most “familiar” ones, there are Alison Steadman (who’s been Leigh’s wife for almost 30 years), Peter Wight, Ruth Sheen, Lesley Manville, Jim Broadbent, Phil Davis, Timothy Spall, Brenda Blethyn, Imelda Staunton, David Thewlis and the late Katrin Cartlidge (I miss her so much!).
The other day I went to see Leigh’s last movie, Another Year, and, once again, I was puzzled by his capacity of showing the ups and downs (especially the downs, actually) of human life. Tom and Gerri (yes, that’s funny), a middle-aged couple, have their own routine: to work, to take care of their little garden, to see once in a while their only child Joe and to have dinner with few friends. Tom and Gerry look genuinely happy. Two very lucky people: lucky to have found each other, to have nice jobs, a common passion for gardening and a lovely son (who has just introduced them his nice girlfriend). You can’t say the same about their friends Mary, a middle-aged single woman with a collection of bad love affairs and a serious alcoholism problem, or Ken, who’s facing exactly the same difficulties. Seasons pass but things don’t change, and once winter arrives, Mary’s condition looks more desperate than ever.

Quintessentially Leigh-esque, Another Year is a new great example of his humanity: Mary and Ken can be so unbearable, so hopeless, that you can easily decide to hate them, but if you allow yourself to get close to them (because this is the scary thing about Leigh's movies: you constantly think that that man/woman can actually be you), you will realize how much you feel for them. The Winter chapter is perfect in its semplicity: even the way Leigh is filming, with that cold and grey light, with the characters ready to surrender to their faith, to the cruelty of life.
High Hopes are gone, and we are left just with the Bleak Moments.
But, at least, we are not alone in this world.

p.s. I didn't find a decent video/trailer for Secrets & Lies and I don't want to spoil the movie publishing long parts of it, but PLEASE: watch this movie, because it is a Masterpiece. You won't regret it!